Posiblemente sea el último gran álbum
del trío, el cuarto en estudio hasta la fecha, y que se publicó en 1973 bajo su
propio sello discográfico Manticore Records. Greg Lake compuso todas las letras
con la ayuda de Peter Sinfield, su antiguo compañero de King Crimson.
“Ese disco marcó algo muy importante en mi
vida, en mi mente ese álbum es el número uno. No solo fue muy popular sino que
además, en mi caso, marcó un tope, fue un disco con el verdadero espíritu del
grupo. [Carl Palmer]”
Tras la publicación de Trilogy, su anterior trabajo, que fue
grabado en las entonces novedosas mesas de 24 pistas, lo cual supuso que
hubiera gran cantidad de sonidos sobrepuestos, se decidió componer un trabajo
para que fuese posible tocarlo en directo sin necesidad de sonidos pregrabados.
Para ello se compró un cine en Fulham, Londres, y se compuso todo en directo
para poder representarlo en formato de trío sin ningún tipo de añadido sonoro.
“Lo que realmente sucedió fue que acabábamos
de grabar Trilogy y no podíamos representar en vivo mucho de su material por
tantos sonidos superpuestos que no podíamos recrear fielmente en formato de
trío en un escenario. Así que lo que decidimos hacer en nuestro siguiente trabajo
fue un disco en vivo en primer lugar, de tal modo que luego lo pudiésemos tocar
sin dificultades técnicas. En realidad, y esto puede parecer terriblemente
extravagante, compramos un cine y quitamos todas las butacas. Montamos todo el
equipo en el escenario y empezamos a componer el álbum”.
Para ello, y debido al interés
creciente de Keith Emerson en los nuevos sintetizadores, Moog Music desarrolló
el primer módulo polifónico que se utilizó para la grabación del álbum junto a
dos secuenciadotes Moog 960, analógicos, que se integraron en el Modular IIIc
que también se utilizaría, desde entonces, en los conciertos en directo.
“El Lyra y el Apoll eran prototipos de Moog,
igual que los Taurus Pedals. Juntos formarían lo que sería el Moog Polyphonic
Ensemble o Constellation. Es lo que utilizamos en el California Jam o el que
puedes ver en cualquier concierto de Brain Salad. “Benny the bouncer” y “Jerusalem”
se tocaron con ellos y también lo utilizó en la tercera impresión para las líneas
de trompeta. En realidad el Polyphonic Ensemble eran tres unidades. La superior
era el Lyra, el polifónico Apollo estaba debajo, y los pedales Taurus en el
suelo.”
También Carl Palmer, tras la gira
Get Me a Ladder, tomó clases de
timbales en la Guildhall School
of Music & Drama y aumentó su set percusivo incluyendo timbales, gongs y
uno de los primeros instrumentos de sintetizadores de percusión.
Los temas que se incluyen en el
álbum son:
“Jerusalem”: una adaptación del
himno de Hubert Parry con letras del poeta William Blake. Como curiosidad, se
utilizó por primera vez un Moog Apollo, un sintetizador polifónico, que en
aquel momento aún era tan sólo un prototipo desarrollado por Moog.
“Toccata”: pieza instrumental
basada en el cuarto movimiento del Primer Concierto para Piano de Alberto
Ginastera. Se incluyó una sección de percusión en la que Carl Palmer utilizó la
nueva tecnología de sintetizador adaptada a la batería.
“Still... you turn me on”: una balada compuesta
por Greg Lake.
“Benny the Bouncer”: la última
composición de la serie sobre el Viejo Oeste.
“No hay nada malo en repetir la fórmula, lo
que añade calidad y maestría artística es su sonido. Se hizo siguiendo la
tradición de “The Sheriff” o “Are you Reddy Eddy!”, un ejercicio para
divertirnos.”
“Karn Evil 9”: la composición más
extensa del disco, dividida en tres secciones o impresiones, con un trasunto
conceptual sobre lo que acaece después de una guerra para pasar al relato de un
maestro de ceremonias que presenta al público todo lo que se puede observar en
una ceremonia circense hipotética.
“La idea original para el tema era un
planeta, llamado Ganton 9, en el que prosperaba el mal. Peter Sinfield escuchó
la música y la rebautizó como Karn Evil 9 argumentando que la música sonaba
como un carnaval.”
Esta primera impresión, dividida
en dos partes, es la más densa en cuanto a sonido y presenta una evidente
diferencia de volumen entre las dos partes: la que acaba la primera cara del
vinilo y la que empieza en la segunda. La explicación es puramente técnica
puesto que los surcos de principio de un antiguo vinilo dan mayor calidad de
reproducción que los del final, ya que, a la misma velocidad, la aguja lee más
surco del mismo y encuentra más información. Es por eso que las piezas más
comerciales de cualquier grupo solían ir al principio de las caras de un LP. La
segunda impresión es instrumental y está dirigida y construida por Keith
Emerson en clave de jazz, e incluye
el calipso “St. Thomas” de Sonny Rollins y material reelaborado del primero de
los Valses de Mefisto de Liszt: “Den Tanz in der Dorfschenke”.
“Esta pieza para piano expresa la inquietud
que se muestra en nuestro tiempo y la velocidad de los cambios que acaecen. La
escribí en un principio para un concierto para piano. Lo reestructuramos y lo
utilizamos como la segunda impresión. El solo caribeño de la segunda impresión
se tocó en un Minimoog (una interpolación del la canción “St. Thomas” de Sonny Rollins.
Siempre he sido un gran seguidor de los dibujos animados del pequeño ratón
mejicano Topo Gigio. Así que lo que hablé y grabé lo aceleré y lo sobreespuse. No recuerdo lo que dije con exactitud, pero era algo así como ‘Hey you guys if you
would like to go for tortillas, I could probably afford to spot you?’ Era algo
que sonaba vagamente español.”
La tercera impresión cuenta con
la voz de Keith Emerson, evocando una batalla en un medievo fantástico entre la
máquina y el ser humano. Emerson grabó su propia voz en el circuito analógico
de su Moog Modular para conseguir ese efecto vocal. Esta y la voz del ratón de la segunda impresión, que fue
acelerada, son las únicas participaciones vocales de Emerson en un disco de
ELP.
“El solo de órgano de la tercera impresión
creo que fue improvisada según recuerdo. No creo nunca haberlo tocado igual
cuando lo representamos en directo. El acompañamiento con la mano izquierda se
hizo en el tono bajo del mismo Hammond C-3 al igual que la línea del solo. No
recuerdo las configuraciones. Aunque se tocó en un órgano, utilicé un
sintetizador para las otras partes de la
melodía. El sonido triunfante se tocó con el Lyra, un prototipo del primer
sintetizador Moog con un teclado sensible. Conseguí una suerte de sonido de
trompeta impresionante.”
Greg Lake, al respecto del tema
de esta tercera impresión afirmó lo siguiente:
“La gente habla de los ordenadores porque es algo muy presente. Nosotros
utilizamos ordenadores. Se puede afirmar que no hay ningún tipo de emoción en
un ordenador. Pero es lo que decimos sobre las computadoras y en esta ocasión sí
que hay cierta emoción. El concepto general es que los ordenadores dominan la
vida de las personas. Hay un verso que dice: ‘load your program, I am yourself.’
Son palabras proféticas. Muchas veces me pregunto si de verdad toda esta
maldita tecnología está haciendo algo bueno.”
La portada del disco corrió a cargo
de Hans Ruedi Giger, que dibujó una de las imágenes más memorables, e
inquietantes, de su tiempo. Se puede observar su técnica biomecánica monocroma,
en la que se integra un mecanismo industrial con un cráneo humano. En la parte
inferior de la calavera se observa una pantalla que muestra una pantalla circular
que muestra una boca y la barbilla de una cara. Al abrirse ambas pestañas,
izquierda y derecha, aparece el dibujo de un rostro femenino completo, basado
en la propia mujer de Giger, que se suicidaría poco después de la publicación
del álbum.
“La esposa de Giger fue el modelo de la
portada interior. Sus labios siguen apareciendo en su portada, incluso después
de su muerte.”
Ambos rostros, el de la pantalla
y el del interior, son semejantes, pero en el exterior aparece un falo, que en
su original era completo, pero que se borró a instancias de la compañía
discográfica.
“Tras una larga deliberación con nuestra
compañía de discos, tuvimos que pedir a Giger que suavizara el objeto fálico
que se aproximaba a la boca de la imagen del visor hasta que se viera como una
especie de rayo de luz.”
Además H. R. Giger creó el nuevo,
y definitivo, logo de ELP.
El título del álbum en un
principio iba a ser Whip Some Skull on You, un eufemismo para hablar de sexo
oral, pero se descartó y se utilizó un verso del tema de Dr. John del tema “Right
place, wrong time” de 1973 en el que se decía: ‘just need a little brain salad
surgery, got to cure this insecurity’, que también hace referencia a un acto de
felación.
En las sesiones de Brain Salad
Surgery se grabaron tres temas que al final no se incluyeron en el LP:
“When the apple blossoms Bloom in
the windmills of your mind I’ll be your Valentine”: tema instrumental que
apareció en la cara B del sencillo “Jerusalem”, en el que se puede apreciar la
perfecta colaboración de sonidos generados por el Moog Lyra y el Moog Apollo.
“Seguramente fue una de las mejores formas
poéticas de decir no en la historia de la música. De hecho, salió de una jam
que descartamos cuando habíamos terminado ya el álbum. “
“Tiger in a spotlight”: el tema
habría sido incluido en el álbum si Ginastera no hubiese dado permiso para
utilizar “Toccata”.
“Un sábado estábamos improvisando en los
estudios. De repente Greg paró y escribió unos versos. En quince minutos
pusimos la música y una hora más tarde teníamos un tema nuevo.”
“Brain salad surgery”: sorprendentemente
y con ese título el tema no apareció en el álbum sino que se publicó como
sencillo promocional en formato flexi-disc con fragmentos del álbum.
“En realidad, el tema se grabó después de
haber grabado todos los temas y tener la portada del disco. Era un tema de usar
y tirar.”
Fuentes:
Ultimate Classic Rock
Jerry Culley, notas interiores de Brain Salad Surgery, edición en DVD
On the Board with Keith Emerson
On Stage, revista digital
Wikipedia
hrgiger.com
Brain Salad Surgery Alemania
Descubre la Caja de Pandora
Colección particular
