ERIC BAULE: REVELATIONS ADRIFT

ERIC BAULE: REVELATIONS ADRIFT (2015, INDEPENDIENTE9

1. Tidal wave 1:41
2. Redemption 8:40
3. Back to nature 6:34
4. Flying high 8:31
5. Circle of dead eyes 8:10
6. Touching the Earth 4:15
7. Release from duality 11:27
8. Undertow 1:52
9. Far from here 9:50
10. Spring disease 8:17

Eric Baulenas: voz y guitarras

Eric Rovira: batería y coros

Dani Soto: bajo

Isam Alegre: teclados y coros

10/10

Hay veces que, muy de vez en cuando, y sin esperarlo, por delante de ti, a bocajarro, se te cruza algo que difícilmente podrás olvidar. Algo que, inesperado, se va a situar a tu lado durante tanto tiempo que va a ser tarea difícil despojarte de ello. Algo que te despierta, sin saberlo, una sonrisa, una emoción, un no sé qué, un algo que parecía dormido dentro, pero que necesita alimentarse para mantener el espíritu atento a las sensaciones que te rodean. El debut de Eric Baule es ese algo que se deposita tan dentro de uno que lo llega a sentir como algo tan propio, que se hace impensable desprenderse de él.

Llevo muchos años, aunque nunca serán demasiados, ni bastantes, escuchando música y difícilmente uno puede asombrarse ya cuando se acomoda para escuchar nuevas producciones, pero el caso es que, desde el inicio de este grandísimo primer trabajo de los de Barcelona, me sentí cómodo con su música. Una música construida desde la sabiduría de sus instrumentistas, pero también desde la honradez de su sentimiento a la hora de expresarse ante los demás.

Por fin, esta banda construida en 2010 alrededor de su guitarrista y cantante, Eric Baulenas, daba a luz, tras un largo y espinoso tiempo de gestación, una de las obras de rock progresivo contemporáneo más sólida desde hace muchos, pero que muchos, años. Un Revelations Adrift construido en torno a unos arreglos y una instrumentación grandiosa, llena de espacios y de momentos eléctricos y melódicos, que engrandecen cada uno de los segundos de su escucha, que satisface de principio a fin. Ecos de los grandes surcan las notas de este disco de Eric Baule. Desde sonidos floydianos, pasando por posturas del progresivo más coetáneo y alternativo, léase Porcupine Tree, inflamado de un sentido musical de referencia sinfónica y aderezado, poderosamente, por esencias que beben directamente del hard progresivo o, también, de guitarristas de naturaleza dinámica e inteligente, léase Joe Satriani.

Estamos ante una obra maestra de este siglo que estamos viviendo peligrosamente, en el que muchos grupos hacen música de lo-que-sea progresiva, pero que se escudan en etiquetas para un consumo rápido y difícilmente perdurable. Eric Baule es un grupo que no engaña a nadie, es un grupo que no necesita escudarse en teorías musicales para mostrar una música de auténtica calidad y de auténtico rock progresivo, con los matices que cada uno pueda apreciar, porque estamos ante una música jugosa, llena de estilo, llena de sentido y expuesta directamente con fuerza y delicadeza expresiva al mismo tiempo.

Guitarras heroicas y subyugantes, teclados sublimes y cálidos, baterías contundentes y ricas, bajos emocionantes y una guía vocal muy sugerente, llena de inflexiones, definen el primer trabajo de este grupo que nace como un arrebato, que surge con la mayor de sus fuerzas y que, auguro, será depositaria de una sucesión de obras que integrarán uno de los catálogos más interesantes del progresivo mundial de todos los tiempos. Si este es su primer trabajo, no quiero perderme el resto de los que, seguro, vendrán.

Si estás perdido en la marea incesante de nuevas bandas de trayectoria efímera e inconsistente. Si quieres emoción. Si necesitas un grupo que sea honrado y honesto, Eric Baule es todo esto y más. Eric Baule es futuro, es esperanza, es arte, es cercanía, es solidez y honradez. Es un clásico del futuro… y del pasado.

Yo me haría con una de sus copias físicas ya. Si tardas te arrepentirás.

STEVE HOWE PUBLICA UN NUEVO RECOPILATORIO QUE REPASA SU CARRERA EN SOLITARIO

Aunque es más conocido por su contribución histórica como guitarrista principal de Yes y Asia, Steve Howe ha tenido una carrera en solitario prolífica. El músico de 67 años de edad ha buceado en lo extenso de su catálogo personal y ha conseguido recopilar una retrospectiva variada de su trabajo en solitario, que saldrá publicada, el próximo 10 de marzo, como Anthology, un lacónico título que da lugar a pocas interpretaciones. Las ediciones serán en doble CD y en descarga digital.

La colección de 33 temas se construye con los tema tomados de la más de una docena de ediciones del guitarrista, desde su inicial debut de 1975, Beginnings, hasta el último de 2011, Time. El recopilatorio también incluye, entre otros, dos temas del álbum de tributo de 1999, Portraits of Bob Dylan, y la versión aflamencada de “Mood for a day”, que Howe grabaría con la English Chamber Orchestra para el álbum de 1993, Symphonic Music of Yes.

Howe presentará el disco con una gira en solitario por el Reino Unido, en abril, donde dará un repaso a toda su carrera en solitario.

Temas:

Disco 1

1. So Bad
2. Lost Symphony
3. Pleasure Stole the Night
4. Pennants
5. Look Over Your Shoulder
6. Surface Tension
7. Sensitive Chaos
8. Running the Human Race
9. Desire Comes First
10. Luck of the Draw
11. Maiden Voyage
12. Walk Don't Run
13. Momenta
14. The Collector
15. Just Like a Woman
16. Buckets of Rain

Disc Two

1. Distant Seas
2. Curls & Swirls
3. Meridan Strings
4. Simplication
5. Rising Sun
6. Westwinds
7. Ultra Definition
8. Ebb and Flow
9. Dorothy
10. Sketches in the Sun
11. Diary of a Man Who Vanished
12. Devon Blue
13. King's Ransom
14. Bachians Brasileiras No. 5 (Aria)
15. Beginnings
16. Mood for a Day (con la English Chamber Orchestra)
17. Sharp on Attack

GEDDY LEE AFIRMA QUE DESPUÉS DEL GRAN ÚLTIMO TOUR TENDRÁN QUE DESACELERAR RADICALMENTE

Este mismo fin de semana, concretamente el sábado día 21, en una entrevista en el programa televisivo That Metal Show, de la cadena VH1, al bajista de Rush se le preguntó sin rodeos si la próxima gira representaba la despedida del grupo sobre los escenarios: “Es muy difícil responder a esa pregunta por muchas razones. En primer lugar, como ya sabéis, los tres miembros de la banda tenemos distintas opiniones al respecto. Todo el mundo está en un lugar muy diferente del de los demás. Hemos hecho muchísimas giras durante los últimos diez años, hemos compuesto muchísimo y hemos trabajado otro tanto. Neil, por ejemplo, tiene una cría y ha afirmado públicamente, en distintas ocasiones, que se le hace muy difícil dejar a su hija. Que ella le necesita. Así que está claro que estamos en un punto de nuestra carrera en el que tenemos que desacelerar, y hacerlo de forma radical. Dicho esto, no me seduce la idea de una gira de despedida, pero está claro que éste, de todos modos, va a ser el último gran tour que vamos a hacer. Esto es lo que puedo decir.”

Esta gira, denominada R40 Live, va a visitar 34 ciudades norteamericanas durante este verano y no se ha anunciado que vayan a visitar ni Europa ni el resto del mundo durante la misma. Por lo menos, explícitamente. Lee afirmó no hace mucho tiempo que se están tomando la responsabilidad de representar 4 décadas de música en el escenario de modo muy serio y, de hecho, ha admitido que tienen más temas nuevos en mente. Temas totalmente nuevos que aún no han comenzado el proceso de edición o grabación, pero que podrían encajar perfectamente en los conciertos, estimando que tendrían una duración de unas cinco horas, aproximadamente.

Además, en distintas entrevistas ha quedado más que claro que están involucrados plenamente en Rush: “Si me preguntas si todavía somos una banda, te puedo responder que sí, que por supuesto que somos una banda. ¿Qué si todavía hablamos de componer? Sí, hablamos de componer. ¿Haremos conciertos en el futuro? No veo por qué no. Pero, cuando me hablan de una gira con 35, 40 o 50 conciertos, a nuestra edad, no puedo decir cuántos vamos a poder hacer.”

TONY PAGLIUCA SE UNE A IL CASTELLO DI ATLANTE

El pasado 24 de enero, Il Castello di Atlante, histórica banda italiana de rock progresivo desde 1974, y Tony Pagliuca, el también histórico teclista de Le Orme, tocaron juntos en Veruno.

La verdad es que el éxito que tuvo la unión en directo de estos dos legendarios nombres y, por encima de todo, la química que hubo entre ellos y el entusiasmo reflejado en directo, ha provocado que Tony e Il Castello hayan comenzado a trabajar juntos, y no sólo en los escenarios, sino componiendo nuevos temas, que aparecerán en el nuevo y anunciado trabajo en CD, Arx Atlantis, que se publicará en fecha aún por determinar dentro de relativamente poco tiempo.

La banda anuncia también que Tony acompañará a la banda en la gira consecuente y en la Convención Terra Incognita que se celebrará en Québec, Canadá, el próximo 17 de mayo.

LOS NUEVOS HIJOS DEL AGOBIO. HARVEST: NORTHERN WIND

HARVEST: NORTHERN WIND (2014, RED PHONE RECORDS)

Procedencia: Barcelona

Género: rock progresivo, rock

Fecha de edición: 28 de noviembre de 2014

Temas:

1. Into the void
2. It all become clearer
3. This day
4. Northern wind
5. Sending signals
6. Something’s changing
7. Under the April sky
8. Shadows behid the lilacs
9. Rush
10. Tonight
11. Colours

Músicos:

Álex Ojea: batería

Jordi Prats: guitarras

Toni Munné: bajo

Jordi Amela: teclados

Monique van der Kolk: voz

Los de Barcelona, publicaron a finales del año pasado, su tercer álbum, este Northern Wind, grabado en su ciudad natal, tras haber editado con anterioridad otros dos trabajos imprescindibles en la discoteca progresiva no sólo nacional sino internacional: Underground Community (2009) y Chasing Time (2012). Y todo esto al lado de casa, no hay que irse a lugares exóticos lejanos para degustar, incansablemente, un producto hecho con calidad, con enorme sentimiento y mayor dedicación.

Y es que estamos ante la consagración definitiva de un grupo, con base en Barcelona (sin olvidar la procedencia de su excelente cantante femenina), que se sitúa al mismo nivel que las grandes producciones hechas con grandes medios y con más grandes promociones.

Definitivamente, Harvest, desde su posición de amanuenses de un estilo tan denostado como menospreciado, sobre todo en nuestro país, colocan este tercer artefacto progresivo en nuestras manos para deleitar nuestros sentidos con cada segundo de su escucha. He de confesar que hace tiempo que tenía este álbum en mi poder, pero quise, conscientemente, dejar espacio para intentar ser objetivo y no dejarme llevar por la euforia inicial que se desató en mí tras la primera escucha.

Y he de confesar, que sigo subyugado, sigo entregado a la belleza honesta de este grandísimo, no me cansaré de decirlo una y otra vez, trabajo. De esta obra de arte casi divina, pero ofrecida para goce humano. Ese es el gran privilegio de las obras maestras que pocos artistas regalan y con las que asombran a aquellos que quieran disfrutar de algo que no tiene ni principio ni fin, de algo que es atemporal.

El resultado es este enorme trabajo, lleno de delicadeza, de sentimiento, de honestidad, también de todos esos recursos de un género que, si lo estás leyendo aquí, tú también adoras: rupturas de ritmos, enormes espacios llenos de instrumentación sabia, pero concisa, de una producción que roza la perfección de las maravillas… y no acabaría nunca.

Pero por encima de todo, el trabajo incansable de un grupo que, desde sus inicios, se empeñó en algo que pocos logran: ser honrados consigo mismos y con sus oyentes. Todo ello con la única finalidad de hacer de la escucha de Northern Wind una experiencia de estimulación sensitiva y sensible que, por encima de todo, pretende lograr una interactuación del emisor con su oyente.

Harvest lo logran. Ellos nos regalan su arte. Nosotros nuestra fidelidad. Se la han ganado a pulso disco a disco, latido a latido... golpe a golpe, verso a verso. Indiscutiblemente recomendados.

 

IAN ANDERSON ANUNCIA UNA ÓPERA ROCK

Ian Anderson anunció ayer que esboza planes para plantear una gira itinerante por distintos teatros en las que se representaría una producción basada en la vida del auténtico Jethro Tull.

Provisionalmente llevará el título de Jethro Tull: The Rock Opera y contará la historia del agrónomo inglés, inventor de una original máquina sembradora de tracción animal, como si viviera en los tiempos actuales y se incluirían temas como “Heavy horses”, “Farm on the freeway”, “A new day yesterday”, “The witch’s promise” o “Locomotive breath”. En todo caso, las letras de los temas se volverían a escribir para tratar de adaptarlas a la historia que se va a relatar en la puesta en escena.

A Ian le acompañarán David Goodier, bajo, John O’Hara, teclados, Florian Opahle, guitarra, y Scot Hammond, batería. Además se anuncia, también, la participación de artistas invitados, a través de vídeo, pero no se han adelantado nombres de momento.

Las fechas de la gira se confirmarán en el momento oportuno, pero parece ser que los primeros conciertos se ofrecerán hacia septiembre en el Reino Unido, para, posteriormente, pasar a Rusia, Europa y América del Sur, todo antes de finales de 2015.

EL NUEVO PROGRESIVO DEL FUTURO. MECHANICAL BUTTERFLY: THE IRRESISTIBLE GRAVITY

MECHANICAL BUTTERFLY: THE IRRESISTIBLE GRAVITY 

País: Italia

Género: metal progresivo, experimental, psicodelia

Fecha de publicación: 12 de julio de 2014

Temas:

1. Suoni dalle stelle
2. Labyrinth of doors
3. Marks of times
4. The alchemist
5. Emerald tears
6. Sparks within a downpour
7. Gravity
8. La Fenice

Francesca Pulvienti: voz y letras

Alessio Oranges: guitarras

Laura Basile: teclados y sintetizadores

Emanuele Maita: bajo

Gioele Gentile: batería

Tras varias formaciones y alguna otra publicación en formato EP, Mechanical Butterfly, de Acireale, Italia, nos asombran con un trabajo progresivo, que lejos de situarse en el montón del metal progresivo, se alza en primera línea por su originalidad y su inteligente actitud a la hora de exponer sus conocimientos musicales, exquisitos, y sus influencias musicales: desde el rock progresivo clásico, pasando por el hard setentero, hasta los momentos más ambientales y sensibles de un grupo que sabe trasmitir emociones en cada segundo de la escucha de este maravilloso The Irresistible Gravity.

Y es que no estamos ante una banda de hard progresivo al uso, porque el grupo se muestra consolidado y coherente con la propuesta musical que presenta. No necesita de extensos temas, aunque los hay, para demostrar su objetivo. Que no es sino dejar de lado la técnica, asombrosa, para dar rienda suelta a una música llena de emociones y sentimiento. Rupturas de ritmos, elementos cinemáticos contemporáneos, casi industriales, imaginación, una gran producción, solvencia instrumental por encima de la media de los músicos actual, una voz exquisita y un resultado que deja un sabor agradable al oyente.

Y es que estamos ante un grupo original, único, que sabe lo que quiere y hace, además, lo que le gusta, por lo que este ejercicio se convierte en un artefacto honesto en el que el grupo, al completo (lo cual no es fácil), muestra un sentido positivo y optimista a la hora de ofrecer un producto sincero y que, adivino, sale del corazón.

Ventajas de la autoproducción. Exquisitos y contundentes. Técnica y corazón. Fondo y Forma. Una obra de arte. Totalmente recomendados. Seguiré de cerca sus pasos. No os los podéis perder. No los podemos olvidar.

GREG LAKE RECORDANDO AQUELLOS PRIMEROS KING CRIMSON

En febrero de 1970, King Crimson alcanzó la mejor posición que un álbum suyo haya podido lograr en las listas de éxitos y ventas. Evidentemente, correspondió a su primer trabajo, que alcanzó el puesto número 28 (hablo de las listas británicas) y supuso una nueva visión del rock hasta entonces.

El cofundador, Greg Lake, ha dicho en una entrevista para el medio Something Else!, al respecto que: “En King Crimson no había nada de blues. No había ninguna influencia que proviniera de América. Mientras que en todas las otras bandas de la época podías ver que sí tenían esas influencias. Éramos muy europeos y peculiares.”

In the Court of the Crimson King incluía el único tema que alcanzó puestos en las listas, “The court of the Crimson King”, un ejercicio de mellotrón de puro rock progresivo, como se denominó más tarde, o de art rock, como prefiráis. Fue el punto culminante de un álbum de cinco temas compuesto por Robert Fripp, Michael Giles, Greg Lake e Ian McDonald que buceaba entre la música clásica, el jazz y las influencias europeas, aunque entonces se le presuponía como un disco de rock post psicodélico. Las eternas etiquetas.

Lo más interesante de aquel nuevo grupo fue el modo en que se reunieron distintos músicos de variados orígenes musicales, que dieron luz a un trabajo producto de la unión de sus fuerzas: “Se aferraba al rock’n’roll, por decirlo de algún modo, pero, en realidad, mientras yo crecí en un ambiente de rock’n’roll, Robert e Ian y Michael no lo hicieron en absoluto. Así que cuando nos unimos fui yo quien, en verdad, cambió al grupo. Antes, se les llamó Giles Giles and Fripp. Tú no quieres escuchar ese disco, sinceramente. Es ofensivo. ¡Realmente lo es! Compusieron canciones humorísticas sobre gente parapléjica. ¡Era horrible! Era una especie de grupo de humor, una banda de comedia musical de alta calidad. E iban a ser despedidos del sello discográfico. Ahí es cuando yo entré en escena y lo cambié todo. Eran, eso sí, unos grandísimos músicos. Se adaptaron y nos convertimos en una banda de rock.”

Aunque en King Crimson sólo estuvieron juntos menos de un año, Lake y Fripp eran viejos conocidos y proporcionaron una simbiosis musical intensa que sirvió para la fundación de la banda. Eso es, según palabras de Lake, lo único que hizo a esta primera formación del grupo algo tan especial: “Yo podía tocar todo lo que él tocara. Ambos sabíamos de dónde venía todo. Otro de los componentes, el saxofonista y multiinstrumentista Ian McDonald, nunca había estado en un grupo de rock. Provenía de la sección de metales de una banda militar. Era un excelente músico, por supuesto, pero no tenía, en absoluto, ninguna experiencia real con el rock’n’roll. Lo que tenía era un profundo conocimiento musical, un gran sentido de la música orquestal. Finalmente estaba Michael Giles, el batería, que era simplemente un extraordinario ser humano. Cuando conoces a Michael es como si volvieras a 1910 o 1920. Es así en verdad. Todo en él es de época. Es como un personaje de Gatsby, un hombre muy dulce… Todas estas cosas son lo que construyeron definitivamente la banda. Quizá ahora puedas entender porqué la música es como es. Esa es la razón por la que todo estaba tan fuertemente construido, pero por lo que era, también, tan inusual.”

De todos modos, como muchos de vosotros ya sabéis, esta formación no duraría mucho. Michael Giles e Ian McDonald se fueron a los pocos meses de publicarse el disco, aunque Giles si estuvo en el siguiente, In the Wake of Poseidon. Greg Lake se marchó tras el proyecto de 1970 para cofundar Emerson, Lake & Palmer, y Robert Fripp todavía dirige King Crimson, en mil y una reediciones, desde entonces.

JOHN WETTON INTERPRETA TEMAS CLÁSICOS DEL ROCK EN SU NUEVO DIRECTO

Todo el mundo lo sabe: John Wetton es un seguidor del rock en su vertiente más clásica. Todos aquellos temas formaron parte de su vida, aunque difícilmente se le ha visto cantarlos en directo y, mucho menos, en estudio, a excepción del tema de Bob Dylan “All along the Watchtower”, que ha tocado regularmente desde que se unió a Steve Hackett en directo.

Aún así, hay que citar el proyecto Jack-Knife en el que John, tras su paso por UK, hizo temas de blues y rock and roll y también hay que nombrar alguna reunión única en la que sus seguidores pudieron escuchar cómo interpretaba “God only knows” de los Beach Boys, uno de sus temas favoritos, por cierto.

Pues bien, ambos temas mencionados, el de Bob Dylan y el de los Beach Boys, fueron parte del concierto que el cantante de Asia afrontó, junto a The Les Paul Trio, en el club neoyorquino Iridium, cuyo resultado es una grabación que saldrá publicada el próximo 2 de marzo, justo antes de embarcarse en otros proyectos en directo, como la inminente gira que llevará el título de Rock Meets Classic.

The Les Paul Trio está formado por el guitarrista Lou Pallo, el pianista John Colianni y el bajista Nicki Parrott, que trabajaron juntos en aquella ocasión con el legendario John Wetton en una actuación totalmente espectacular, que será la base de lo que conforme el nuevo álbum, que llevará el título de New York Minute.

Temas:

1. Do It Again (The Beach Boys)

2. What’s going on? (Marvin Gaye)

3. God Only Knows (The Beach Boys)

4. Can’t Find My Way Home (Blind Faith)

5. New York Minute (Don Henley)

6. All Along the Watchtower (Bob Dylan)

7. Lady Madonna (The Beatles)

8. Heat of the Moment (Asia)

9. Battle Lines (John Wetton)

CLEOPATRA RECORDS PUBLICA DOS ÁLBUMES INÉDITOS EN DIRECTO DE RENAISSANCE

El sello discográfico americano aumenta su catálogo de referencias progresivas con dos álbumes en directo de los británicos Renaissance.

El primero de ellos, DeLane Lea Studios 1973, que ya salió a la venta el pasado 3 de febrero, es una grabación en directo desde el estudio ante una pequeña audiencia de amigos en los legendarios DeLane Lea Studios, donde han grabado, por citar a algunos, Beatles, Queen, Jimi Hendrix o Pink Floyd. Annie Haslam dirige a su grupo interpretando casi por completo el cuarto álbum del grupo, Ashes Are Burning, con la colaboración especial de Andy Powell (Wishbone Ash) y el cantante Al Stewart.

Temas:

1. Can You Understand
2. Let It Grow
3. Sounds Of The Sea
4. Carpet Of The Sun
5. At The Harbour
6. Ashes Are Burning (con Andy Powell y Al Stewart)
7. Prologue

El otro trabajo que se publica, en doble formato, es Academy of Music 1974, que será lanzado el 31 de marzo. El concierto muestra la última producción de aquel momento, Ashes Are Burning también, con un sentido progresivo, acústico y orquestal, que definió su manera de hacer música en la década de los setenta.

Temas:

CD1

1. Can You Understand
2. Black Flame
3. Carpet Of The Sun
4. Cold Is Being
5. Things I Don’t Understand
6. Running Hard

CD 2

1. Ashes Are Burning
2. Mother Russia
3. Prologue

JETHRO TULL DESVELA LA REEDICIÓN DE MINSTREL IN THE GALLERY

Jethro Tull reeditarán el álbum de 1975 para celebrar así su 40 aniversario. Habrá una edición especial, llamada La Grande, que se publicará el próximo 4 de mayo, a través de Parlophone, y que contendrá material raro e inédito, incluyendo las nuevas mezclas hechas por Steven Wilson. Se publicará en doble CD y doble DVD y se tratará de la última remasterización del catálogo del grupo después de la de War Child realizada el año pasado. 

Además de los temas extra, el álbum incluye un libreto de 80 páginas en el que se analiza cada uno de los temas de la mano de Ian Anderson. También se incluye una historia del grupo y testimonios de la vida durante la gira de la mano del roadie Kenny Wylie, el ingeniero Pete Smith y la componente de la sección de cuerda Liz Edwards. Esta edición limitada también incluye las letras, el itinerario de la gira y fotografías totalmente inéditas.

El segundo disco estará formado por una actuación en directo grabada en París en julio de 1975, donde el grupo mostró los temas antes del lanzamiento del disco. Además, el álbum incluye también un breve documental sobre la grabación del tema que da nombre al disco en el mismo concierto.

Por si esto fuera poco, el mismo día que se publique la edición La Grande, se publicará una remezcla en estéreo de Minstrel in the Gallery en formato de CD sencillo, se podrá acceder a distintos formatos digitales y aparecerá una edición en vinilo de 180 gramos.

MINSTREL IN THE GALLERY 40TH LA GRANDE EDITION

Disc 1

1. Minstrel In The Gallery
2. Cold Wind To Valhalla
3. Black Satin Dancer
4. Requiem
5. One White Duck / 010  = Nothing At All
6. Baker St. Muse
7. Baker St. Muse -Pig-Me And The Whore
8. Baker St. Muse - Nice Little Tune
9. Baker St. Muse - Crash-Barrier Waltzer
10. Baker St. Muse - Mother England Reverie
11. Grace
12. Summerday Sands
13. Requiem (Version 1)*
14. One White Duck (Take 5)*
15. Grace (Take 2)*
16. Minstrel In The Gallery (BBC version)*
17. Cold Wind To Valhalla (BBC version)*
18. Aqualung (BBC version)*

 *no publicados anteriormente

Disc 2: Live at The Palais Des Sports, Paris,  July 5, 1975

1. Introduction (The Beach Part 11)
2. Wind Up
3. Critique Oblique
4. Wond’ring Aloud
5. My God
1. Flute Solo Including: God Rest Ye Merry Gentlemen/Bouree/Quartet.
2. Living In The Past.
3. My God (Reprise)
6. Cross-Eyed Mary
7. Minstrel In The Gallery
8. Skating Away On The Thin Ice Of The New Day
9. Bungle In The Jungle
10. Aqualung
11. Guitar Improvisation
12. Back-Door Angels
13. Locomotive Breath with improvisation and including Hard Headed English General and Back-Door Angels (Reprise)

THE SECURITY PROJECT: EL TRIBUTO SINCERO A LA OBRA DE PETER GABRIEL

La música de Peter Gabriel ha encontrado una nueva vida a través del grupo The Security Project, formado por antiguos miembros de la Peter Gabriel Band, King Crimson, Shriekback, Carpet Crawlers o UK. El nuevo grupo, un grupo de tributo al que fuera cantante de Genesis, no sólo recrea su música en directo, sino que le da una nueva perspectiva en este nuevo siglo. Y el caso es que está recibiendo el beneplácito no solo de los seguidores del artista, sino de gran cantidad de músicos, que brindan un gran reconocimiento a la música que Gabriel desarrolló en sus primeros cinco álbumes en solitario, incluyendo Security y culminando con aquel maravilloso directo que se tituló Plays Live. Entre esos músicos que han felicitado publicamente y se han congratulado por el nacimiento de esta formación, se encuentran Tony Levin, Larry Fast, Steve Hackett, Jon Anderson y el productor Tom Lord-Alge, por citar unos cuantos.

El miembro fundador, Jerry Marotta, dice al respecto de la banda: “Peter siempre fue una persona genial mostrándonos al mundo como músicos. Siempre nos asombró con ideas fabulosas y grandes… Cuando creamos Security no teníamos idea de que estábamos creando algo único. Estoy orgulloso de que en Security Project estemos en condiciones de ofrecer lo más profundo de aquellas composiciones y hacerlo con una convicción real tocándolas en vivo.”

Los conciertos incluyen temas legendarios como “The rhythm of the Herat”, “On the air”, “San Jacinto”, “Here comes the flood”, “D.I.Y.”, “No self control”, “I have the touch”, “Intruder” o el clásico de Genesis “The lamb lies down on Broadway”.

Músicos:

Jerry Marotta: batería y percusión, coros

Trey Gunn: Warr Guitar, coros

Brian Cummings: voz principal

Michael Cozzi: guitarras, coros

David Jameson: teclados, eigenharp

En febrero y marzo se embarcan en una gira europea que no tocará España. Una lástima.

NUEVA RECOPILACIÓN DE GENESIS EN POCOS MESES: THE MANY FACES OF GENESIS

Hace muy pocos meses que se publicó una recopilación en triple CD titulada R-Kive, que tuvo una reacción dispar entre los seguidores del grupo. Pues bien, el caso es que pronto, en marzo concretamente, va a aparecer otro nuevo recopilatorio de la banda, esta vez a través del extraño sello Music Brokers, que también va a suscitar polémica entre los seguidores de Genesis (como ya lo hizo entre los seguidores de Yes con una recopilación bootleg de aspecto semejante), por la inclusión de distintos temas que no van a dejar impertérrito a nadie que lo adquiera.

Y es que la nueva publicación, en formato digipack de triple CD, parece que no ha contado con la aprobación de la banda, y está levantando ampollas al incluir algunos temas de sus componentes en solitario, distintas colaboraciones de sus miembros, algún que otro tema que se coge muy de soslayo para relatar la carrera de los británicos, otras bandas tocando temas de Genesis y, eso sí, un CD completo con lo que se han denominado The Jonathan King Sessions, correspondientes a su primer álbum.

Este nuevo recopilatorio, titulado The Many Faces of Genesis, y subtitulado como A Journey trough the Inner World of Genesis, en definitiva, ya se puede reservar en Amazon UK, y contiene los siguientes temas:

Disco 1

1. Which Way the Wind Blows - Anthony Phillips con Phil Collins

2. Watcher of the Skies - Steve Hackett

3. Screaming Jets - Johnny Warman con Peter Gabriel

4. The Carpet Crawlers - Steve Hackett con Ray Wilson

5. God If I Saw Her Now - Anthony Phillips con Phil Collins

6. Cinema Show - The Flower Kings

7. Broadway Melody of 1974 - Controlled Bleeding

8. Striker - Daryl Stuermer

9. Follow You, Follow Me - Chester Thompson Trio

10. Six Pieces For Orchestra No 1: Siren – compuesto por Tony Banks

11. Money - Bill Bruford & Tony Levin

12. Los Endos - Patrick Moraz

Disco 2

1. Please, Don't Touch - Steve Hackett

2. Heavy Heart - Daryl Stuermer

3. I Know What I Like (In Your Wardrobe) - Steve Hackett con Ray Wilson

4. Horizons - Steve Hackett

5. Can-utility And The Coastliners - Brand X

6. Your Own Special Way - John Wetton

7. Stop That! - Peter Banks con Phil Collins

8. Guide Me, Orion - Flaming Youth con Phil Collins

9. Particle Accelerations - The Fusion Syndicate con Chester Thompson

10. The Shadow of The Hierophant - Steve Hackett

11. Six Pieces For Orchestra No 4: - Wild Pilgrimage (compuesto por Tony Banks)

12. Six Pieces For Orchestra No 5: - The Oracle (compuesto por Tony Banks)

Disco 3

1. A Winter's Tale - Genesis

2. One Eyed Hound - Genesis

3. The Silent Sun - Genesis

4. That's Me - Genesis

5. When the Sour Turns To Sweet - Genesis

6. In Hiding - Genesis

7. The Serpent - Genesis

8. Window - Genesis

9. Am I Very Wrong? - Genesis

10. In The Wilderness - Genesis

11. A Place to Call My Own - Genesis

12. In The Beginning - Genesis

NICK MASON DESVELA SU TEMA FAVORITO DE PINK FLOYD

Nick Mason, el único integrante de Pink Floyd que ha aparecido en todos los álbumes del grupo, tiene una perspectiva mucho más amplia que el resto de sus compañeros a la hora de decidir cuál es su tema favorito de la banda. Quizá por ese motivo no es niguno de los que aparecieron en las emisoras de radio, como “Another brick in the wall”, “Money” o “Wish you were here”: “Suelo citar ‘Set the controls for the heart of the sun’ como mi tema favorito de Pink Floyd. Es divertido de tocar y tiene una dinámica muy interesante.”

En la entrevista concedida a la revista GQ, Nick Mason, como curiosidad, afirma que la misteriosa contribución de los mazos en el tema de Roger Waters se inspiraron en la música jazz antes que en el rock: “Sé exactamente de donde provenían los sonidos de la parte de la batería. Concretamente de Chico Hamilton tocando en una película titulada Jazz on a Summer’s Day. En ella, hace un solo de batería con mazos. Es hermoso y muy diferente a cualquier otro solo de batería."

No es que Mason considere a Pink Floyd como una banda influenciada por el jazz, sino que estaban interesados en su aspecto musical: “No, nosotros no lo estábamos. El desaparecido Rick sí que lo era y yo también en un periodo concreto. Pero comprendí que tenías que tener muchísima técnica así que seguí con lo mío. Cuando veo a todos esos baterías tan técnicos, sigo pensando, ‘ojalá pudiera hacer eso.’ Y probablemente lo podría hacer si me empeñara y dejara de jugar con coches.”

DAEVID ALLEN SE MUERE DE CÁNCER

El músico de Gong y Soft Machine ha dicho que le quedan seis meses de vida: “Ha llegado el momento de dejar de resistir y rendirse.” El músico ha sido diagnosticado con ese breve plazo de vida a causa de un cáncer inoperable y ha dicho a sus seguidores que ya no va a luchar contra la enfermedad.

El australiano, que cuenta con 77 años de edad, fundador de Soft Machine, ha pedido a sus seguidores que lo dejen marchar. Previamente se había sometido a cirugía en un intento de tratar su enfermedad: “Acaban de confirmarme que el cáncer se ha vuelto a reproducir en mi garganta. La primera operación consiguió extirpar casi todo, pero el cáncer se ha vuelto a reproducir con más virulencia y se está extendiendo a mis pulmones.

Me han dado aproximadamente seis meses de vida. Mi visión de todo ha cambiado. Ya no estoy interesado en operaciones sin fin. De hecho ha sido un alivio saber que el fin está cercano. Soy un gran creyente en el destino de cómo tienen que ser las cosas y creo, además, que ha llegado el momento de dejar de resistirme y negarlo y rendirme a la situación.

Sólo espero que, durante este viaje, haya contribuido a la felicidad en las vidas de unos cuantos humanos. Creo que he hecho todo lo posible para sanarme, queridos amigos. Y que me habéis sido de gran ayuda apoyándome durante todo este tiempo. Así que gracias por estar ahí conmigo.

Y ahora, sobre todo, gracias por dejarme emprender el proceso de dejarme marchar, de lamentarnos, transformarnos y finalmente celebrar esta muerte que viene irremediablemente. Así es como me podéis ayudar. Sería un gran regalo emocional y espiritual de todos con los que he estado involucrado. Os amo y estaré siempre con vosotros.”

Allen se trasladó de Australia a París en 1960 y pronto se involucró con el movimiento de la generación beat. Tras trasladarse al Reino Unido y fundar el Daevid Allen Trio, sería uno de los fundadores de Soft Machine en 1966. Empezó a trabajar como Gong varios años después.

A finales de los sesenta, y huyendo de la policía de París, donde participó en las protestas de mayo del 68, recaló en Deiá, Mallorca, junto a su pareja, Gilly Smith. Allí publicó en 1969 el primer disco de Gong, Magick Brother, en el que participó el flautista Didier Malherbe, a quien Allen y Smith encontraron, según se cuenta, viviendo en una cueva en la finca de Robert Graves.

En 1976, en sus estudios de Deiá, grabó con el grupo local Euterpe, el grandísimo disco Good Morning!, justo antes de resucitar una de las encarnaciones de Gong.