RICK WAKEMAN: YESSONATA (2024)

Yessonata es Rick Wakeman mirando su propio camino con calma y profundidad, sentándose al piano para contar su historia sin prisas ni artificios.

En la primera parte enlaza melodías y motivos de Yes de forma natural, como recuerdos que aparecen, se transforman y siguen adelante, sin sonar a cita fácil ni a medley nostálgico. Todo fluye como una sola idea, coherente y muy expresiva.

En la segunda parte recupera el universo King Arthur, con una revisión serena, reflexiva y muy elegante de uno de sus grandes trabajos en solitario, más introspectiva y con aire casi confesional. El Steinway suena cálido, cercano, y deja claro que aquí la técnica está al servicio de la música, no al revés. Wakeman no quiere deslumbrar, quiere contar algo, y lo hace con claridad y oficio.

Un trabajo reposado, muy consciente de su legado, que mira atrás sin quedarse anclado y demuestra que revivir el pasado también puede ser una forma honesta de seguir avanzando.

STORM: FOREVER (2025, 5 LUNAS PRODUCCIONES)

El último trabajo de estos tormentos, tal y como fueron definidos con ese arte andaluz por su madre, es, antes que nada, un documento con peso específico: doble CD y DVD grabado en directo en La Rinconada, bien presentado y con intención clara de dejar constancia de una banda que sigue en pie. Un directo que suena tal cual ocurrió, sin regrabados de ninguna pista y sin añadidos en la producción posterior No hay trampa ni nostalgia inflada; suena a Storm hoy, con oficio, tablas y un repertorio que mezcla clásicos y material reciente sin que nada desentone, todo lo contrario. El sonido es potente, directo, con ese punto hard-prog que siempre fue marca de la casa, y una interpretación que demuestra que el grupo no vive de recuerdos sino de continuidad. 

El repertorio está bien medido: aparecen piezas históricas como “Un señor llamado Fernández de Córdoba”, unido eternamente a la existencia del cuarteto, “El día de la tormenta”, “It’s alright” o la más que extraordinaria recreación hard progresiva muy púrpura “Machine rebellion”, cierre de los últimos conciertos de la banda, tal como se pudo disfrutar en su anterior directo oficial, 50 Años de Tormenta, junto a temas de su etapa más reciente, me encanta “5 Lunas”, lo que da una visión completa de su trayectoria. Aquí se nota el pulso de banda veterana: riffs sólidos que parecen imposibles, excelentes teclados con peso, base rítmica de ensueño y una ejecución que prioriza pegada y cohesión antes que lucimiento personal, que también lo hay. El concierto fluye con lógica, es orgánico, tiene dinámica y no se hace innecesariamente extenso, algo que en un directo largo no es poca cosa.

Mirado con perspectiva, Forever encaja como anillo al dedo en la historia de Storm: una banda nacida a finales de los 60, pionera del hard rock progresivo en una impensable España de entonces, con claras influencias anglosajonas —Deep Purple, Rainbow, Uriah Heep, el prog británico más musculado— y una carrera marcada por parones, regresos y una fidelidad absoluta a su sonido. Este directo no intenta modernizar ni reinterpretar el pasado: lo asume y lo defiende con convicción, algo que sólo se consigue con identidad clara y años de carretera.

Y aquí entra en juego la labor de 5 Lunas Producciones, fundamental para entender el sentido del lanzamiento: un sello que lleva años cuidando, rescatando y poniendo en valor el rock patrio con ediciones dignas, bien documentadas y pensadas para el aficionado. Forever no es solo un disco en vivo, es parte de ese trabajo de preservación y visibilidad de nuestro patrimonio musical. Edición cuidada, audio y vídeo auténticos, sin añadidos posteriores, insisto, y ese aire de celebración sin autobombo que suma mucho. Una pieza clave para quien siga a Storm y, en general, para cualquiera que valore que esta música siga teniendo espacio, memoria y futuro. En realidad, este nuevo trabajo inmortaliza para siempre este nombre tan olvidado por muchos, pero tan respetado por muchos también: por siempre, Storm.

Hazte con él aquí.

MOON CLUSTER: DYSTOPIKA (2024)

El álbum, lanzado el 19 de noviembre de 2024, es una obra maestra que transporta al oyente a la esencia del rock progresivo de los años 70. Desde los primeros acordes de "Oh Lord", la banda bilbaína nos sumerge en un viaje sonoro de más de diez minutos, donde los teclados de Elis Casado y la guitarra eléctrica de Miguel Ramírez se entrelazan en una danza hipnótica. La sección rítmica, compuesta por Mortensen Rik en el bajo y Ricar Fernández en la batería, aporta una base sólida que sostiene la complejidad melódica de la pieza.

El segundo tema, "Green and watery", nos envuelve en una atmósfera más introspectiva. Aquí, los elementos de jazz y rock se fusionan de manera sublime, creando paisajes sonoros que evocan imágenes de vastas extensiones acuáticas y cielos nublados. La destreza instrumental de la banda se hace evidente en cada compás, demostrando una cohesión y madurez artística que cautiva y emociona.

La joya de la corona es, sin duda, "Return to Karnak 9" (el título ya da pistas más que claras de qué senderos intrincados recorre este fenomenal combo), una extensa y emotiva suite que cierra el álbum. Dividida en nueve movimientos, esta composición épica nos lleva por un recorrido lleno de cambios de tempo, dinámicas y texturas sonoras que mantienen al oyente en vilo. La narrativa musical aquí es poderosa, contando una historia sin palabras que resuena en lo más profundo del alma.

Dystopika no es solo un tributo al legado del rock progresivo, desde ELP hasta Pink Floyd o Eloy, sino un faro encendido en la vastedad del tiempo, una obra que respira con vida propia. Moon Cluster ha tejido un tapiz sonoro donde cada nota es un latido, cada compás un eco de genialidad. Escucharlo no es solo un acto, sino un viaje iniciático: con cada repetición, emergen nuevos paisajes, texturas ocultas y destellos de una belleza inagotable. Es un álbum que no se consume, sino que crece, se expande y nos envuelve en su hechizo, invitándonos a perdernos en su inmensidad una y otra vez.

COCHÈ VIL BAND: CHAOS (2024)

Chaos es un torbellino sonoro que atrapa desde el primer acorde y no suelta hasta el último suspiro. Cada canción es un fragmento de un universo emocional complejo, donde la melancolía y la furia conviven en perfecta armonía. La guitarra de Coché Villanueva no solo toca notas, sino que narra historias; y la presencia de músicos como Derek Sherinian y Daniel Cavanagh aporta una profundidad casi cinematográfica. Es un álbum que no se escucha pasivamente, sino que se siente, se vive y, en cierto modo, transforma.

Los temas de Chaos están llenos de contrastes: momentos de calma reflexiva que se rompen en explosiones de energía y virtuosismo. "Within you" envuelve en una bruma etérea que invita a la reflexión, mientras que piezas como "Caña al Momo" son ráfagas de intensidad y libertad creativa. La producción es impecable, permitiendo que cada instrumento tenga su espacio sin perder la cohesión. Pero lo que realmente brilla es la capacidad de la banda para transmitir emociones genuinas, esas que atraviesan la piel y se quedan dentro.

Más que un simple disco, Chaos es una experiencia. No es un álbum de fondo, sino un viaje que exige ser recorrido con los sentidos abiertos. Hay momentos de luz y de sombra, de caos y de orden, pero todos ellos conducen a un mismo punto: la conexión con lo más humano de quien lo escucha. Cada escucha revela algo nuevo, una emoción escondida, un matiz que antes pasó desapercibido. Es el tipo de obra que crece con el tiempo y deja huella.

Chaos es una obra madura, llena de matices y emociones, que confirma el talento y la visión de Cochè y su grupo. Su fuerza radica en su autenticidad, en su capacidad de evocar sensaciones sin filtros ni artificios. Con este álbum, la banda no solo ha creado música, sino una expresión artística que invita a sentir el caos no como un desorden, sino como una fuente de belleza y creatividad.

STORM: ETERNAL YOUTH (2024, 5 LUNAS PRODUCCIONES)

La legendaria banda sevillana, pionera del hard rock en España desde los años 70, ha demostrado una vez más su vitalidad con Eternal Youth. Este álbum, el sexto de su carrera, no sólo rescata el espíritu vibrante que les hizo destacar hace cinco décadas, sino que lo revitaliza con un enfoque renovado, integrando elementos contemporáneos y colaboraciones de figuras relevantes del rock andaluz actual. Desde el primer acorde, queda claro que Storm no ha perdido un ápice de su esencia, esa mezcla única de potencia, melodía y experimentación que les valió el apodo de los "Deep Purple españoles".

En Eternal Youth, Storm rinde homenaje a su legado al reimaginar piezas emblemáticas como "Experiencia sin órgano", transformada en "Experiencia completa", y "El Día de la Tormenta", ahora con arreglos y tempos más ambiciosos, que incluyen un sintetizador como protagonista melódico. Estas revisiones, lejos de ser simples ejercicios de nostalgia, reafirman la relevancia del sonido clásico de Storm en la actualidad. Además, temas como "Oveja negra" y "No es el final", bonus track incluido en el álbum, consolidan la fusión entre el rock duro setentero y el sinfonismo andaluz, mostrando una evolución coherente con sus raíces.

El álbum también destaca por sus colaboraciones: Dani Escortell, bajista de Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, y Manuel Martínez, vocalista de Medina Azahara, aportan su estilo característico a canciones que oscilan entre la energía cruda y la introspección. La producción, llevada a cabo en un estudio de primer nivel en Sevilla, refuerza la calidad sonora, con un uso magistral del órgano Hammond y un diseño instrumental que roza la perfección. Este compromiso con la excelencia técnica y creativa refleja la filosofía de Storm: mantenerse fiel a sus principios mientras exploran nuevos horizontes.

Para los seguidores de Storm, Eternal Youth es más que un álbum: es una declaración de intenciones y una celebración de su capacidad para trascender el tiempo. Cada canción, desde la épica "5 Lunas", dedicada a su mánager y alma mater de 5 Lunas Producciones, hasta la melancólica "In Memoriam", demuestra que la juventud eterna no es solo un concepto, sino una actitud. En este disco, Storm confirma su lugar como una de las bandas más influyentes del panorama rockero español, dejando claro que, aunque el tiempo pase, su legado permanece tan vigente y poderoso como siempre.

CD: https://5lunas.net/producto/storm-eternal-youth-cd/

LP: https://5lunas.net/producto/storm-eternal-youth-lp-vinilo-verde-neon/

AMOEBA SPLIT: TODOS LOS ANIMALES SON IGUALES (2024)

 

Todos los Animales Son Iguales, el más reciente trabajo de Amoeba Split, es un regalo único para los amantes del rock progresivo, el jazz contemporáneo y los sonidos del Canterbury. Este álbum, lanzado este pasado diciembre de 2024, fue grabado en directo en el icónico Jazz Filloa de A Coruña y está inspirado en la novela Rebelión en la Granja de George Orwell. Consta de tres extensas piezas que representan etapas clave de la obra: “La revolución”, “La opresión” y “La decepción”. Además de su significado conceptual, el disco destaca por su edición limitada en vinilo de 180 gramos, con solo 100 unidades numeradas, lo que lo convierte en un objeto de colección para los seguidores más apasionados.

Desde los primeros acordes, queda meridianamente claro que no estamos ante una simple grabación en vivo, sino frente a una obra que destila el espíritu del momento y lo eleva a algo perdurable. La música es una delicia: una combinación de estructura y libertad ricas en texturas, improvisaciones jazzísticas presentes a lo largo de la escucha, pero nunca como un fin en ellas mismas sino como vehículo para explorar nuevas dimensiones musicales, y un enfoque narrativo que nos sumerge en la historia. La banda, liderada por el talentoso Alberto Villarroya, cuenta con una formación sólida que incluye saxofones, flauta, órgano Hammond y una sección rítmica impecable. Este disco no solo es un testimonio de su maestría musical, sino también de su capacidad para abordar temas profundos con sensibilidad artística. La mezcla y masterización, a cargo de Ezequiel Orol, realzan la calidad sonora de este trabajo que ya ha conquistado a sus seguidores, agotando todas las copias en apenas una semana.

Amoeba Split continúa demostrando por qué es una de las bandas más destacadas de la escena progresiva actual. Con una trayectoria que incluye joyas como Dance of the Goodbyes y Quiet Euphoria, y colaboraciones recientes como la realizada con Richard Sinclair, este nuevo álbum reafirma su compromiso con la innovación y la calidad.

Lo que hace especial a este álbum es su capacidad para capturar la conexión entre la banda y su audiencia. Hay una sensación palpable de comunidad, como si cada nota fuera una invitación a un espacio compartido de creatividad y emoción. En un panorama musical que a menudo prioriza la perfección técnica sobre la autenticidad, Amoeba Split nos recuerda el poder de la música en vivo: su inmediatez, su imperfección y, sobre todo, su humanidad. Todos los Animales Son Iguales es mucho más que un disco en vivo; es una experiencia emocional y musical que quedará grabada en la memoria de quienes lo escuchamos.

KARL MARX WAS A BROKER: MONOSCOPE (2016)

 

Monoscope (2016) se presenta como una obra profundamente atmosférica que mezcla el post-rock, la electrónica experimental y el minimalismo, con toques de rock progresivo que enriquecen su propuesta. Karl Marx Was a Broker logra crear paisajes sonoros expansivos, equilibrando momentos introspectivos con dinámicas poderosas que invitan a una experiencia auditiva inmersiva y transformadora.

El álbum se nutre de una variedad de influencias, desde el krautrock de Can y el ambient de Eno hasta el espíritu exploratorio del rock progresivo vía King Crimson. Las estructuras complejas y la atención al detalle en la producción aportan una calidez orgánica que contrasta con su estética vanguardista. Este enfoque permite que la música evolucione de manera casi narrativa, jugando con texturas, ritmos y contrastes para mantener al oyente cautivado.

En su esencia, Monoscope es un homenaje a la capacidad transformadora de la música experimental y progresiva. Karl Marx Was a Broker demuestra una sensibilidad artística excepcional al crear una obra que demanda atención y recompensa con cada escucha, consolidando a la banda como una fuerza creativa en la música contemporánea.

TERRA NOVA (1980)

 

En el panorama del rock progresivo de finales de los 70 y principios de los 80, Terra Nova fue un proyecto breve pero ambicioso, surgido como una suerte de "nueva Earth Band". Fundada tras la disolución temporal de Manfred Mann's Earth Band en 1978, la banda estuvo liderada por dos pilares del grupo original: Chris Slade (batería) y Colin Pattenden (bajo), quienes se unieron a Pete Cox (voz), Chris West (guitarra) y Roy Shipston (teclados). Terra Nova se mueve por terrenos progresivos, heredando elementos característicos de la Manfred Mann's Earth Band, tales como el uso de sintetizadores y estructuras complejas. Sin embargo, también incorpora influencias de hard rock y elementos melódicos que aportan accesibilidad a su propuesta.

El álbum homónimo fue grabado en los Rock City Studios de Shepperton y en sus presentaciones en vivo, la banda no sólo interpretó temas propios, sino que también rindió homenaje a la Earth Band al incluir algunas de sus canciones en el repertorio. Sin embargo, la falta de éxito comercial y la partida de miembros clave, como Roy Shipston, marcaron el declive del grupo poco después de su formación.

A pesar de su corta existencia, Terra Nova dejó una huella interesante en la historia del rock clásico y progresivo. Si bien el álbum se está haciendo difícil de encontrar hoy en día, merece la pena buscarlo como una pieza perdida del árbol genealógico de la Earth Band. Terra Nova representa un capítulo efímero pero significativo para los seguidores de la Earth Band y del rock progresivo en general.

MICHEL HUYGEN: PLACEBO (2002)

 

Con Placebo, Michel Huygen entrega un álbum audaz que redefine su enfoque electrónico. Alejándose de lo etéreo y trascendental, esta obra se centra en el ritmo y la energía, ofreciendo una experiencia vitalista que inyecta dinamismo en el oyente. Desde los primeros compases, queda claro que este no es un álbum contemplativo, sino una celebración del movimiento y la acción.

El disco destaca por su sonido sólido y envolvente, con elementos que parecen moverse a nuestro alrededor, como si fueran tangibles. Los ritmos pulsantes y las líneas de bajo potentes marcan el tono, mientras los efectos electrónicos no solo adornan las melodías, sino que se integran como una parte esencial del tejido sonoro. Cada detalle está diseñado para conectar directamente con los sentidos, generando una atmósfera casi física.

Huygen demuestra aquí que la evolución no está reñida con la coherencia artística. Placebo es dinámico y, sobre todo, diferente, pero no pierde la esencia que lo define como uno de los nombres más creativos de la música electrónica.

RICK WAKEMAN: PIANO ODYSSEY (2018)

 

En Piano Odyssey, Rick Wakeman ofrece una obra que se siente tan majestuosa como íntima, un testimonio de su maestría al piano. El álbum combina interpretaciones profundamente personales de clásicos como "Bohemian Rhapsody" y "While my guitar gently weeps", con arreglos de piezas tradicionales y composiciones originales. En esta ocasión, Wakeman refina su enfoque minimalista, dejando que el piano ocupe todo el escenario, despojando cada nota de ornamentos innecesarios para revelar su núcleo emotivo. Hay algo casi confesional en su interpretación, como si el virtuoso teclista de Journey to the Centre of the Earth y The Six Wives of Henry VIII se hubiera retirado al estudio para contar sus historias más personales.

Comparado con otros trabajos de Wakeman al piano, como Piano Portraits (2017), este Piano Odyssey se siente más arriesgado y dinámico, aunque mantenga un hilo conductor similar en su sencillez y elegancia. Mientras Piano Portraits exploraba una serenidad introspectiva, Piano Odyssey da un paso adelante con su audaz selección de temas y un enfoque más cinematográfico, evocando paisajes sonoros que recuerdan su trabajo como compositor para bandas sonoras. La calidad técnica es innegable, pero no es la técnica lo que sobresale, sino la humanidad detrás de cada interpretación. Wakeman demuestra aquí que, incluso después de décadas de innovación, sigue evolucionando como artista.

Desde la perspectiva de su trayectoria discográfica, este álbum funciona como un testimonio de la flexibilidad de Wakeman. Si en los años 70 definió el rock progresivo con Yes y sus propias epopeyas conceptuales, aquí nos recuerda que su esencia como músico siempre ha sido la conexión emocional, ya sea a través de sintetizadores Moog o del más acústico piano de cola. Wakeman demuestra que mirar hacia atrás no implica repetir, sino reinterpretar, y que la verdadera genialidad reside en nunca perder la capacidad de sorprender, incluso con algo tan simple y puro como un piano.

JON AND VANGELIS: PAGE OF LIFE (1991)

 

A lo largo de los años, Jon Anderson y Vangelis Papathanassiou han tejido una colaboración musical única, un diálogo íntimo entre las inquietudes cósmicas de Anderson y los paisajes sonoros electrónicos de Vangelis. Su discografía previa, con gemas como Short Stories (1980), The Friends of Mr. Cairo (1981) y Private Collection (1983), estableció un equilibrio singular entre el lirismo casi místico de Anderson y el genio compositivo de Vangelis.

Centrándonos en el caso que nos ocupa, a pesar de sus momentos brillantes, el álbum resulta desigual en su conjunto. Canciones como "Jazzy box" parecen alejadas de la narrativa espiritual que caracteriza a Jon and Vangelis, revelando una cierta desconexión creativa que puede haber influido en el resultado final. Este contraste refleja quizá las tensiones de una colaboración que estaba llegando a su fin, como lo demuestra el hecho de que Vangelis se distanció de esta edición y lanzaría años después una versión alternativa más acorde con su visión personal.

Page of Life es, en última instancia, una mezcla de luces y sombras. Es un testimonio de una colaboración que, incluso en su etapa más titubeante, todavía tenía algo profundo que ofrecer. ¿Recomendado? Para los fanáticos acérrimos, sin duda; hay destellos suficientes de su grandeza pasada para justificar una escucha. Para el oyente casual, quizás sea más sensato comenzar con sus obras previas, donde el brillo del dúo está en plena forma. Que cada uno saque sus propias conclusiones.

AMAROK: SOL DE MEDIANOCHE (2007)

 

Amarok nos invita a un viaje sonoro fascinante donde el folk progresivo y las influencias de la world music se entrelazan en un diálogo armónico. Desde los primeros compases, el disco despliega una riqueza instrumental que combina flautas, mandolinas, percusiones étnicas y sintetizadores, creando paisajes sonoros de una belleza hipnótica. Comparado con referentes del género como Gryphon o The Incredible String Band, Amarok opta por un enfoque más contemplativo y melódico para profundizar en la creación de atmósferas mágicas y evocadoras.

En el contexto de su trayectoria, este disco en su momento supuso un hito de madurez para Amarok, alcanzado tras años de exploración musical. A diferencia de trabajos anteriores como Gibra’ara (2005), donde predominaba un enfoque más experimental, aquí encontramos una cohesión y un propósito narrativo claros. Las influencias celtas, mediterráneas y orientales no solo conviven, sino que dialogan de manera natural, construyendo un lenguaje único que confirma a Amarok como una de las propuestas más originales y sólidas del panorama progresivo español.

Sol de Medianoche destaca por su capacidad para emocionar y conectar a nivel profundo con el oyente. Frente a bandas como Iona, Amarok presenta un álbum con una profundidad y una carga emocional que lo hacen inolvidable. Es una obra que trasciende géneros y épocas, celebrando la diversidad y la universalidad de la música como lenguaje sonoro único, donde lo ancestral y lo actual se encuentran en perfecta armonía.

JOHN WETTON: BATTLE LINES (1994)

Pocos artistas aúnan con tanta elegancia la melancolía y el poder emocional de su época como John Wetton, y Battle Lines es un testimonio de su inconfundible arte. Conocido, sobre todo, por su trabajo en King Crimson, UK y Asia, este álbum marca un momento reflexivo y profundamente personal en su carrera. Esta joya de álbum refina su propuesta con un sonido cálido y pulido, contrastando con los paisajes progresivos más desafiantes que definieron sus primeros días. Aquí, Wetton parece mirar hacia atrás y hacia adentro, como un veterano musical que busca nuevas formas de contar sus historias de amor, pérdida y redención.

Hay ecos del rock progresivo, pero estos están suavemente destilados en baladas y canciones accesibles. Con producción de Ron Nevison, el álbum adopta una estética que quizás podría alienar a algunos puristas del prog, pero que se adapta perfectamente a la riqueza melódica y al lirismo directo de Wetton. Temas como "Battle lines" y "Hold me now" brillan con la intensidad emocional de un hombre que ha vivido tanto como ha soñado, canalizando esas experiencias en composiciones que oscilan entre lo majestuoso y lo desgarrador.

Sin embargo, lo que realmente eleva este álbum es la voz de Wetton: resonante, vulnerable y absolutamente honesta. Es una voz que lleva consigo los ecos de una generación. Su interpretación en Battle Lines tiene una gravedad que exige atención, incluso en sus momentos más sobrios. No será un disco que desafíe o rompa moldes como los de su juventud, pero es un recordatorio conmovedor de por qué el añorado John Wetton sigue siendo una figura tan querida e influyente en el mundo de la música. En pocas palabras, Battle Lines es un álbum que habla con el corazón y esa es, quizás, su mayor fortaleza.

WICHWOOD: HANDFUL OF STARS (2016)

En Handful of Stars, Witchwood amplía los horizontes trazados en su álbum debut, Litanies from the Wood, demostrando una madurez musical palpable y un enfoque aún más afinado hacia la tradición del rock progresivo y psicodélico. Mientras que Litanies evocaba una conexión terrenal, casi mística, con sus raíces folk, Handful of Stars se aventura más allá, explorando un sonido más expansivo y celestial, que hace honor a su título. Las composiciones son más audaces, con estructuras que fluyen como ríos serpenteantes, entrelazando pasajes melódicos con momentos de poderosa intensidad instrumental. Esta progresión no es sólo técnica, sino emocional: Witchwood ahora parece hablarle tanto al espíritu humano como a la naturaleza misma.

Comparado con los gigantes del género, como Jethro Tull o Uriah Heep, este álbum se posiciona con un respeto reverencial hacia sus influencias sin caer en el mero pastiche. En temas como "Like a giant in a cage", las líneas de guitarra recuerdan el virtuosismo lírico de Wishbone Ash, mientras que los arreglos de flauta y teclados coquetean con los paisajes sonoros de Camel. Sin embargo, Witchwood mantiene su identidad, con una producción que logra equilibrar una calidez analógica con un enfoque moderno y limpio.

Si el primero de los italianos era una ofrenda a las raíces del bosque, este segundo se eleva hacia los cielos, abrazando un lirismo más cósmico y universal. Los textos ahora no sólo narran historias, sino que invitan a la reflexión sobre la pequeñez del ser humano ante el vasto cosmos. Es un álbum que acepta con orgullo la comparación, mientras demuestra una identidad clara y la audacia de trazar su propio rumbo. Con su mezcla de lo antiguo y lo novedoso, Witchwood ha logrado crear un puente entre generaciones de oyentes, destinado a resistir el paso del tiempo.

BRIAN AUGER'S OBLIVION EXPRESS: KEYS TO THE HEART

Es una delicia para los aficionados al jazz, el soul y el groove que han seguido a Brian Auger a lo largo de su ilustre carrera. Keys to the Heart es un álbum que vibra con la energía característica de Auger, entrelazando su dominio del órgano Hammond con una sensibilidad contemporánea que, sin embargo, honra sus raíces. El álbum está impregnado de una calidez casi palpable, como si Auger estuviera tocando directamente desde su salón para una audiencia íntima. Auger parece haber encontrado un equilibrio entre el virtuosismo y la emoción pura, entregando un trabajo que resulta tan inspirador como accesible.

En comparación con sus primeras obras con Oblivion Express en los años 70, como Second Wind o Closer to It!, este álbum adopta un enfoque más intimista. Mientras que aquellos discos eran explosiones de fusión jazz-rock con una intensidad casi febril, Keys to the Heart se disfruta como un reflejo de un hombre más asentado, pero no menos apasionado. La conexión espiritual que Auger tiene con su música sigue siendo evidente, pero aquí se manifiesta con un enfoque menos agresivo y más contemplativo.

Siendo alguien que durante décadas fue motor para la innovación musical, Auger demuestra aquí que no es sólo un maestro de su instrumento, sino también un intérprete de emociones humanas, cuyo virtuosismo sirve más como un vehículo para la narración emocional que como un fin en sí mismo. Para los que han seguido su trayectoria, este álbum es una prueba de que Brian Auger sigue evolucionando. Es un disco que no solo se escucha, sino que se siente, y eso es lo que hace que Auger siga siendo tan relevante como siempre.

SYNDONE: SPLEEN (1992)

El debut de los italianos, que merecería más reconocimiento por la comunidad progresiva, es una obra que destila una intensa admiración por el legado del progresivo de los años 70 arraigado en las tradiciones italianas de los años setenta, como Premiata Forneria Marconi o Banco del Mutuo Soccorso, pero con un enfoque contemporáneo para su época. Además, desde la primera nota, el espíritu de Keith Emerson parece habitar cada rincón de esta producción, con su característica mezcla de virtuosismo en los teclados, estructuras complejas y una exuberancia casi teatral.

Las influencias en Spleen son evidentes, pero nunca abrumadoras. Más allá de Emerson, se escuchan ecos de Gentle Giant y Genesis, aunque con una instrumentación menos convencional. Syndone prescinde de la guitarra eléctrica como protagonista, apostando por un enfoque en los teclados y el vibrante uso del Moog, Hammond y piano clásico, lo que le da al álbum un sonido singular dentro del prog de los 90, oscilando entre la grandilocuencia épica y momentos de calma interior. Es un álbum que reverencia el pasado, pero también busca expresar una angustia y un lirismo que son completamente suyos.

Syndone canaliza la energía de sus héroes sin perder su identidad; este no es un disco que se contenta con quedarse en la sombra de los gigantes. Más bien, construye su propio monumento, aunque claramente inspirado, con un enfoque que refleja tanto respeto como innovación. En una época donde el rock progresivo luchaba por relevancia, Spleen emerge como una gema olvidada, una oda tanto a los maestros como al futuro que buscaban imaginar.

AMAROK: CANCIONES PARA UN PLANETA HERIDO (2024, AZAFRÁN MEDIA)

AMAROK: CANCIONES PARA UN PLANETA HERIDO (2024, AZAFRÁN MEDIA) 

Temas:

CAPÍTULO I

1. I.A 8:46
2. Permafrost 8:39
3. Cuatro erizos 4:24
4. Los secretos del río 8:28
5. Gunung Padang 8:49
6. El imperio del plástico 4:16
7. M'goun 2024 7:05

CAPÍTULO II

1. Bosques silenciosos 10:08
2. Solastalgia 7:53
3. El abrazo del árbol 2:57
4. La Puerta de Hegra 5:28
5. Mujer Luna 2024 4:55
6. Numa 3:06
7. Madre Agua 15:54

Músicos: 

Robert Santamaría: teclados, programaciones, guitarras de 12 cuerdas, kanun, saz, santur, melódica, golckenspiel, kalimba, percusiones.

Marta Segura: voces.

Manel Mayol: flauta travesera, tin whistle, flauta dulce.

Pau Zañartu: batería.

Renato di Princio: batería, ensemble de zarb, riq y daf.

Jordi Rallo: tabla.

Alan Chehab: bouzouki griego.

Tarik Smith: trompeta.

Berna Jones: violín.

Joan Miró: oud y voces.

Víctor Estrada: theremín.

Nuria Martínez: palmas.

Luis Blanco: vibraslap.

 

Extensa y delicada odisea de Amarok, que presenta una bitácora de viajes por el progresivo occidental y la tradición oriental para deleitarnos con un ejercicio que se me antoja el más intimista de los de Robert Santamaría. Quizá este doble trabajo, dividido en dos capítulos, muestra el cenit de un grupo dedicado a desgranar esencias que van perfumando la escucha de cada uno de los temas aquí contenidos.

Es más, yo lo consideraría junto a Hayat Yolunda (2015) y El Ojo del Mundo (2021) el cierre perfecto de una trilogía panteísta tanto por su temática como por su colección de melodías y armonías. Incluso se recupera temas clásicos y extremadamente queridos del repertorio de Amarok destacando “Mujer Luna” o un maravilloso “M’Goun” contenido en Tierra de Especias de 2000, lo cual reafirmaría mi punto de vista en el que el Universo y la Naturaleza es una manifestación divina.

Dejando aspectos filosóficos a un lado, nos encontramos ante un trabajo construido por detalles y arreglos inmensos que van desde un rock progresivo clásico y pastoral, como el Oldfield de Incatantions, para pasar a bucolismos al piano y a los instrumentos acústicos, con los que Robert se desenvuelve a las mil maravillas. Y es que Santamaría no solamente es un virtuoso de los teclados, recordando en sus esmeradas intervenciones tanto a Banks como a Emerson, o de las guitarras de 12 cuerdas, que son pulsadas magistralmente como si de un Anthony Phillips en estado de gracia se tratara; sino que también se hace cargo de instrumentos menos tradicionales en el mundo occidental, como el kanun, el saz, el santur o la kalimba, entre otros. Y es precisamente por esa variedad instrumental tan amplia que la música de Amarok está siempre impregnada por aromas y esencias que palpitan constantemente en su interpretación formal.

A Santamaría le acompañan también Marta Segura, una vocalista inseparable de la marca Amarok, proporcionando una calidez sensible en cada una de sus intervenciones. Además, participan muchos más músicos que imprimen carácter a los temas, entre los que destacaría a Manel Mayor y sus sentidas flautas; a los bateristas y percusionistas que dan vida al corazón de Amarok de la mano de Paul Zañartu o del inefable maestro Renato di Prinzio; a la trompeta de un exquisito y acertado Tarik Smith; y también al apetecible Theremin de otro habitual de Amarok, Víctor Estrada.

Como decía antes, asistimos a una confluencia de géneros, con predominio total del rock progresivo de tinte más clásico e idílico, pero adornado de intervenciones folk rock, gracias a esa prominencia de violines, o la música oriental más sensible gracias a intervenciones de tablas y ese piélago hermoso formado por el saz o el kanun, de los que Robert Santamaría es un hábil mentor y  maestro. Incluso se escuchan las brisas del Mediterráneo generadas por el bouzouki, o las guitarras y teclados acústicos y trompetas, que nos devuelven ecos italianos a lo Banco del Mutuo Soccorso.

El resultado final es un exquisito lienzo musical impregnado de delicadeza y folclorismo latentes, intimismo en las exposiciones, fluidez en los desarrollos y fuerza anímica en la ejecución del conjunto total. Se nota que es un trabajo cuidado y hecho a gusto, sin ninguna duda. Las músicas contenidas en Canciones para un Planeta Herido nos transportan con ese sentimiento que sólo Amarok sabe imprimir a través mundos oníricos en los que no sólo la música es elaborada, sino también las letras y la poesía contenida en ellas con un mensaje natural comprometido.

En definitiva, estamos ante una obra muy trabajada, que se empezó a acrisolar en 2022 y 2023 y ha desembocado en un auténtico deleite espiritual que trasmite emotividad, riqueza expresiva, energía, gracia, frescura y solidez de planteamientos, lo que nos lleva a definir a Amarok como un grupo esencial en el panorama mundial de la música progresiva convertida en Arte imperecedero.

https://robsant.bandcamp.com/music

CROMA: DOBLE COS (2024, 5 LUNAS PRODUCCIONES)

CROMA: DOBLE COS (2024, 5 LUNAS PRODUCCIONES) 

Temas: 

1. Intro (2’08)
2. Echoes (1’24)
3. Pinotxo (9’37)
4. Ocells (2’04)
5. Cims (5’20)
6. Speed (3’33)
7. Danses (2’10)
8. Somni 5:32
9. Bye bye 1:56
10. Recreació (bonus track) 6:08

 Músicos: 

Josep María Trotta: teclados

Lluis Escarrá: guitarras

Josep Fonts: bajo

Quim Pratdesaba: batería

 

Es de agradecer la labor de rescate del progresivo español que está haciendo desde Andalucía el sello 5 Lunas Producciones. A la edición de los volúmenes de recuperación de temas y grupos que, de otra manera hubieran quedado en el olvido de muchos, titulados genéricamente como Progressive Rock Side of Five Moons, de los que disfrutamos ya de cuatro volúmes, tenemos que añadir, para disfrute y puro placer del seguidor del género progresivo patrio, este CD de los legendarios catalanes Croma, que no pudo ver la luz en su día, pese a su calidad y trayectoria manifiesta.

Por otro lado, este CD, inédito en formato físico hasta la fecha de hoy, además, inaugura la serie Arqueoprog, cuya intención es devolver a su vida a artistas y grupos de música progresiva, jazz-rock o electrónica, que han dormido injustamente en la sombra del olvido. Y he de decir que ha sido un acierto total inaugurarlo con Croma, un grupo increíble pasado por alto, que se merece, como poco, su lugar en el panorama progresivo musical de forma destacada.

Si hacemos un poco de arqueología, parafraseando la edición, Croma existió durante casi toda la década de los setenta, concretamente desde 1972 hasta su desaparición en 1979, y fue un grupo que actuó incansablemente, demostrando su calidad y buen hacer musical, participando en numerosos conciertos y festivales de los que, cómo no, habría que destacar el legendario Primer Calella Camping Rock, en agosto del 77, donde se codearon y compartieron tablas junto a Iceberg, Bloque, Borne, Asfalto, Ñu, Triana, Atila o Suck Electronic, por no citar a todos. Sería posteriormente, en 1979, en el estudio de otro músico, Joan Amils, en Gerona, donde grabarían una maqueta en un 8 pistas.

Y de aquella maqueta, con el tiempo mimada, recuperada y restaurada, de la mano de Lluís Escarrá, el guitarrista del grupo, surge esta edición remasterizada por 5 Lunas Producciones, mostrando un trabajo de sonido pulcro y cálido en lo puramente técnico y lleno de vehemencia y emoción en lo netamente musical.

Croma desarrolla en Doble Cos, una paleta colorida de rock progresivo que nos lleva desde Gòtic, otros ilustres catalanes, hasta los míticos Camel, pero con una personalidad propia en la que desarrollan su rock progresivo, exclusivamente instrumental, en base a sentidos desarrollos donde los arreglos, muy cuidados, y las melodías y ritmos seducen constantemente al oyente.

Música de enorme sabor mediterráneo, en ocasiones me llegan incluso a recordar a Le Orme, plagada de matices luminosos y optimistas que recorren pasajes llenos de belleza, técnica y pasión, con intervenciones estelares de teclados, magistralmente ejecutados por Josep María Trotta, un enamorado de Keith Emerson o Peter Bardens, que es la guía de cada uno de los temas, variados en su duración, desde los 2 minutos a los 9, y que actúa como maestro de ceremonias dando entrada y protagonismo, a la par, a la guitarra del citado Lluís, que con emotiva presencia proporciona fuerza y maravilla a la música de Croma. Una música, intrincada con arreglos complejos, que sirven también de lucimiento a una generosa base rítmica, muy técnica y emocional, que cierra el perfecto círculo progresivo de Croma.

Después de 45 años, nos encontramos con esta mayúscula sorpresa agradable de ver, por fin, plasmada la música de Croma en formato físico. Y aunque es verdad que tarde, se hace justicia y se enmienda este tremendo e imperdonable olvido de un grupo que crea música para el deleite y gozo de un oyente que, al final, queda subyugado por la excelencia de esta música intemporal. Difícil sería comprender una pretérita época musical de oro, la de los setenta en España, sin la presencia de este grupo.

Doble Cos y su música ya tiene su sitio, ganado por méritos propios, en el altar del rock progresivo español, y universal, por su corazón, creatividad y frescura. Espléndido trabajo de música radiante.

https://5lunas.net/producto/croma-doble-cos/

LE TOUR DE FORCE (2024, AUTOPRODUCIDO)

LE TOUR DE FORCE (2024, AUTOPRODUCIDO)

Temas:

1. Radical
2. Planet 503
3. The genesis of the Seven Tides
4. Inconsciencias
5. Daydreaming
6. Psycho-jungle
7. Penguins

Más que un esfuerzo notable, lo que supone el debut de este trío instrumental zaragozano es una sublime hazaña musical construida al margen de las modas y de cualquier tipo de prejuicio. El descarado templo sonoro erigido por Le Tour de Force, producto de una dilatada experiencia pretérita, se construye sobre una base sólida en la que el avezado terceto muestra todo su inquieto potencial.

El torrente desgranado en esta declaración de intenciones nos contagia del desparpajo con el que se muestran elaborados temas en los que se plasma una música hecha con técnica y más sentimiento. Y digo esto porque se nota que el grupo disfruta con lo que hace y, lo que es más importante, lo sabe transmitir a un oyente que, al instante, se convierte en cómplice de ese monumental lienzo que dibuja un trío con un currículum de ensueño. Fernando de la Figuera, guitarras y strings; Fran Gazol, batería y percusiones; y Martín Gros, bajo, son descendientes de la familia y musa armoniosa zaragozana y la inspiración, fruto de un dilatado trabajo tenaz, parece sobrevolar cualquier instante de su actividad.

Asistimos, emocionados y conmovidos, a una música electrizante, elaborada y muy trabajada en las que la contribución al jazz rock, a la fusión y, en mayor medida, al rock progresivo es su sólida carta de presentación: desde King Crimson, grupo declarado como uno de sus favoritos y que amalgama la esencia del grupo, pasando por el jazz rock de Jeff Beck o la fusión de Dixie Dregs o Tri-Offensive, hasta el John McLaughlin más entregado de los setenta, tienen cabida en este CD, nada derivativo pese a las referencias, compuesto por siete temas, en los que el estilo de ejecución de los instrumentos tiene un alto nivel de complejidad y de técnica, no exenta de una enorme pasión que acrisola su exultante resultado final.

De principio a fin, la música crece, si cabe, por momentos y desde las notas iniciales de ese “Radical” hasta el apabullante epílogo de “Penguins” la trama se desarrolla en una monumentalidad instrumental, en un crescendo progresivo, nunca mejor dicho, que explora terrenos sonoros que van de la emoción al sentimiento, de la luz a la sombra, de la energía a la quietud, en un viaje infinito pleno de armonía y revolución.  Música del corazón para el alma, en definitiva.

Compromiso compositivo y pasión interpretativa son el común denominador de esta terna seductora que, desde este su inicio discográfico implacable, no deja a nadie indiferente. Estamos ante uno de los grupos llamados a conquistar el podio musical de un género, el progresivo, tan maltratado por autodenominados gurús luminosos de barnizado e insulso papel cuché. Asistimos a la explosión estelar de la que será una supernova longeva en el panorama nacional. Siente el orgullo de ser testigo de ello y diviértete con su música.

Ejemplares disponibles en el Cabaret Café de la calle Andrés Piquér 2, si paras por  Zaragoza, o pedidos a letourdeforcemusic@gmail.com

A PROPÓSITO DE PROGRESSIVE ROCK SIDE OF FIVE MOONS

 A PROPÓSITO DE PROGRESSIVE ROCK SIDE OF FIVE MOONS

La serie de volúmenes impulsados por el infatigable y emprendedor sello 5 Lunas Producciones no es sino el trabajo sensible y arriesgado, a la vez, de quien está prendado del rock progresivo hecho en España en distintas épocas y momentos. En realidad nos enfrentamos a un inmenso trabajo de recuperación y muestra de las músicas progresivas, y con talante progresivo, que se hicieron, y se hacen, en nuestro país, con el único objetivo de mostrar un catálogo cautivador que seduzca realmente al seguidor del género progresivo.

Es por ello que me atrevo a afirmar que no nos encontramos ante un formato recopilatorio y normalizado al uso. Un formato, el recopilatorio, que en muchas ocasiones no es bien acogido por constituir meramente una selección de lo mejor de uno o varios artistas. Y es precisamente ahí donde 5 Lunas Producciones de un paso adelante en esta concepción musical como trabajo meticuloso de recuperación, casi de manera arqueológica, de una serie de bandas y músicas dormidas, olvidadas, insólitas e inéditas, que, de otro modo, hubieran seguido soñando su existencia en el abandono y la ingratitud.

Buceando esforzadamente entre archivos, documentación y selección escrupulosa, 5 Lunas Producciones periódicamente nos regala, porque es un auténtico regalo, el fruto de su investigación y nos brinda la oportunidad de descubrir temas y grupos que hubiesen sido pasados por alto por la mayoría de oyentes e, incluso, fanáticos aficionados al género. Y es ahí donde radica esa diferencia entre un recopilatorio de temas ya publicados y una colección dedicada en cuerpo y alma a ampliar nuestro catálogo musical con un tesoro de incalculable valor.

Quizá haya quien diga que existe una delgada línea roja entre un recopilatorio al uso y esta serie, que ya alcanza su cuarto volumen, del sello andaluz. Yo, lo acepto, faltaría más, pero también manifiesto bajo mi punto de vista determinado que Progressive Rock Side of Five Moons es algo más que un compendio de música. Estamos ante un ejercicio de revelación, un ejercicio de descubrimiento musical, ante un auténtico tesoro de arqueología musical que merece ser entendido y valorado en toda su dimensión.

5 Lunas Producciones