SEASON'S GREETINGS 2010 FROM KEITH EMERSON

GRAN TORINO: ZORRO

Buen grupo de Verona, Italia, con un interesante progresivo instrumental de calidad.

BOOTLEGS PARTE 2

En esta segunda parte comenzaré por enumerar los bootlegs más difíciles de conseguir, de modo rigurosamente alfabético, y que podrían ser de interés para algunos de vosotros. Como en todos mis artículos se agradecen los comentarios y, si fuera posible, la manera de conseguirlos.

Todos los bootlegs a los que voy a hacer referencia fueron prensados en los Estados Unidos, a menos que haga referencia a otra generación, y contienen todos los datos precisos para su identificación exacta, así como los temas, portadas (si las tuvieran) y algún que otro comentario.
Dicho todo esto, ahí voy con esta nueva entrega.

ASIA

ONLY TIME WILL TELL
XL 1151
Cara 1: Time again/On step closer/Without you
Cara 2: Roundabout (Steve Howe)/Midnight sun
Cara 3: Only time will tell/The smile has left your eyes
Cara 4: Cutting it fine/Wildest dreams
Cara 5: Here comes the feeling/Karn evil 9 (Carl Palmer)
Cara 6: Soul survivor/Heat of the moment
Grabación: excelente estéreo.
Procedencia: Philadelphia Spectrum, 22 de junio de 1982.
Comentarios: bootleg japonés con portada de lujo en rojo y amarillo; separación de temas.

BOSTON

ALIVE!
Roxtarz BMC 5139/LRX 7802
Cara 1: Rock & roll band 3:44/Can't get you out of my mind 4:02/Foreplay: long time 13:16/Television politician 4:33
Cara 2: More than a feeling 8:49/A man I'll never be 6:32/Smokin' 6:37/Something about you 3:58
Grabación: excelente estéreo
Procedencia: Civic Arena, Long Beach, California, 15 de febrero de 1978.
Comentarios: 750 copias con portada de la nave espacial de Boston en forma de guitarra; 250 copias con portada de Star Wars. Es posible que esta última sea el bootleg Space invasion, con fecha 19 de marzo de 1977. Un insert dice: "esta grabación fue realizada con el consentimiento y cooperación del grupo Boston. Desafortunadamente, por motivos contractuales ha sido necesaria la publicación de esta grabación sin el consentimiento de EPIC Records".

THE BAND FROM THE PLATINUM BASEMENT
Whole World Recs. 63
Comentarios: una copia exacta del anterior con portada de lujo en color marrón. Excelente extéreo. Con ruidos.

WE FOUND IT IN THE
TRASHCAN, HONEST
Boss1-Dragonfly Rec.
Cara 1: Rock'n'roll band/Life isn't easy (something about you)/More than a feeling
Cara 2: Don't be afraid of love/Peace of mind/San Francisco day (hitch a ride)
Grabación: excelente estéreo.
Procedencia: estudio casero de Tom Scholz en grabadora de 24 pistas. Verano de 1975.
Comentarios: cinco de los temas fueron grabados para el primer álbu
m del grupo. Separación de temas.

IZZ: CAN'T FEEL THE EARTH PART 1

BOOTLEGS PARTE 1

En 1969 las tiendas de discos piratas hicieron su aparición en los Estados Unidos y Europa. Antes, los discos piratas, o bootlegs, estaban dedicados, principalmente a artistas de jazz y blues, pero no llamaban excesivamente la atención de los bootlegers porque no podían hacer mucho dinero con ellos.

Podemos afirmar, con casi toda seguridad, que el primer disco que comenzó todo, en el terreno del rock, fue el Great White Wonder de Bob Dylan, un álbum doble con portada blanca sin sello ni título. Como las grabaciones de sonido no recibieron protección de copyright en los Estados Unidos hasta el 15 de febrero de 1972, el doble de Bob Dylan tuvo una distribución mayor que la que podría ser en la actualidad. Se estima, tirando muy alto, que se vendieron unas 350.000 copias. Pero lo más interesante y curioso, por lo anecdótico del caso, es que Columbia Records publicó el mismo material años más tarde de manera "autorizada" como una versión oficial, que vendió muy bien, bajo el título The Basement Tapes.
En este punto tenemos que considerar varias distinciones en cuanto a la terminología usada. Podemos distinguir entre bootleg, pirata y counterfeit. El primero de los términos hace referencia a grabaciones de material sonoro inédito en concierto, tomas de estudio y emisiones de televisión o radio. Pirata es aquel disco que contiene material ya publicado con anterioridad sin la intención de que el disco parezca original. Y finalmente un counterfeit es una copia exacta de un álbum publicado oficialmente.
La industria de las grandes compañías incluyen a los bootlegs en el mismo saco de los piratas y counterfeits cuando se refieren a las pérdidas de ingresos por culpa de la piratería. Sin embargo, los bootlegs no deberían estar incluídos en estos datos debido a sus limitadas ediciones y a que , precisamente por eso mismo, no hacen ningún daño a las multinacionales al no estar incluídos en sus catálogos. Además los directivos de estas grandes compañías no estiman el gran valor histórico de estas grabaciones, debido a numerosos hechos: separaciones de grupos, muerte de músicos, etc., elementos estos que no se tienen en cuenta en los catálogos oficiales y que, de otro modo, si no fuera por los bootlegs se perderían en el olvido. Es cuando esta grabación adquiere su gran valor como documento.
En la actualidad la media de prensaje de un bootleg en Norteamerica es de 1.000 copias; en Europa los prensajes van de 500 a 1.000 copias y en Japón tan sólo de unos cientos. Australia ha entrado en este mundo también con un volumen similar a Japón y Canadá, a pesar de que ha sido históricamente un gran productor de cajas (box set) dedicadas en su integridad a Bruce Springsteen, no es un país que podamos considerar productor de bootlegs.
Todos los sellos americanos importantes y esenciales dedicados a los bootlegs han cesado su actividad en la actualidad. Este es el caso de Rubber Dubber, Immaculate Conception Records (ICR), Contraband Music (CBM), Dittolino Discs, Kustom Records, Trade Mark of Quality (TMOQ), Pig's Eye, Highway Hi Fi (HHCER), Phonygraf.
La siguiente generación, también fuera del negocio, fueron Wizardo Records (WRMB),, Idle Mind Productions (IMP),, Hoffman Avenue Records (HAR), K&S Records y Amazing Kornyfone Record Label.
En el tiempo actual la mayor parte de prensajes y novedades provienen de Europa, que han mejorado notablemente la calidad de sonido y el art work. En muchos de los casos han superado a cualquier publicación original.

Como colofón a esta primera parte dedicada al mundo de los bootlegs, en sucesivas entregas iré enumerando todos los bootlegs publicados en estos sellos históricos y que tan difícil de encontrar son hoy en día, como tributo a todos los documentos sonoros que han sido en el pasado, todos ellos dedicados al rock progresivo mundial.

ECHO US: THE MIRROR IN THE WINDOW

RICK WAKEMAN OUT THERE - OUT THERE

The Moody Blues - I Know You're Out There Somewhere

Lucky Man by Emerson, Lake and Palmer

David Minasian - Random Acts of Beauty

EL RINCON DEL PIRATA

EL RINCÓN DEL PIRATA

En esta nueva sección os introduciré al mundo de los discos y videos piratas, bootlegs o roio’s, con las mejores calidades de audio y/o video que corren por Internet. Así muchos de nosotros podremos calcular la calidad real de los músicos de manera directa y a un bajo coste. La intención es meramente informativa y educativa tras muchos años de búsquedas por la red. El que los quiera se los puede bajar, es totalmente gratis y legal, por lo que desde aquí os animo a hacerlo. En este número vamos a degustar los siguientes trabajos:

ALAN PARSONS PROJECT: RIVERBEND MUSIC THEATRE, CINCINNATI, OHIO, USA, 1995 (1 CD MESA DE MEZCLAS)

Se trata de una grabación directa de la mesa de sonido con una sorprendente calidad y que en su momento se pensó para radiarlo en algún programa al uso.

Los temas son:

1. Intro/Sirius
2. Eye in the Sky
3. What goes up
4. Lucifer
5. Can’t take it with you
6. Intro: A Dream within a dream
7. A dream within a dream/The raven
8. Take the money and run
9. Time
10. Games people play
11. Psychobabble.

En aquel momento el grupo estaba formado por Alan Parsons, teclados y guitarras, Felix Krish, bajo, Stuart Elliot, batería, Andrew Powell, teclados, Richard Cottle, teclados y saxo, Ian Bairnson, guitarras, y Peter Bechett y Chris Thompson, voz.

Fuente: vivalesbootlegs.blogspot.com

RUSH: MID-HUDSON CIVIC CENTER, POUGHKEEPSIE, NY, 26-1-1980 (1 CD MESA DE MEZCLAS)

Sonido perfecto de mesa de mezclas remasterizado y remezclado en la actualidad para gozo y disfrute del acérrimo de los canadienses:

1. Jacob’s ladder
2. Working man
3. Finding my way
4. Anthem
5. Bastille day
6. In the mood
7. Drum solo (Doctor Braino)
8. Working man ending
9. La Villa Strangiato
10. Cool down music: We’ll meet again (Vera Lynn)

Fuente: qualitybootz.blogspot.com

CAMEL: MUZIEKCENTRUM VREDENBURG, UTRECHT, NETHERLAND, 15-5-1984 (1 CD, FM)

Concierto grabado para la radio de la gira de Stationary Traveler.

Temas:

1. Intro
2. Unevensong
3. Never let go
4. Drafted
5. Lies
6. Pressure points
7. Refugee
8. Cloak and dagger man
9. Long goodbyes
10. Lady fantasy
11. Radio outro
12. Hymn for her
13. Vopos
14. Stationary traveler
15. West Berlin
16. Fingertips
17. Sasquatch
18. Rhayader
19. Rhayader goes to town
20. Radio outro.

Fuente: progboot.blogspot.com

GENESIS: BOREHAMWOOD, UK, 30 y 31-OCTUBRE-1973 (DVD PROFESIONAL NO EDITADO)

Vídeo totalmente profesional trasferido de un formato de 16 milímetros a PAL. Impresionante e imprescindible.

Temas:

1. Opening credits
2. Watcher of the skies
3. Dancing with the moonlit knight
4. I know what I like
5. The musical box
6. Supper’s ready
7. Closing credits

Fuente:

theultimatebootlegexperience3.blogspot.com

MANDALABAND

MANDALABAND

Tras varios años de audiencia y con este tercer proyecto de David Rohl como banda y con otro pendiente ya de publicación esta es la entrevista que mantuve con uno de sus teclistas y principal compositor, el músico español José Manuel Medina Pélez.

Antes de nada, quería preguntarte cómo entraste en contacto con David Rohl para su proyecto Mandalaband. ¿Conocías al grupo antes de que te requiriera para Mandalaband?
En realidad fue él quien contactó conmigo la primera vez y fue a través de Myspace. Yo tengo creado un espacio para mi proyecto donde tengo un apartado para describir mis principales influencias. En él figuraban Barclay James Harvest y también Mandalaband. Supongo que David Rohl me encontró por esta razón y después de escuchar algunas piezas mías, me envió un correo electrónico para proponerme participar en Mandalaband. Yo ya conocía Mandalaband desde hacía algunos años y había quedado cautivado por el encanto y fantasía de The Eye Of Wendor. Sin duda es un clásico del género.

Mandalaband es un proyecto de un ingeniero de sonido, si no me equivoco, que en los setenta grabaron dos legendarios álbumes. Del primer proyecto querría saber si existe algún contacto con sus músicos y por qué se desbandó el grupo.

No tengo conocimiento de que David tenga contacto con los chicos de la primera formación de Mandalaband (1975). El único músico que realmente sigue activo trabajando con David es Ashley Mulford, excelente guitarrista que tocó en Sad Café y Mike & The Mechanics. En realidad el grupo no se separó. Inicialmente David Rohl concibió el primer trabajo de Mandalaband de una manera que nunca se llevó a término. La compañía para la que se estaba grabando el disco, Chrysalis, escogió a otra persona para mezclar el disco, pero los resultados no fueron muy satisfactorios. Finalmente uno de los directores de Chrysalis, Chris Wright, ofreció a David mezclar todos los temas del álbum, pero como las grabaciones no habían sido muy satisfactorias, el acabado final no fue lo esperado. Tal vez derivado de ello el disco no tuvo mucho éxito, razón por la cual David abandonó el proyecto para dedicarse a labores como ingeniero de sonido y trabajando en colaboración de bandas de la talla de 10cc, Barclay James Harvest y T-Rex entre otros.

Qué relevancia tuvo el primer trabajo de Mandalaband.

Como ya he comentado, la relevancia que tuvo el primer álbum de Mandalaband fue muy discreta. Con el paso de los años, melómanos aficionados al género lo han considerado un disco de culto, pero no lo fue en el momento de su edición.

Su segunda publicación, The Eye of Wendor, editada en una mala fecha para el progresivo, en 1978, nos trasladaba a los mundos de Tolkien. ¿Por qué se abandonó el proyecto de la trilogía?

En efecto estaba planeada una trilogía que contaba una historia que bien podría haber sido del mismísimo Tolkien. Un mundo fantástico recorrido a lo largo de intensos pasajes musicales. Como bien comentas, el primer álbum de esa trilogía fue editado en 1978, momento musical en el que las nuevas tendencias como el Punk, el Techno o la New Wave terminaron prácticamente con todas las bandas de rock progresivo. Eso fue lo que puso fin al ambicioso proyecto de David Rohl. Las ventas de The Eye Of Wendor fueron insuficientes para Chrysalis y finalmente Mandalaband cayó en el olvido.

¿Hubo alguna actuación de Mandalaband en directo? ¿Existe algún documento visual o sonoro que lo atestigüe?

En verdad, este tipo de proyectos son muy difíciles de llevar a escena. El elevado nivel de instrumentación y la variedad de artistas lo convierten en un imposible. Que yo sepa no existe ningún documento videográfico editado en el mercado. Si bien es cierto que David Rohl me enseñó en su casa una grabación para televisión en la que salían tocando los miembros de la primera formación, una grabación auténtica pero que dudo mucho que alguien pueda conseguir fácilmente.

¿Por qué abandona David su trabajo de productor para dedicarse a la egiptología? ¿Qué es lo que hace como especialista en egiptología?

David se dedicó a su trabajo como ingeniero de sonido durante unos años al tiempo que alternaba su labor como productor y compositor para Mandalaband. Cuando los nuevos estilos musicales de finales de los setenta se impusieron, Mandalaband tuvo muy pocas posibilidades de salir adelante. Otras bandas como Yes o solistas como John Miles se vieron perjudicados por la misma razón. En mi opinión David abandonó por estas razones la música para dedicarse a su otra pasión, la egiptología. Para responder sobre su trabajo como egiptólogo es mejor leer su extensa biografía en Internet. Ha sido escritor de varios libros que han generado su polémica. Uno de ellos, “A Test Of Time” puso en entredicho la cronología como hasta ahora se ha conocido basándose en estudios que realizó en Egipto. Estoy convencido de que las teorías de David generan aún bastante controversia dentro del mundo de la egiptología, aunque ya no es uno de los temas más seguidos en el panorama cultural de la actualidad.

Evidentemente, siendo un proyecto personal de David, este nuevo álbum, BC Ancestors, es un trabajo conceptual sobre Egipto. Pero ¿cómo se compone un disco como este con tal cantidad de músicos?

En principio no es un trabajo específicamente sobre Egipto. BC Ancestors es una obra que recorre diversos pasajes del mundo antiguo y sus civilizaciones, entre ellas la egipcia. Para ello, David Rohl escribió unos cuantos temas y encargó a algunos de los colaboradores del proyecto que escribiesen otros. Éste es el caso de Woolly Wolstenholme de Barclay James Harvest, que escribió dos magníficos temas épicos ó también el de Troy Donockley de Iona, que aportó un tema muy interesante de métrica 6/8. En esos casos cada músico escribe la canción y graba sus partes para posteriormente enviárselas a David a su estudio en Alicante. Sin embargo, en mi caso escribimos algunos temas de forma conjunta en mis distintas visitas a su estudio y otros temas los escribí en el mío propio en Gijón. Cuando escribo y grabo la música en mi estudio, luego se la envío a David para que escriba la letra y el producto se termina en su estudio. En cualquier caso hemos trabajado mucho vía Internet. Esta es una forma muy cómoda de trabajar cuando los músicos se encuentran en distintos puntos geográficos.

¿Qué músicos están inmersos en este proyecto?

Habría que discernir dos formaciones distintas, la que ha grabado el disco y la que interpretará en vivo en 2010 y 2011. En el disco han colaborado con David Rohl los citados Woolly Wolstenholme, Ashley Mulford y Troy Donockley, y además Marc Atkinson (Riversea), Craig Fletcher (Maestoso), Kim Turner (Maestoso), Geoffrey Richardson (Caravan), Steve Broomhead (Maestoso), Barbara y Briony Macanas, Sergio García (Crazylovers), Emilio Gutiérrez (Enfadados) y un servidor. Para tocar en vivo se ha unido el teclista Simon Waggott aunque aún está por definir la composición de la banda debido a las agendas de cada músico.

¿Conoces los grupos de los que proceden el resto de tus compañeros? ¿Cuál es tu opinión?

Algunos más que otros, pero en general si. Barclay James Harvest ha sido mi grupo favorito durante muchos años, en especial sus primeros discos repletos de pasajes hermosos con orquesta. Woolly Wolstenholme es para mí un genio poco reconocido, tiene un talento similar al de los clásicos y una creatividad armónicamente envidiable. Su proyecto Maestoso en el que trabajó también David Rohl, es fantástico, algo poco convencional pero de gran calidad. En el caso de Sad Café, la banda que se formó cuando Mandalaband I se vino a menos, conozco algunos temas que están muy bien. Troy toca en unas cuantas bandas de géneros distintos y lo poco que conozco es de su último disco en solitario. Es un músico de un talento increíble y un gran productor, su música tiene mucho de celta pero lo combina muy bien con elementos modernos. Para mí tiene algunas similitudes con Mike Oldfield, pero menos convencional. Riversea tiene algunos temas realmente interesantes, especialmente algunas canciones lentas. En general todos vienen de bandas que aún siendo más o menos conocidas, no por ello dejan de ser de calidad.

¿Cómo os las arregláis para grabar vuestras partes? ¿Lo hacéis en solitario, existe alguna reunión como grupo, es por Internet…?

Bueno, como ya he explicado, trabajamos mucho por internet. Mandalaband ha sido para mí un reto diferente. Yo estoy acostumbrado a producir mi propia música y suelo ser fijo de ideas entorno a la instrumentación y la manera de enfocarla en cada tema. Colaborar con David Rohl me ha enseñado una nueva forma de trabajar mucho más experimental. Podríamos decir que David primero crea el background del tema y después invita al resto de músicos a introducir sus instrumentos de forma libre y siempre por separado. De esta manera cada músico le da al tema una orientación concreta y muy personal. Al juntar todos los instrumentos muchas cosas no concuerdan, pero David saca su varita mágica y aprovechando las mejores interpretaciones de cada músico las hace casar de una manera realmente increíble. Lamentablemente, en el disco no se llega a apreciar la densidad musical de cada tema, la cantidad de pequeños detalles y todo ello fruto de la combinación de músicos de muy distintos géneros coordinados por David.

¿Para cuándo la siguiente grabación que si no me equivoco llevará el título de AD Sangreal? ¿Existe continuidad en el proyecto y en los músicos?

Inicialmente se ha pensado en el verano de 2010 para editar el segundo álbum aunque ello siempre irá en función de la combinación de agendas de todos los músicos. No siempre es fácil compaginarse, cada uno tiene otros proyectos o trabajos. En principio los músicos serán prácticamente los mismos e incluso habrá alguna incorporación más. AD Sangreal será un disco con una orientación general muy distinta al anterior, en esta ocasión mucho más céltica, ya que trata de las diversas leyendas hispano-romanas relativas al Santo Grial. Creo que será un trabajo mucho más emotivo que su antecesor. Algunos de sus temas como son “A Bloodline Born” o “England’s Heart And Soul” serán auténticos clásicos del género.

¿Tienes alguna relación profesional o personal con alguno de los músicos del proyecto Mandalaband III? ¿Cómo son en el trabajo?

En realidad yo no conocía a nadie personalmente hasta los ensayos que tuvimos en Septiembre en York, salvo el caso de David Rohl. La experiencia ha sido para mi algo inolvidable, gente maravillosa y muy hospitalaria. David es una persona de las que conoces solo una vez en la vida. Es un hombre del renacimiento, versado en muchas cuestiones culturales y todo un intelectual. Sólo puedo hablar de él en lo que al trabajo se refiere y puedo asegurar que es un hombre con un espíritu joven e inquieto, muy trabajador y metódico. En mi opinión los músicos británicos son mucho más profesionales que los españoles. Son gente muy entregada, me siento muy orgulloso de haber podido colaborar con ellos.

Si no me equivoco tú eres de Gijón y tienes un proyecto llamado Last Knight. ¿Qué tipo de música hacéis?

Mi proyecto es un poco difícil de explicar. La idea siempre ha sido tratar de fusionar estilos del pasado con estilos más modernos. Last Knight es un proyecto instrumental único en el que confluyen influencias clásicas con otras del estilo de Alan Parsons Project, Vangelis, Jean Michel Jarre, Giorgio Moroder o David Arkenstone por enumerar algunas. Algunas personas le encuentran alguna similitud con Mike Oldfield, pero yo creo que Last Knight abarca un rango mucho más amplio.

¿Cuáles son tus orígenes como músico: formación, grupos, actividades…?

A la edad de 12 años mi madre me envió a estudiar guitarra clásica al Conservatorio, pero abandoné mis estudios un año más tarde. En realidad no me empecé a dedicar a la música hasta el año 1996, cuando conocí al teclista Emilio Gutiérrez. He tocado en algunas bandas locales, pero abandoné la música en vivo porque considero que el trabajo en estudio es mucho más gratificante para mi. Mi labor principal es escribir música y arreglar canciones. Como arreglista he trabajado para algunas bandas asturianas y ahora hago también arreglos para Mandalaband en colaboración con David Rohl.

¿Qué instrumentos tocas? ¿Qué me puedes decir acerca de los teclados? ¿Utilizas algún analógico?

En verdad no destaco mucho en ningún instrumento. Podría decirse que soy más bien compositor que intérprete. Esencialmente escribo mis temas sentado al piano, que es el instrumento que más uso. Experimento para mis temas con el bajo y la guitarra eléctrica, pero solo como guía, después necesito un verdadero intérprete. También me gusta experimentar con percusiones. En cuanto a los teclados, uso principalmente Yamaha y Korg. Korg me gusta mucho para todo tipo de sonidos de fondo y cuerdas. Yamaha la uso más para otro tipo de sonidos sintéticos por su claridad. De vez en cuando uso algunos sintetizadores antiguos tipo Moog, Polisix o Jupiter. Actualmente estoy experimentando con simuladores de Mellotron y también uso mi querido Korg Wavestation EX, el sintetizador más singular que conozco.

¿Cuál es tu método personal de composición?

Al más puro estilo Elton John… me siento al piano, pienso en algo que me provoque algún tipo de inspiración y después empiezo a tocar hasta que sale algo que realmente llame la atención. Una vez encuentro una secuencia de acordes interesante voy tarareando la melodía principal sobre la marcha. Si te refieres a si escribo en partituras la respuesta es no, siempre toco de memoria. Me ocurre igual con los arreglos, cuando me dan un tema para arreglar la orquesta o los coros siempre se me ocurre mentalmente y lo voy grabando sobre la marcha.

¿Qué opinión tienes del panorama progresivo actual en España? ¿Estás en contacto con algún músico al margen de Last Knight dedicado a lo mismo o a un similar estilo?

La verdad es que no soy un gran seguidor de la música española. En general, salvando algunas excepciones, me parece que el talento musical medio de España es bastante pobre en comparación con otros países europeos. En mi caso particular considero que aún me queda mucho que experimentar y que aprender. En cuanto a la segunda pregunta, la respuesta es no. Actualmente no mantengo contacto con otros músicos al margen de Last Knight o Mandalaband. Algunas veces colaboro con otros músicos, pero son incursiones muy esporádicas.

¿Cuáles son tus proyectos de futuro?

Bueno, tengo en proyecto finalizar Mandalaband IV con David. Creo que esta cuarta entrega va a ser la mejor de todas, y en mi caso concreto podréis escuchar “Magdalena”, un tema muy emotivo para mí del cual me siento francamente orgulloso. Al mismo tiempo estoy tratando de finalizar el primer disco de Last Knight. Es un proyecto muy ambicioso, ya que se trata de un álbum doble con algo más de 40 temas instrumentales. El título “Talking To The Moon” define bien la obra, que se basa en la singular influencia que siempre ha tenido la Luna sobre el hombre. En este disco, además de algunos músicos argentinos y españoles, contaré con invitados de lujo de Mandalaband, Ashley Mulford, Troy Donockley, Woolly Wolstenholme y David Rohl. Espero poder terminarlo este año 2010. A la par estoy trabajando con David Rohl y Ashley Mulford en un disco para la vocalista Barbara Macanas. Después de concluir todos estos proyectos veremos que será lo siguiente…

Añade lo que quieras para mis lectores…

Tan solo agradecerte esta entrevista en nombre de David Rohl y el mío propio, y también agradecer el apoyo de todas aquellas personas que aún sienten interés por músicas que no salen en las radios y que creo que merecen ser escuchadas.

ROSWELL SIX: TERRA INGOGNITA: A LINE IN THE SAND

ROSWELL SIX: TERRA INCOGNITA: A LINE IN THE SAND (2010, PROGROCK RECORDS)

1. Barricade

2. Whirlwind

3. The crown

4. Loyalty

5. My father’s son

6. When God smiled on us

7. Need

8. Spiral

9. Battleground

10. Victory

Henning Pauly: guitarras, bajos, teclados, batería, orquestación.

Vocalistas invitados:

Steve Walsh (Kansas), Michael Sadler (Saga), Sass Jordan, Charlie Dominici (Dream Theater), Arjen A. Lucassen (Ayreon), Alex Froese (Frameshift).

1/5

A excepción de los de Musea, los de los nórdicos Colossus y algún caso muy excepcional, no soy muy amigo de los proyectos conceptuales en torno a un libro, una película o un argumento más o menos coherente, porque creo que al final se pierde la perspectiva tanto de la obra musical como la de la, digamos, impresa. Y esto es precisamente lo que le sucede a este segundo proyecto musical en torno a la obra del escritor de ficción Kevin J. Anderson.

No creo que la inclusión de nombres consagrados a los proyectos sea suficiente oferta para que la calidad del producto mejore. Este es un proyecto, realmente, del multiinstrumentista Henning Pauly, un músico que elabora una música en tono hard progresiva muy primigenia en su elaboración y muy estridente en su ejecución. Un proyecto, para mí, muy deslabazado y sin interés.

Ojo, que el primero, a pesar de contar con Erik Norlander como guía musical, tampoco me convenció, pese a mi debilidad por el teclista de Los Angeles.

FRAMEPICTURES: REMEMBER IT

FRAMEPICTURES: REMEMBER IT (2010 PROGROCK RECORDS/GALILEO RECORDS)

1. Memories faded away 8:57

2. Remember it 5:35

3. Call for me 13:38

4. Don’t trust my eyes 6:49

5. Why nobody cares 7:21

6. Shadows black and grey 9:49

7. My will to live 25:58

Tiago Delgado: voz.

Artur Jorge: batería.

Helder da Silva: guitarras.

Ricardo Drumond: bajo.

Mafalda Brogueira: teclados.

4'5/5

Estos portugueses se formaron en 2004 como músicos de sesión para un vocalista de música pop. Pronto, afortunadamente para nosotros, comprendieron que su verdadero estilo era el progresivo por lo que se desligaron del proyecto y formaron su propio grupo. Contrataron a un vocalista, excepcional por cierto, y han debutado con una verdadera obra maestra del progresivo más contundente sin paliativos. Con una gran variedad de matices este Remember It, se desboca de los límites establecidos y abre un amplio abanico de posibilidades que aúnan el rock más agresivo, progresivamente hablando, hasta los matices más líricos y sosegados llenos de profundísima emoción.

El nivel instrumental, profuso y generoso, es altísimo con complejas bases rítmicas y excelentes y sentidas guitarras eléctricas. Pero si he de destacar a uno de los miembros por encima de los otros, cosa harto difícil para mí, este miembro sería Mafalda, una excelente teclista con una técnica y sentimiento difíciles de superar: complejos arreglos a los teclados, imposibles recorridos por las blancas y negras, colchones emotivos, clásicos y épicos… una delicia.

La música, muy original, podría asemejarse, con prudente distancia, en cuanto a su fuerza a Dream Theater, pero con unos desarrollos muy alejados de los americanos. No obstante buscar similitudes es trabajo difícil porque su estilo es muy personal, lleno de contrastes, fuerza y emoción, lo cual provoca nuestra curiosidad e interés en seguir escuchando a este grupo. Muy recomendado.

CARLES DOVAL, PICAP

ZELESTE: EL ROCK LAIETANO SIGUE EN FORMA

En exclusiva para todos nosotros Carles Doval el alma de Picap, el sello que recupera con esfuerzo amanuense todo el trabajo del rock catalán de la mejor década del progresivo nacional.

Antes de comenzar, una pregunta que se me ocurre con esta edición doble recopilatoria: ¿Es una presentación de un futuro esfuerzo de recuperación del progresivo catalán de los setenta o es una carta de presentación de Picap y sus intenciones para mostrar al nuevo oyente una nueva vía de escape ante la pésima, para mí, actualidad musical que existe en todos los terrenos?

Se trata de la voluntad empresarial de Picap para recuperar un patrimonio cultural muy importante, masterizarlo y ponerlo al día con la máxima información posible con la finalidad que la gente que lo vivió y tenía algún LP de vinilo lo pueda recuperar y que la gente más joven pueda conocer la música que se hacía en Barcelona durante esta década.

¿Por qué ahora se reeditan con esta grandísima calidad aquellos maravillosos trabajos del rock laietá? ¿Es una excusa para el coleccionista y para el nostálgico? ¿Qué se va a encontrar el nuevo comprador con estas ediciones de discos que PDI ya reeditó en su mayoría, creo que en los noventa?

Se reeditan ahora porqué Picap ha adquirido los derechos que hasta hace un tiempo formaban parte del sello PDI, pero al cerrar esta empresa, Picap compra los derechos y este es el motivo de que se pueda reeditar en este momento.

Yo, particularmente, pienso que así como buena parte del catálogo de rock andaluz, del progresivo central o el del interior de España, ha sido reeditado, con mayor o menor fortuna gracias a las artes mediocres y mercantilistas de las grandes compañías, y me refiero a presentación, calidad de sonido o información en general sobre el trabajo audible y los grupos, hacía mucha falta que alguien se mojara y se atreviera con el catálogo laietano como pilar fundamental del rock progresivo nacional. ¿Cuáles son vuestras sensaciones con respecto a este argumento que os planteo?

Nosotros trabajamos con vocación y estimamos la buena música en todos sus géneros y la intentamos hacer llegar al público. La política de edición de cada compañía es distinta, pero existen varias discográficas pequeñas que trabajan con la mejor de las intenciones y están publicando muy buenos discos.

Centrándonos en el doble recopilatorio Música Laietana Zeleste, me interesaría saber si los grupos han sido informados y si han dado consentimiento o han prestado algún tipo ayuda para poder recuperar toda una generación sonora.

Picap tiene los derechos y cumple los contratos iniciales con Edigsa con derechos y obligaciones, y por cortesía, todos ellos han sido informados e invitados a la presentación del disco que se hizo en Barcelona, en la que acudieron varios de ellos.

Zeleste es el Marquee español, afirmación que no es nada gratuíta, que permitió a toda una generación de músicos desembarazarse del provincianismo al que Franco sometió a todo un pueblo y la sociedad. Pero… ¿cuál es el germen de Zeleste?

La libertad, la incipiente libertad después de la larga noche franquista… esta libertad está muy presente en toda la música y en el concepto general.

¿Fue Zeleste un deliberado centro cultural, y musical, claro, que significó una vía de escape o podemos afirmar que fue el objeto de un visionario, Víctor Jou, que sintió que había que aglutinar de algún modo toda aquella explosión creativa del momento?

Victor Jou quiso hacer una sala parecida a las que conoció por la GB, pero hizo lo más oportuno en el momento más oportuno y tuvo la suerte de que había una nueva generación de buenos músicos que serian los auténticos protagonistas de la sala y que traspasarían fronteras.

¿Qué significó el primer Canet rock para el rock laietano y para Zeleste?

Zeleste es anterior al Canet Rock, la relación es a la inversa. Canet Rock era exportar parte de la música layetana al gran público.

Siempre he pensado que en España, por las circunstancias que fueran, todo llegaba tarde o era underground en muchísimos aspectos: economía, política, literatura o música, por ejemplo. La cima del progresivo español surge cuando en el resto del mundo ya se está dando casi por muerto. ¿Existió un movimiento, llamémosle preZeleste, latente antes de la explosión creativa de mediados y finales de los sententa y reconocido en todo el mundo?

En todas las épocas se ha creado música, pero esta, como cualquier expresión del arte es muy distinta dependiendo del momento social en que se vive y por supuesto que en los años 50 y 60 se hacía música en Barcelona, pero tenía poco que ver con lo que se le llamo “música layetana”

Y enlazando con la pregunta anterior ¿fueron los elementos folclóricos y el jazz catalanes y toda esa fusión el origen del rock amparado en Zeleste?

Y también bebieron de grandes músicos internacionales como Miles Davis

En Madrid estaba, por ejemplo la sala M&M, y en Barcelona Zeleste, y antes el Salón Iris también barcelonés a principios de los setenta. ¿Hubo algún nexo de unión entre ambas salas y zonas tan distantemente geográficas?

La música que se hacía en Barcelona y la que se hacía en Madrid tenía muy poco que ver…algo más similar se hacía en Sevilla con grupos como Smash

Posiblemente este doble recopilatorio haya resultado ser un quebradero de cabeza para seleccionar tanto grupos como temas. ¿Quién se ha quedado fuera y por qué? Estoy pensando ahora mismo en Maquina!, Pan & Regaliz, Música Dispersa, Ia Batiste, Pep Laguarda & Tapineria y los valencianos Cotó en Pél.

La pregunta la podría responder Alex Gómez-Font, estudioso del tema y responsable de la selección

Para el neófito, ¿qué papel cumple Zeleste Edigsa en la edición de trabajos de tantos y tantos grupos del momento?

Edigsa ya era la gran compañía catalana, en donde se encontraban cantantes como Serrat, Raimon, Guillermina Mota entre otros y el sello Zeleste significa abrir puertas hacia otro estilo musical, pero dentro de su línea de apoyo a la música que se hacía en Catalunya

¿Existía una relación de amistad, de colaboración, de integración, de lo que fuera entre los distintos grupos y músicos de entonces? ¿Había rivalidad en los escenarios de Zeleste entre los grupos o funcionó como una hermandad musical que abrió de orejas a una generación más o menos oscurecida?

En general había muy buen ambiente, pero como es lógico y como pasa en todas las movidas, no se puede decir que fuera absolutamente unánime.

¿Cuál ha sido el legado de Zeleste en actuaciones y programas hasta su fin? ¿El rock progresivo laietano y mediterráneo terminó con Zeleste? ¿Continuó como agencia de contratación y se adaptó al tiempo que tocaba vivir?

La música layetana ha traspasado fronteras, hicieron muchas actuaciones por toda España y fuera de ella y actualmente hay aficionados que compran estos discos en casi todo el mundo.

¿Fue Zeleste el verdadero motor para que aquellos grupos pervivieran mucho más tiempo que en el resto de España y fueran más queridos que aquellos que surgieron en otras comunidades que fueron exterminados por ellas mismas? ¿Es la Dharma la explicación de todo esto?

Zeleste puso la semilla, pero el éxito es de los artistas, sin su calidad musical, sin su puesta en escena, no habrían comunicado. El éxito es de ellos.