lunes, diciembre 09, 2019

EIEMEL (2019, AUTOPRODUCIDO)



EIEMEL (2019, AUTOPRODUCIDO)

Capitulo 1
  1. M.o.r 1:47
  2. Cenit 3:45
  3. Plan B 6:04
  4. Ave de Paso 8:44
  5. Aqueronte 4:11
  6. Ojala la lluvia te acercara hasta mi 5:19
  7. Homeless 5:19
Capítulo 2
  1. Chaotic Laws 6:33
  2. Mala Sangre 5:27
  3. In full swing 5:28
  4. Parece que fue ayer 3:32
  5. I'd do it all the same 4:35
  6. Temblor 8:52
  7. Arrullo 2:59 
Ariel Martín Loza: voz principal y coros (3,5,7,9), bajos (2-13), teclados (1-14), guitarras (1,2,4-6,8,10-14), programación (11,12), percusión (11), arreglos orquestales (14) y composición.

Colaboradores:
Federico Silva: guitarras (3).
Daniel Mistretta: guitarras (7).
Rodrigo San Martín: guitarras (9,13).
Yamil Mohadile: trombón, arreglos de metales (10).
Bruno Lazzarini: trompetas (10).
Las Gaitas Asesinas San Virulais: gaitas (11).
Luisina Pérez: flauta (11).
Inés Garrocq: flauta (13,14).
Ariel Aguilar: bandoneón (12).
Iván Louro: batería (2).
Damián Luscher: batería (3,7).
Álvaro Manzanero: batería (4-6,8,10,12,13).
Martín Blengino: batería (9).

Hay veces, porque así lo dicta el destino, la emoción llega a inundar a uno con esa sensación de bienestar, de alegría, de lirismo y de impulso vital que te hace navegar por las distintas etapas positivas que conforman el estado personal. Esto que trato de definir aquí es la disposición, tanto del espectador como del artista creador, al enfrentarse a este magnífico trabajo de exclusivo rock progresivo. Y es que Ariel, anterior bajista de los queridos Láquesis, en un recorrido musical eminentemente personal e introspectivo, desgrana una serie de temas dirigidos a introducirse en lo más profundo del oyente, mediante un lenguaje directo, insisto, emotivo y ejecutado no sólo con técnica envidiable, sino con una alta dosis de sentimiento.
Bajo estructuras decididamente progresivas y sinfónicas, el álbum trascurre como fluye un río: desde su nacimiento hasta su desembocadura. Y en su recorrido no importa que se vea impregnado de elementos folcloristas o populares porque el músico, que nos ofrece parte de su vida, nos regala a su vez momentos personales que han ido sucediendo en su estado de ánimo. En este caso, el mayor logro, además de la ejecución, es haber sabido diseñar ese transcurso fluido lleno de momentos esenciales en lo anímico y musical, quedando totalmente expuesto ante el público. El artista se ha desnudado ante nosotros y nos ofrece parte de su vida, de su experiencia, de su ánimo, con honestidad y sin ningún atisbo de autoindulgencia.
Estamos ante un disco directo, inmenso, evidentemente pensado (como todo objeto de creación), pero sin ejercicios artificiales: un disco que es imposible que no conmueva al oyente que, casi de forma inmediata, se ve implicado en este relato de sensaciones y experiencias personales que el autor, desde su propia inquietud, provoca a la participación del receptor en un intento fático de comunicación entre ambas partes.
Gran disco, auto producido, lleno de virtudes y apasionante que, de haberse revelado décadas antes, sería uno de los trabajos indispensable no sólo del rock nacional progresivo argentino, sino del universal.



lunes, diciembre 02, 2019

STORM CELEBRAN SU CINCUENTA ANIVERSARIO



Los sevillanos Storm, nacidos como Los Tormentos en 1969, cumplen cincuenta años de existencia en un  año que ha sido una auténtica locura en la existencia del renacido grupo. De la mano de Juan Antonio Vergara, alma mater de 5 Lunas Producciones, Storm editan un nuevo álbum este 2019, año clave para los de Sevilla que también ha visto la luz su magnífico regreso con Cyber Dream.
Esta vez, nos encontramos ante un registro en directo, Storm Live, recogido en la presentación del previamente citado álbum en estudio, en el Centro Cultural de la Villa José de la Rinconada, en Sevilla, el pasado 3 de mayo de 2019. En él, la banda conformada por los hermanos Ruiz Geniz, Diego, batería y voces, y Ángel, guitarra y voz principal, junto a Manuel "Maese" Muriel, teclados, y Jose Ramón "JR" Torres, bajo y voces, repasa sus 50 años de historia recordando los éxitos de sus tres discos anteriores y las nuevas composiciones de Cyber Dream.
Este doble directo se presenta tal cual sonó en su presentación, sin producciones posteriores, manteniendo de esta manera la frescura y espontaneidad que siempre ha caracterizado a la banda.

El disco se puede adquirir en la web de Rock & Tipo o escribiendo directamente un email a cincolunasproducciones@gmail.com

miércoles, octubre 30, 2019

TAL DÍA COMO HOY, EN 1971, SE PUBLICÓ MEDDLE, DE PINK FLOYD, EN LOS ESTADOS UNIDOS

El sexto álbum de Pink Floyd, que en el Reino Unido se editaría el 13 de noviembre, se publicó a través del legendario subsello de EMI, Harvest. El álbum se grabó en distintas localizaciones de Londres, incluyendo los estudios AIR, Abbey Road y Morgan.
Sin material concreto ni idea preconcebida para la composición del álbum, el grupo consideró una serie de experimentaciones que inspiraron el tema principal del vinilo, “Echoes”, una pieza totalmente improvisada, llena de pasajes instrumentales y efectos de sonido. Aunque este tema no está explícitamene dividido en segmentos, lo cierto es que se conformó con fragmentos independientes que, más tarde, se pudieron dividir en dos partes diferenciadas, tal y como aparece en la película Live at Pompeii. El origen de la pieza es una colección de experimentos musicales compuestos de forma independiente por cada uno de los miembros del grupo que se denominaron, en distintos periodos, como “Nothing, parts 1-24”, “The son of nothing” y “The return of the son of nothing”. Durante la etapa de desarrollo, la primera estrofa del tema aún no se había concluido, y aunque en un principio se refería a la reunión de dos cuerpos celestes, Roger Waters, ante la preocupación de ser encasillado como una banda de rock espacial, reescribió las letras para usarlas con imágenes bajo el agua. 
Dos curiosidades sobre el tema: el sonido de un sónar al principio del tema se creó como resultado de un experimento que amplificaba el sonido de un piano de cola a través de un altavoz Leslie; por otra parte, en una entrevista en la que Roger Waters promocionaba su álbum en solitario, Amused to Death, el bajista afirmó que Andrew Lloyd Webber había plagiado el estribillo en 12/8 del tema para incluirlo en distintas secciones de su musical The Phantom of the Opera, aunque al final decidió no presentar ningún tipo de demanda: “es la misma estructura y la misma nota y todo es igual. Bastardo. Probablemente sea procesable. Lo es en realidad. Pero creo que la vida es muy larga para molestarme en demandar al maldito Lloyd Webber.” El título del álbum es un juego de palabras, entre medalla (medal en inglés) y su significado como ‘entrometerse’. En un principio, Storm Thorgerson propuso la fotografía de un primer plano del ano de un babuino para la portada, aunque dicha propuesta fue rechazada por el grupo telefónicamente desde Japón, donde estaban de gira, y que preferirían algo así como una ‘oreja bajo el agua.’ La imagen final representa, efectivamente, una oreja bajo el agua, recogiendo ondas sonoras, simbolizadas en las ondas del agua. Thorgerson expresó su descontento con la portada pues consideraba que el disco era mucho mejor que su portada.

miércoles, octubre 09, 2019

HACE 49 AÑOS DEBUTABAN BARCLAY JAMES HARVEST


De título homónimo, Barclay James Harvest publicaban su primer artefacto en larga duración en 1970. El álbum se grabó en los Abbey Road londinenses entre el 8 de noviembre de 1969 y el 26 de enero del año siguiente en dos mesas de ocho pistas, incluyendo las piezas orquestales, cuya dirección musical corrió a cargo de Robert John Godfrey, quien en 1982 formaría The Enid.
El grupo provenía de Oldham, en Lancashire, y estaba formado por el guitarrista John Lees, el teclista Stuart "Woolly" Wolstenholme, el bajista Les Holroyd y Melvin Pritchard, batería, quienes actuaban de manera profesional desde 1967, grabando varios sencillos hasta la publicación de su primer LP con material totalmente original.
Descritos como los hermanos pobres de los Moody Blues, ficharían por el sello Harvest y su primer trabajo sería producido por Norman Smith, conocido por su trabajo con unos primeros Pink Floyd, con un resultado entre lo psicodélico, lo melódico y lo folk. Los arreglos orquestales dieron a este primer trabajo un sentido clásico, lo que supuso todo un paso adelante en la combinación y ejecución de sonidos eléctricos y aquellos más propios de lo estrictamente orquestal. Es el último tema, uno de los preferidos por los miembros de la banda, "Dark now my sky", el que, con sus doce minutos de duración, proporcionaría ese aire cautivador a sus proyectos inmediatamente posteriores con EMI Harvest hasta su cambio de compañía, pero esa es otra historia diferente, aunque también fascinante.
Este álbum conformaría la primera línea de un incipiente género que, posteriormente, se denominaría progresivo, siendo BJH uno de los grupos pioneros en la hermosa experimentación de los nuevos sonidos que dominarían gran parte de la década.
En palabras del desaparecido Woolly: "en líneas generales, el álbum no tuvo el éxito que se merecía haber tenido. Era bastante pretencioso. Parecía ser algo bastante anticipatorio, un ensayo de lo que tenía que ser real."

martes, julio 23, 2019

CODE WALRUS PROJECT: DODECAPHONISM FECALCISM



CODE WALRUS PROJECT: DODECAPHONISM FECALCISM DEMO (2019, PROGSITIVE RECORDS)


  1. Phenomenal conference
  2. Golden flyes
  3. The power to Chitina
  4. Rembleck Lamseleuh
  5. Invalid Groove 
Chou Saavedra: guitarras, bajo y producción
Luis Arnaldo Álvarez: batería, teclados y voces

A veces, muy pocas veces, casi por arte de magia y como quien no quiere la cosa, salta la sorpresa. Cuando las producciones se realizan desde el corazón y sin ataduras inquisidoras que manejan los resultados al antojo económico, asistimos, atónitos, a una vastedad sonora que supera, infinitamente, a proposiciones maliciosamente dirigidas a un consumo que no hace sino desvirtuar el concepto y definición de lo que es el Arte: la recreación de los sentimientos en formas bellas valiéndose, en el caso que nos ocupa, de la música.
Esto mismo es lo que consiguen Code Waldus Project, un egregio dúo formado por Chou Saavedra (guitarras, bajo y producción) y el baqueteado provocador musical Luis Arnaldo Álvarez (batería, teclados y voces). Dos músicos que llevan una enorme carga de inspiración musical y que sueltan, como si nada, a bocajarro, esta bomba progresiva que muy pocos, desgraciadamente (o si soy muy egoísta, afortunadamente), tendrán el gusto de paladear, a no ser que se investigue (este es un buen medio de hacerlo) en lo que realmente vale la pena escuchar.
Es tal la vehemencia impetuosa de esta propuesta astur, que el primer trallazo se exhibe en más de 20 minutos y puedo asegurar, sin dudarlo un instante, que se hace corto. Cada segundo de esta insigne composición, incluido un enorme sentido del humor, es un ejercicio de progresivo majestuoso que bucea, si hallásemos su común denominador, en un progresivo de vertiente hard, con intrincadísimos recorridos, ritmos y polirritmos, llenos de melodías y trayectos musicales henchidos de inspiración, técnica y sentimiento. Dream Theater rabiarían de envidia si escucharan este torrente de creatividad.
Pero no sólo de lo progresivo más metalero vive ni este tema ni el resto del disco, sino que encontramos propuestas sinfónico progresivas en las que las guitarras alargan las notas creando melodías que se sustentan en teclados, dando un resultado de sabor clásico e inesperado a estas alturas del siglo XXI. De este modo podemos escuchar momentos a la Camel, incluso floydianos, que discurren incesantes en esta maravillosa rodaja plateada que, incluye, además, momentos de entusiasmo experimental y de vanguardia.
Enormes ejercicios a la guitarra, con colchones y teclados solistas, así como ritmos exhuberantemene creativos y complejos que actúan como aglutinantes de esta absoluta obra maestra, que el grupo, y esto es literal, define modestamente como demo, como una muestra de lo que realmente se va a avecinar.
Este despliegue de auténtico progresivo muestra, sobre todo en su parte final, si cabe, todos los detalles y el potencial que el grupo puede alcanzar en una publicación posterior en la que el dúo  ya se habrá erigido en el generoso latido de honradez musical que tanta falta hace en estos tiempos que corren.
Si he despertado tu curiosidad musical, ávido lector, dirígete a toda velocidad a progsitiveproductions@gmail.com y concédete un pedazo de historia musical que muy pocos van a poder y saber degustar en su justa medida.
Abstenerse, eso sí, petimetres de obeso cerebro. 

martes, julio 09, 2019

ZYTOSPACE: WÜSTE LAND


ZYTOSPACE: WÜSTE LAND

(2019 VERLAG SYSTEM/MUSIC2DREAM/TORACIC)


1. Das Totenamt/Sermon des feuers 33:19
2. Chroniken des Lichts/Was der Donner Sagte 30:22

Giron: Vermona Perfourmer, Dreadbox Abyss y Erebus, Make Noise 0 Coast, Novation K Station, Korg Microsampler, Koma Field kit, Electribe 2 and Monotribe 
Miguel A. Ruiz: Behringer Model D, Clavia Micromodular, Waldorf Streichfett, Korg DW8000, Modal 001, Roland Strings, Kawai 100F, Memotron, órgano, Tape echo.

La unión de dos investigadores que bucean en los océanos sensoriales para describir paisajes sonoros, ha dado como resultado un disco lleno de ambientes irrepetibles e infinitos, que exploran mil y una sensaciones para construir un sonido honesto y exquisitamente elaborado.
Zytospace es la nave en la que estos dos experimentados músicos, por una parte, Miguel A. Ruiz,  desde los ochenta creando ambientes desde la electrónica experimental, y por otra, Tomás F. Girón, consolidando su propuesta desde esencias progresivas y espaciales, recorren ambientes desde un punto de vista actual, pero pergeñado en los gloriosos setenta del siglo pasado.
Tomando como excusa aquella escuela Berlinesa electrónica, pero sin desdeñar propuestas ambientales desarrolladas en base a un poderoso, pero sensitivo, arsenal de teclados analógicos, los dos músicos madrileños nos tocan la fibra, desde la belleza formal, con desarrollos verdaderamente descriptivos a base de sonidos, efectos, melodías, imaginación y mucho sentimiento, corazón y alma.
Dos temas, de más de media hora cada uno, conforman el universo de Wüste Land, un universo, en mi opinión, nada árido sino rico en propuestas para que el oyente desarrolle su imaginación y evoque su particular historia personal.
Estamos ante un disco refinado y notable, recordatorio, como digo, de aquellos que primero se atrevieron a planear por el universo, pero con componentes propios en su estilo: melodías catedralicias, entroncadas en lo occidental y construidas de modo sucesivo, además de ritmos secuenciados que recuerdan los incesantes movimientos de la Naturaleza y, por encima de todo, calidez que define este trabajo de principio a final, dando esa sensación de unidad que pocos transmisores saben definir.
Seguramente habrá quien lo etiquete mejor que yo, pero la degustación de este enorme trabajo, coherente de principio a fin, trasmite desenlaces cadenciosos a través de desarrollos puramente hipnóticos y cósmicos que no son sino una metáfora de lo que es el vibrante viaje de la vida.

miércoles, abril 17, 2019

ANGELUS NOVUS: UN RELATO METAFÓRICO EN CLAVE DE ÓPERA ROCK

Cartel anunciador de Angelus Novus. Eugenia Martínez-Soria, 2018.

El próximo lunes 22 de abril, se estrena en Zaragoza una ópera moderna, bajo el título de Angelus Novus, con banda de música y acción escénica armonizada. 

Compartiendo tecnologías de vídeo, diseño gráfico y escenografía cinematográfica, amén de la actuación de personajes reales, representados por cuerpo de baile y actores de teatro, Angelus Novus refleja una visión interior, introspectiva, a la par que una mirada urbana, de lectura ágil y totalmente descriptiva.
Sustento de esta ópera rock es, como no podía ser de otra manera, la propia música que bucea entre el rock y el jazz, entre expresiones a la guitarra y minimalismos al piano, que conformarán la escenografía del argumento: por un lado una imponente realización videográfica, que relatará el devenir histórico de la humanidad, y un escenario con materiales plásicos que reflejarán lo minimalista y simbólico de la modernidad.
Para dar forma al relato, basado en el concepto de Ángel de la Historia de Walter Benjamin, que compró el dibujo a tinta china, tiza y acuarela realizado por el artista suizo Paul Klee, titulado como la obra que nos ocupa, un ángel desvía dramáticamente su mirada ante la contemplación del mundo atormentado del hombre. De este modo, los diferentes actores desfilarán por la historia, acompañados por la danza y las proyecciones de vídeo, abrigados por una música que imprimirá carácter al relato de los acontecimientos que, se desarrollarán desde el París de los años veinte del siglo pasado, hasta los dramas históricos más contemporáneos.


CRÉDITOS

Autor: Alberto Piedrafita Gómez.
Músicos: Héctor Polo (guitarra), Óscar Carreras (teclados), Fernando Claver (guitarra),
Alexeiv Ringo (percusión) y Sergio Rodrigo (bajo)
Danza Butoh: Path Butoh Dance.
Danza directora: Silvia Asemota.
Director: Alberto Piedrafita Gómez.
Ayudante de dirección: Mª Eugenia Martínez-Soria.
Realización de vídeo: WeArtz (Fernando Serrano, Natalia Narce).
Fotografía: Jesús Antoñanzas.
Coordinación musical: Héctor Polo.
Arreglos: Óscar Carreras, Héctor Polo y Fernando Claver.
Escenografía: Architecnica (Maite Liroz y Chema Calero)
Cantantes: Juan Pablo Martín, Iñaky Averno, Kruger_rap



Datos de la presentación:
22 de abril de 20:30 a 22:00
Centro Cívico Delicias. Avenida de Navarra 54, Zaragoza.