EL ÉXTASIS Y EL TORMENTO: ENTREVISTA CON LUIS ARNALDO
Agony & Ecstasy es uno de los proyectos musicales y sin duda el más arriesgado, personal, creativo y radical del baterista, compositor y productor; Luis Arnaldo Álvarez.
Tras Agony & Ecstasy no solo se encuentra la figura de un prestigioso músico de amplia y reconocida trayectoria que no cesa de sorprender en todas las parcelas musicales por las que mueve su exuberante estilo baterístico. Este magno creador también es el responsable y propietario de su propio bunker de operaciones profesionales como es ArnaldoStudio, su propio estudio de grabación, en el que no sólo lleva a cabo la elaboración de este singular y distinguido proyecto de puro y genuino Free Jazz, Rock In Opposition y experimentos de alto riesgo, sino donde también graba baterías a aquellos artistas nacionales e internacionales que solicitan su técnica y pegada, y donde graba a la vez y produce a grupos y artistas nacionales o donde diseña y crea músicas y locuciones para prestigiosos audiovisuales.
De Luis Arnaldo podemos decir que es uno de los músicos que forman parte de un colectivo bulímico que huye de modas, convencionalismos, etiquetas y de música de diseño audible en el formato más accesible de la misma. El propio Luis está clasificado como uno de los terroristas sonoros más activos que la escena de la música arriesgada y experimental ha dejado en España en los últimos años.
El músico madrileño y afincado en Asturias ha finalizado la grabación de lo que próximamente será la nueva entrega discográfica de este proyecto, que en todo momento trata de alertar el oído del oyente, con la paradójica finalidad al mismo tiempo de descuidarlo por completo, algo que solo puede ser perpetrado por verdaderos maestros de la música más arriesgada y libre de prejuicios. La publicación oficial del nuevo álbum de Agony & Esctasy está prevista para el próximo 16 de noviembre, una nueva entrega, la tercera en la trayectoria de este proyecto personal que llevará por título Hossana In Excelsis.
Con esta nueva entrega estamos ante una representativa y contundente obra discográfica que nuevamente se centra en la total y absoluta oposición al convencionalismo sonoro, y en la que al mismo tiempo se refleja el fenómeno socio-político de actualidad, el rechazo a la propia sociedad, a la religión, a las políticas modernas y un largo etcétera de fenómenos que en se encuadran dentro del concepto de la injusticia y los verdaderos valores humanos.
Desde descubre la Caja de Pandora hemos querido acercarnos al creador de agonías y éxtasis con el fin de adelantar a nuestros lectores lo que engloba esta nueva propuesta discográfica, aunque aún deberemos de esperar hasta el mes de noviembre para poder disfrutarla en alta fidelidad.
Haciendo un balance de Agony & Ecstasy, ¿Cuándo y por qué nace realmente este proyecto?
Nace en el año 2006 como un proyecto concebido para desarrollar particular visión de la vida, la que trato de abordar sobre un marco conceptual elementos de un presente, en el que me baso en fenómenos socio-políticos, con especial hincapié sobre las injusticias que se suceden desde tiempos inmemoriales cebándose con un pequeño sector de la humanidad digno de profundo y merecido respeto, o inclusive, la ironía y su enfoque surreal dotado de humor bizarro, en alusión a todo cuanto sucede a mi alrededor prácticamente durante las veinticuatro horas del día. Por otro lado, lo que intento expresar a través de
Citando la tragedia que está suponiendo el Covid 19, que ha puesto prácticamente el mundo al revés, ¿ha sido en este tiempo de pandemia y confinamiento donde se ha gestado Hosanna In Excelsis?
No, este disco ha tenido un largo proceso de gestación en la sede habitual de operaciones de Agony & Ecstasy, que no es otra más que la del laboratorio de experimentos sepia, en la que la formula intrínseca ha hospedado una filosofía, concepto y lenguaje expresivo inclinado extremadamente sobre una postura donde fenómenos como el Misoteísmo, el Ludismo, Satanismo, el aislamiento social, lo anti post-milenial (la repudia a la denominada generación Z), predominan a sus anchas abordando el esquema de una propuesta discográfica, ajena a pecados novedosos y la consagrada sustentación de la prepotencia y su danza turbia de originalidad. Comencé a trabajar en este nuevo disco en el mes de Noviembre del año 2018, y prácticamente acabé de componerlo y de grabar parte del mismo antes del periodo de confinamiento.
El título del disco ya nos alerta de que vamos a estar ante una obra con mucha miga, implicada en aspectos temáticos muy delicados y escabrosos, sin ningún tipo de prejuicio y con total libertad de expresión, no obstante ¿por qué Hosanna In Excelsis como título?
Simplemente basta con observar a tu alrededor para comprender el contexto de un título quizá inapropiado o quizá acertado para una obra en la que he procurado reflejar el excelso mamoneo retrograda de la evolución social, dirigida por las riendas de cuatro mequetrefes que ni tan siquiera han sabido gestionar el poder que ejercen sobre los cinco continentes de un planeta tierra… Aterrado.
Este nuevo trabajo es indudablemente el más oscuro y radical que he hecho hasta la fecha y en el que he querido apostar por la divinidad del realismo más trágico desde las extensas halas de mi concesión del Free Jazz, el Rock In Opposition, el Radical Canterbury, la Fusión o inclusive una pequeña mirada hacia añejas basuras de metal cristalino de opaca potencia visceral.
¿Cómo ha sido el proceso de composición y posterior grabación?
Tan pausado como intenso, tan fluido como espeso, espontaneo, fresco y tan desenfrenado como comedido. En resumidas cuentas como viene siendo habitual la fórmula de trabajo en Agony & Ecstasy.
Hablamos antes de la situación Covid 19, de un fenómeno que parece ser que ha venido para quedarse definitivamente entre nosotros, y del que en su periodo de confinamiento ¿crees que ha servido ya no solo para concienciar o solidarizar a una sociedad confusa y aturdida, sino para que también muchos músicos hayan creado sus obras más significativas e interesantes?
Siendo rotundamente claro y sincero, este año 2020, el anunciado año bisiesto por muchos octogenarios como el más trágico de las últimos sesenta años, pasara a la historia por ser la temporada en la que las previsibles estrategias sistemáticas y la desbordante desinformación de contrastada procedencia viral a cerca de la parafernalia Covid 19, han contribuido por una parte al desbordamiento de la obesidad mental social, y a otro genocidio masivo de un buen número de seres humanos, que durante las últimas décadas han sido todo un referente que ha traído consigo un legado que a muchos como a mí, nos han dejado el terreno sembrado para disfrutar de magnas cosechas que hasta la fecha han saciado el apetito voraz de la comodidad, a pesar de que mucha gente de mi generación se ha labrado a base de lucha, sacrificio y esfuerzo un porvenir incierto, el mérito de esa lucha hay que atribuírselo a esos abuelos, a esos padres que en su mayoría, a esa generación de oro antecesora cuya mayoría por desgracia, ya no está entre nosotros. Un 2020 en definitiva, que en lo que al plano cultural concierne, se ha camuflado de pandemia, para decapitar la escena musical y arriesgada sin escrúpulos ni pudor, dejando definitivamente el plano musical y al arte en general enterrado.
Consideramos que todos los músicos en general independientemente al estilo que practiquen se han visto arrollados por la situación, pero en concreto ¿consideras que esta ha sido la puntilla definitiva para los artistas de otros géneros más de culto y situados en las músicas innovadoras?
La vertiente más arriesgada de la música contemporánea, nunca ha ocupado el lugar correspondiente en el hueco del mérito a lo largo de años transformados en décadas lideradas por la desgracia de Dios y su dictadura impuesta sobre el subsuelo de un cielo en el que nunca se ha visto reflejado el mar. Probablemente muchos músicos hayan aprovechado el confinamiento para crear discos o canciones basadas en reflexiones del propio fenómeno Covid 19 y sus secuelas, o en la aberrante solidaridad y su pestilente concienciación humana de puro y genuino plástico… Y a su vez, también ha servido para que la habitual y cada vez más extensa asamblea de soplapollas y discípulos del alarde del ‘’arte’’ de condenar la música hacia el océano del más soberano aburrimiento, transportando el mismo por terrenos escabrosos tales como el exceso de tecnicismo en el contaste robo de Licks de todo tipo, para atribuirse ejecuciones dotadas de un destacable nivel de ejecución dotado de gran técnica, expuesto sobre el escaparate de la velocidad de la luz para incrementar aún más si cabe la anti-musicalidad fomentando la presencia en la vomitiva plataforma YouTube, o rendir pleitesía al postureo en redes ´´suciales’’ del calibre de Instagram o Facebook. Lugares donde se dan cita precisamente toda la plana mayor de la intrusión profesional.
El álbum verá la luz el 16 de noviembre de este año. Un 2020 que considero digno de quemar en el borrador del esbozo más surrealista. El disco será publicado a través del sello Naranco Sounds en formato vinilo, eludiendo a priori el evangelio digital streaming, la edición física digital y demás mandamientos de la ley de un rastrillo denominado mercado musical. Será publicado en vinilo de 180.
¿El disco, ha sido grabado y producido íntegramente en tu estudio, el prestigioso ArnaldoStudio?
Sí, ha sido compuesto y grabado en ArnaldoStudio en su integridad, y en Vumeter Studio (Cantabria), en el Private Noland Studio de Massachussets (Boston USA), siendo mezclado producido y masterizado en ArnaldoStudio.
¿Qué otros músicos han participado en esta nueva propuesta?
He contado con músicos como Marcos Fernández y David Abad Segovia (Guitarras), Bill Noland (Bajo), Madeleine Noland (Mellotron), Mark Korven (The Apprehension Engine), Péter Pejtsik (Cello), Juan Sáiz y Hudi Bernaud (Flautas y Saxo) y Mayka Álvarez (Voces).
¡Casi nada! Imaginamos que el resultado habrá sido altamente satisfactorio. Naranco Sounds es un sello discográfico prometedor que parece ser que alberga un trabajo discográfico que se distancia con creces, de prácticamente todo cuanto se está cosechando en la música actual en el plano de la escena independiente, al margen del Free Jazz, la experimental o cualquier género concreto al que nos remitamos. No obstante ¿seguimos estando lejos de lanzar al mercado una obra pretenciosa?
La pretensión del mismo es la de reencontrarme con la satisfacción que se obtiene cuando la libertad de expresión se centra en el ya establecido como norma en Agony & Ecstasy como descuido por completo de oyentes de porcelana y unanimidades afines, o títeres y discípulos que danzan de forma enrevesada sobre las brasas de la más aberrante sencillez, sobre la tensa cuerda del desequilibrio. Norma fundamental y principal motor de arrastre en la progresión, prolongación y el avance de Agony & Ecstasy como el proyecto musical más personal de un servidor.
Por algunos de los temas que a modo de anticipo del disco han llegado a mis oídos, he apreciado en los mismos las magistrales aportaciones de músicos como Bill Noland, o Juan Sáiz en los vientos, tanto en el saxo tenor como en la flauta travesera, y al mismo tiempo, me llaman especialmente la atención las narraciones y diálogos de gente a priori de la calle, por así decirlo, personajes de a pie, en una palabra, junto con los efectos sonoros y el realismo de los mismos. Nos gustaría saber realmente como has logrado todos esos ambientes naturales de coches, ambientes de naturaleza, diálogos, inclusive sonidos de animales. Todo ello en un estado muy puro. ¿Cómo ha surgido la idea de darle una dimensión de efectos de este calibre a ciertos temas de tan hipnótica obra?
Cuando le di las pistas de los temas a los colaboradores, para que desarrollasen sus correspondientes papeles, lo que más les llamo la atención de los mismos, fueron los efectos de algunos temas. En el caso de músicos como Bill Noland o Juan Sáiz, hicieron de forma magistral la lectura de las canciones en las que iban a colaborar. Captaron la idea de cada tema encajando a la perfección sus respectivas bazas en sus ejecuciones, y parte de ello se debe a los efectos de piezas halladas en temas como Vertiges Tiemes, o Lost In Torrestío.
Todos los sonidos ambientales y de campo que aparecen en el disco son reales. La mayoría de ellos fueron grabados en el cercano concejo de Somiedo en Asturias, dado que, por razones obvias, este territorio del suroccidente astur se presta a ello. Hice varias tomas de audio de amaneceres, atardeceres en diversos pueblos del mismo; Las Morteras, Pola De Somiedo, Villamor, La Riera, Saliencia, o el alto de San Lorenzo entre otros puntos, registrando desde animales (vacas, gallinas, perros, gatos, venados, corzos, pájaros) así como de ríos, tormentas, o maquinaria agrícola en funcionamiento… Tráfico de coches… O cualquier sonido cercano que he considerado de interés para adaptarlo a temas como Lost In Torrestío o Romancestrum parte I. En referencia a la narración a la que aludes, se trata de un poema de una vaqueira asturiana, quien estuvo afincada en la localidad de Torrestío en Babia (León) y vivió la trashumancia. Se trata de la voz de Nieves Álvarez, una noble mujer autodidacta y amante de la poesía, quien creo el poema: Bajando A Las Marinas, recitado originalmente en el espacio televisivo conducido por José María Labordeta, Un País En La Mochila allá por el año 1997. Tuve la oportunidad de ver aquel capítulo dedicado íntegramente a la localidad de Babia, y me cautivo la forma en la que esta mujer narraba a golpe de entusiasmo este poema, o como ella misma definía: ‘’Mi propia historia’’. Así que, recurrí a los archivos de RTVE para acceder al audio de Nieves, y sobre el mismo, desarrolle la citada canción Romancestrum, en la que sobre una serie de compases de batería de métrica irregular acompaño la voz de Nieves, y derivo en la misma pieza hacia una armonía más oscura, en la que recito el que quizá para mi sea el mandamiento más coherente de la biblia satánica. A priori… Un consentido sinsentido que desemboca en pleno romance.
No, en absoluto. Somiedo lo tiene todo y es pura luz incandescente que destella pureza y evoca paz por sus cuatro costados. Cuando trabajas en música conceptual de carácter oscuro, en mi caso, lo que menos me inspira son esos supuestos lugares que a priori puedan prestarse a ello, por ejemplo, en medio de una macabra guerra, o en el cementerio de la Almudena me inspirarían medios tempos rítmicos de gran belleza melódica. El concepto es el concepto tanto en la playa más luminosa y atractiva del Pacífico norte, o en el bosque más frondoso y tétrico del Amazonas.
Sencillamente, cuando quiero evadirme aún más si cabe de la obesidad mental que habita en los protagonistas de la vida de mi lejano entorno, o simplemente cuando necesito estar más a gusto conmigo mismo, acudo a Somiedo porque allí encuentro todo cuanto necesito tanto a nivel creativo como a la hora de evadirme y desconectar hasta de mí mismo. En toda la extensión de este territorio hallo desde paisaje a paisanaje, sumado a una oferta intimista descomunal, sumada a otras como la gastronómica y hostelera, las que entre otras son realmente competitivas y de cuotas internacionales. Quizá esté mal que yo lo diga, pero es probablemente por mérito y derecho un concejo ejemplar en todos los aspectos y que debería de ocupar un lugar de mayor peso ya no solo en Asturias, sino a modo global. Somiedo es algo más que una fuente de recursos basados en el turismo y la ganadería, y no digo esto precisamente por publicitar el concejo o por el mero hecho de tener familiares en dos de sus pueblos, sino porque este territorio se ha convertido en una parte fundamental de mi trabajo en estudio como músico, y esto es simplemente un hecho real como la vida misma. Y respecto a Mark Korven, es por excelencia el músico del cine de terror mundial de los últimos años. Mark, por razones obvias tenía que colaborar en este nuevo disco, con su espectacular The Apprenssion Engine, un instrumento tan sencillo como complejo, pero que, desde hace años, está nutriendo con escalofriantes y desgarradoras sensaciones sonoras a la industria del cine de terror no apto para cardiacos en su refinada apuesta por el criterio realista. Y seguro que Mark Korven también puede componer una banda sonora llena de crudeza y tensión tanto en una oscura iglesia satánica de Kansas, como en el alto de la Farrapona en un destellante día soleado en plena época estival. Reitero que, para algunos músicos, el lugar donde les fluyen sus ideas creativas, no tiene que ser precisamente el más acorde a las mismas. De hecho, la mayoría de las horrendas baladas y resto de absurdas canciones de amor o las melodías y armonías más insípidas de la música convencional, no han sido escritas y compuestas precisamente en paisajes idílicos de ensueño con olor a Perlan o Mimosín concentrado.
Otro de los factores que llama la atención del disco, son los mensajes hallados en el trazado de las secciones vocales cantadas, los diálogos invertidos indescifrables, o las frases y narraciones en que sostienen el toque irónico, en combinación con lo surreal, digamos creando ese sin sentido consentido que aparecen en temas como Romancestrum Part I y II. ¿A qué se debe este enigmático rompecabezas, que intuyo al mismo tiempo que es una fórmula establecida en el concepto de Agony & Ecstasy?
El surrealismo bizarro es uno de los juegos perfectos en el trazado conceptual de una filosofía que choca frontalmente con lo inesperado, si la intención es alertar al oyente. Puedo corroborar que las voces extraídas en su mayoría de conversaciones publicas protagonizadas por personajes de a pié de cualquier lugar, grabadas en ceremonias, fiestas populares o en un simple mercadillo dominical, y que he invertido (ponerlas al revés) en el estudio, se han convertido en esa fórmula establecida que planteas en esta pregunta. En Hosanna In Excelsis, he jugado con la inversión de la primera estrofa de la canción popular, tradicional de Tonada: La línea trazada, pasando por un cántico de una peña femenina de las fiestas del Carmen de Cangas Del Narcea, hasta el vendedor de quesos Afuegal´l Pitu del mercadillo de Grao de los domingos. Todo ello registrado a tiempo real sobre los distintos escenarios donde han sido capturadas las tomas. Sonidos de campo, ambientales en toda regla.
En el caso de la pieza Romancestrum fragmentada en dos partes, la voz que protagoniza prácticamente la primera parte de la canción, pertenece a una noble mujer asturiana, que durante años estuvo afincada en la localidad de Torrestío, lugar perteneciente a la comarca leonesa de Babia. La protagonista de esa voz que narra un poema de su propia cosecha, se llamaba y ojalá se siga llamando Nieves Álvarez. Se trata de una humilde y luchadora mujer rural, cuya pasión era la poesía, actividad que desarrollo de forma autodidacta, y entre sus poemas más destacados, popularizo el que he empleado precisamente en este tema, el que ella misma bautizo como: Bajada A Las Marinas, o lo que es igual, su propia historia. Es la narración de la experiencia de una mujer vaqueira, que de forma nostálgica define la trashumancia. Originalmente, ese poema fue grabado y emitido en televisión española en el espacio conducido y presentado por José María Labordeta, Un país en la mochila, en su recorrido por Babia en uno de sus episodios. Por lo tanto, tuve que recurrir a los archivos de RTVE, y gracias a la gentileza de sus responsables, me cedieron el audio de la intervención de Nieves para aplicarlo al tema. Lo que hice simplemente sobre la voz de Nieves, fue acompañar la misma con una serie de compases de batería de métrica irregular, introducir un Theremin y fluir sobre el poema de una mujer, que desde que la vi en televisión española allá por el año 1998, me marco de tal forma, que, dado el trazado de este nuevo disco, he estimado oportuno que, sin ningún tipo de mofa o afinidad, Nieves tenga su cabida a modo de homenaje desde el recuerdo. Ojalá fuese ella misma la hubiese narrado directamente su poema, pero lo cierto, es que desconozco si esta mujer aún sigue en vida porque estamos hablando de una persona de una edad muy avanzada. Sinceramente deseo que ojalá siga latiendo en su Asturias natal o su Torrestío de adopción, porque como he citado con anterioridad, la gente de su generación, son los responsables de que la nuestra, esté mayoritariamente con la mitad de su parcela labrada. A su vez, ellos han sido la mejor universidad que hemos tenido, y su legado será imperecedero. Lo poco que hasta el momento he aprendido de esta vida, lo he hecho fuera de las aulas escolares y de los sistemas educativos vigentes en la segunda mitad de los años setenta y ochenta. Mi mejor escuela ha sido siempre escuchar con respeto y observar a nuestros mayores, fuese cual fuese su procedencia y origen geográfico.
El desarrollo de las voces fue pura fluidez mecánica improvisada, mientras escuchaba la armonía de la segunda parte del tema, en los primeros compases recito un verso de la biblia satánica, quizá el más coherente de la misma, y en el resto entono de forma rockerizada la frase “Keep Of Sheep Of Fools”, en la que quizá la referencia sea Robert Plant, hay las diferencias obviamente son abismales. Yo no soy cantante, y es una función que detesto y más en concreto en este proyecto. Robert Plant lo hubiese bordado, y es un vocalista al que respeto y más aún, en su obra fuera de Led Zeppelin entre los años 1980 y 1985. Y no, no me siento identificado con el rock and roll al uso, ni con Led Zeppelin y su obra, la cual insisto que respeto hasta cierto punto. Si a lo mejor en ese mismo momento de improvisación vocal se me viene a la quijotera David Coverdale, Mick Jagger, Paul MccArtney, Sara Montiel o Sergio Dalma, quizá hubiese fallecido en el acto a consecuencia de una ‘’asquimia’’ severa, por el profundo asco que siento hacia los personajes que he citado. Y en cuanto al concepto oscuro y satánico albergado en el disco, lo cierto es que nunca he visto ni a Satanás, ni a Dios, ni a la madre que los parió. Pero si existe algo realmente aberrante son las creencias religiosas sean cristianas, semitas o budistas. Y si alguna de ellas es absurda por excelencia es el cristianismo. Otro gran negocio extremadamente redondo que se ha cebado mayoritariamente con personas mayores a lo largo de la historia, llegando a calar en inocentes jóvenes desconcertados, o con el ziganísmo inclusive entre otras etnias. Por lo poco que conozco de las ciencias oscuras y el culto a satanás, exista este mito o no, son mucho más coherentes sus mandamientos que los de esa ley de un Dios al que parece ser que lo que menos le preocupa es que la humanidad se desvincule de absurdos odios, egoísmos, envidias y demás triquiñuelas que por defecto de serie, vienen arraigadas a la raza humana.
Naranco Sounds será el sello discográfico encargado de publicar este nuevo disco ¿Qué nos puedes contar a cerca de este sello?
Naranco Sounds es una iniciativa que apuesta por la independencia musical abordando estilos como el Rock, el Jazz y en este caso, por el Rock In Opposition y el Free Jazz. La gestión de este sello es francamente buena especialmente en parcelas como la promoción.
¿Cuáles son los planes futuros de Agony & Ecstasy, habrá presentación en directo de Hossana In Excelsis, siempre y cuando la situación mejore y sea positiva?
En cuanto al directo, simplemente queda armarse de paciencia y esperar la evolución de la situación de cara al próximo año 2021. Una situación nada alentadora para la música en directo. Espero poder dar fechas próximamente.
Pues Luis, amigo, gracias por haberme atendido y espero impaciente la fecha de edición de Hosanna In Excelsis. Tan solo me queda desearte lo mejor, y que esta guerra sistemática llegue a su fin, y la música remonte y recobre vida, en especial tu música y tu talento.
Gracias a la pequeña manada de fieles e incondicionales, que a base de paciencia y confianza seguís este proyecto, sin elogiar el mismo con palmadas de madrastra sobre mi espalda.
