LA CHIESA ORIGINAL MOTION PICTURE SOUNDTRACK

LA CHIESA ORIGINAL MOTION PICTURE SOUNDTRACK (1988, CINEVOX. REEDICIÓN 2001, BIXIO-CINEVOX RECORDS)

1. The Church (Main Theme) (3:55)
2. La Chiesa (5:20)
3. Prelude 24 (from 'Well Tempered Clavier') (2:20)
4. Processione (3:14)
5. The Possession (2:21)
6. Lotte (3:02)
7. Go To Hell (3:37)
8. The Wire Blaze (3:35)
9. The Church Revisited (4:21)
10. The Church (single mix- bonus track)* (3:50)
11. La Chiesa (suite)* (4:03)
12. Suspence Chiesa 1* (3:42)
13. Suspence Chiesa 2* (7:05)

* temas no incluídos en el original LP Cinevox Mdf 33/192

1,5,9,10: música compuesta, arreglada y ejecutada por Keith Emerson.
2, 4, 6, 11, 12, 13: música compuesta y arreglada por Fabio Pignatelli y ejecutada por Goblin.
3: música compuesta por J.S. Bach, arreglada y ejecutada por Keith Emerson.
track 7: música compuesta por Carola- Rinaldi y ejecutada por Zooming On The Zoo.
track 8: música compuesta por A. Manzo y ejecutada por Definitive Gaze.

5/5

En 1988 Michele Soavi dirigió esta película escrita por Nick Alexander (la versión inglesa) y Dario Argento (versión italiana) y, para su banda sonora contó con el trabajo de dos monstruos sagrados del rock progresivo: por una parte los omnipresentes en la carrera de Argento, Goblin, más conocidos por sus trabajos relacionados con las bandas sonoras (inmensos) que por sus obras de rock sinfónico (selectivo, pero llenas de calidad), y el maestro del progresivo de los setenta, Keith Emerson.
El resultado es un trabajo elegante, con muchísima calidad y un propósito exhuberante. El tema principal, "The church", tocado por Emerson, es un trepidante ejercicio al Hammond y órgano de iglesia, ejecutado con grandiosidad sobre un ritmo desconcertante. emerson también firma "The possession" que, con un inicio de coros y órganos fantasmales, va retomando detalles del tema de los créditos iniciales, y es tocado de tal modo que el maestro en solitario llega a aterrarnos con el grandioso ambiente oscuro que recrea. La película concluye con "The church revisited" que, como en el de inicio, se puede apreciar el soberbio órgano de iglesia con elementos que aumentan la grandeza inicial. En la película también se puede escuchar el "Prelude 24" del Teclado Bien Temperado de Bach, tocado por Keith Emerson con grandilocuencia en sus claves más graves.
El resto de la banda sonora corre a cargo de unos Goblin pletóricos, con Fabio Pignatelli como líder indiscutible, que van desgranando piezas como "La chiesa", impresionante sin más, hermoso y terrorífico, creando una perfecta simbiosis entre belleza y terror, "Possessione", en el que se nota que los italianos son maestros del género por los ambientes misteriosos que saben crear como nadie, y "Lotte" y sus aires solemnes en los coros femeninos.
La reedición incluye cuatro temas más: "The church" en su versión de sencillo con un resultado, por parte de Keith Emerson, explosivo y diferente, y tres cortes firmados por Goblin, "La chiesa (suite)", donde reelaboran "Possessione" y "La chiesa", uniéndolas, y "Suspence chiesa 1" y "Suspence chiesa 2", donde dan rienda suelta a los ambientes siniestros, inquietantes y horrendos, fundamentalmente creados por paisajes sombríos a los teclados.
¿Qué mejor que dos monstruos narrativos musicales (Emerson y Goblin" para dar forma a una banda sonora de terror? Sin duda, una de las mejores uniones para lograr un sobrecogedor resultado.

THE FLOWER KINGS: RETROPOLIS

THE FLOWER KINGS: RETROPOLIS (1996, FOXTROT MUSIC)

1. Rhythm Of Life (0:32)
2. Retropolis (11:10)
3. Rhythm Of The Sea (6:12)
4. There Is More To This World (10:15)
5. Romancing The City (0:57)
6. The Melting Pot (5:45)
7. Silent Sorrow (7:42)
8. The Judas Kiss (7:43)
9. Retropolis By Night (3:18)
10. Flora Majora (6:50)
11. The Road Back Home (8:55)

Roine Stolt: voz, guitarras, teclados.
Tomas Bodin: teclados.
Michael Stolt: bajo.
Hasse Brunlusson: percusión.
Jaime Salazar: batería y percusión.

5/5

Esto es un clásico del futuro. Es como si Yes se hubieran unido a Emerson, Lake & Palmer y de vez en cuando se les juntaran en una jam Genesis y King Crimson. Creo que con esto sobran los adjetivos y definiciones de esta AB-SO-LU-TA obra maestra.

Es grandilocuente en sus estructuras sinfónicas, es profesional cien por cien en su instrumentación, es un diez que yo, como gran aficionado al rock sinfónico, agradezco de corazón, porque de ahí sale este Retrópolis de Roine Stolt y sus Flower Kings, que nos regala a todos nosotros con la generosidad propia de un genio de la música actual que, por cierto, no tiene ni idea de leer música y que sabe aunar en sus composiciones lo mejor de los clásicos de los setenta.

Tras una introducción meramente anecdótica, escuchamos el tema "Retropolis", una composición grandiosa, una auténtica maravilla que define lo que es el sonido del grupo, con grandes guitarras, como pocas, arropadas majestuosamente por los teclados y una exquisita base rítmica, de las mejores en su tiempo. Existen también estupendos temas como "There is more to this world", totalmente emersónico en su forma y con un final muy Yes, o "The melting pot", instrumental y grandilocuente, la potencia de "Silent sorrow" o el impresionante final con "The road back home".

Gran disco conceptual, un tanto surrealista, en el que Roine Stolt y familia, mezcla lo más grandioso de ELP, el lirismo de Yes, el contrapunto marcado de King Crimson y la influencia más clásica. El que no disfrute con esto, posiblemente, es que no tenga ni idea del progresivo de los setenta.

TRIUMVIRAT: OLD LOVES DIE HARD

TRIUMVIRAT: OLD LOVES DIE HARD (1976, EMI HARVEST)

1. I believe (7:51)
2. A day in a life (8:09)
a) Uranus' dawn (2:57)
b) Pisces at noon (3:51)
c) Panorama dusk (1:21)
3. The history of mystery (11:49)
4. A cold old worried lady (5:50)
5. Panic on 5th Avenue (10:31)
6. Old loves die hard (4:26)

Hans Bathelt: batería y percusión.
Dick Frangenberg: bajo Fender.
Jürgen Fritz: Steinway Grand piano, Hammond C3 organ, sintetizadores Moog, piano Fender, piano Wurlitzer y piano Hohner, ARP string ensemble.
Barry Palmer: voz principal.

Músicos adicionales:

The Cologne Children Choir en 1.
Jane Palmer: coros en 7.
Charly Schlimbach: saxofón en 2.
Sondra: narración en 1.
Cuerdas del tema 5 arregladas y dirigidas por Jürgen Fritz.

4/5

El bueno de Jürgen Fritz nunca admitió que su sonido estaba fuertemente influenciado por Keith Emerson, incluso llegó a insinuar que era todo lo contraro. Lo cierto es que Triumvirat debutaron en 1972 con el excelente Mediterranean Tales y en aquel año ELP ya habían asentado fuertemente sus bases musicales.

Polémicas aparte, hay que decir que estamos ante un buen trabajo de rock progresivo totalmente dominado por los teclados de Fritz y que este disco supuso el final de la etapa creativa del grupo, que comenzó con el citado trabajo de 1972 y continuó con Illusions on a Double Dimple (1973) y Spartacus (1975). Tras el disco que nos ocupa, editaron un irregular Pompeii (1977), tras el que llegaría la debacle con A la Carte (1979) y Russian Roulette (1980). Actualmente, Triumvirat están preparando su regreso, y a tenor de lo que podido escuchar, parece que recuperarán parte de su esplendor.

Old Loves Die Hard es un disco de exhibición, un tanto falto de creatividad, pero en el punto álgido de virtuosismo por parte de todos los componentes del grupo. En contramos interpretaciones maestras al piano "Pisces at noon", aires solemnes, "The history of mystery (part one)", bellos temas en conjunción de piano, voz y cuerdas, "A cold old worried lady", medios tiempos románticos, "Old loves die hard", y mucho, mucho arsenal de analógicos como en "The history of mystery (part two)" y "Panic on 5th Avenue", el plato fuerte del disco.

Es cierto, y eso hay que admitirlo, que a veces parece que escuchemos el "Karn evil 9" de los Emerson, pero me parecería absurdo hablar de copia, porque los Hammond, Moog, Steinway y Wurlitzer hay que saberlos mimar para poder extraer toda su riqueza sonora. Y en eso, Jürgen Fritz era el alumno aventajado de Keith Emerson.

Muy recomendable.

KAYAK: MERLIN

KAYAK: MERLIN (1981, REEDICIÓN 1994, PSEUDONYM RECORDS)

1. Merlin (7:23)
2. Tintagel (2:41)
3. The sword in the stone (3:21)
4. The king's enchanter (2:42)
5. Niniane (Lady of the Lake) (7:22)
6. Seagull (4:10)
7. Boogie heart (4:11)
8. Not that we've gone this far (4:39)
9. Can't afford to lose (3:19)
10. Love's aglow (6:03)

Katherine Lapthorn: coros.
Irene Lindner: coros.
Edward Reekers: voz.
Peter Scherpenzeel: bajo.
Ton Scherpenzeel: teclados, coros.
Johan Slager: guitarras, coros.
Max Werneer: batería, percusión, coros.

5/5

El mejor de los discos de los holandeses Kayak, liderados por Ton Sherpenzeel, es este trabajo que podemos dividir en dos partes bien diferenciadas. La primera cara del viejo vinilo correspondería a los cinco primeros temas, basados en la leyenda del mago Merlín de la tradición artúrica. Cinco absolutas piezas maestras de elegante y poderoso rock sinfónico con un evidente regusto conceptual que comienza con "Merlin", continúa con un romántico tema al piano y voz, "Tintagel", sigue con "The sword in the stone" y "The king's enchanter", dos temas unidos con un estilo muy Genesis en las voces, con alegures guitarras y elementos medievales, y que concluye con "Niniane (Lady of the Lake)", un tema de increíble belleza que reelabora, románticamente, las estructuras musicales del primero. Una cara sin desperdicio. Un esfuerzo increíble con un grupo pletórico en sus facultades.

La segunda cara consta de temas más melódicos y variados. "Seagull" y "Now that we've come this far" son dos baladas muy sinfónicas y bellas que no tienen que ver con el pop casi comercial que podemos escuchar en "Can't afford to lose". Como curiosidad, un tema de rock, "Boggie heart", con un exquisito solo de teclados. El broche final, delicadísimo, es un tema cantado por el propio teclista que me recuerda, y mucho a Alan Parsons Project: "Love's aglow".

Delicado rock sinfónico hecho con el corazón.

IMÁN, CALIFATO INDEPENDIENTE: CAMINO DEL ÁGUILA

IMÁN, CALIFATO INDEPENDIENTE: CAMINO DEL ÁGUILA (1980, CBS)

1. La marcha de los enanitos (10:30)
2. Maluquinha (6:29)
3. Camino del águila (14:00)
4. Niños (3:05)

Kiko Guerrero: batería, percusión.
Marcos Mantero: teclados.
Urbano Moraes: bajo, percusión, coros.
Manuel Rodríguez: guitarras, voz principal.

Músicos adicionales:

Rubén Dantas: percusión (2).
Dierdre Fallon: coros (4).

5/5

Cualquiera de los dos discos de Imán, pueden ser considerados como obras del rock sinfónico español y, aunque tras la publicación del primero en 1978, Iñaki Egaña, su fundador, se marchara, no supuso una crisis creativa en este nuevo intento y, tras la incorporación del excelente bajista Urbano Moraes, Imán demostró que era una de las referencias progresivas, un tanto tardías en el tiempo, de más calidad que se habían dado en nuestro país.

Ahí seguían esos constructores de paisajes sonoros de la mano de un exquisito Manuel Rodríguez, de un reconocido virtuoso de los teclados, Marcos Mantero, y de un resuelto y técnico batería, Kiko Guerrero. Los cuatro crearon una obra insustituíble en el tiempo, haciendo lo que sabían hacer: música.

El disco constra de tan sólo cuatro temas. Cuatro gemas que alcanzan la plenitud en cualquiera de sus desarrollos. Desde los exquisitos ambientes sinuosos con aires arábigo andaluces, "La marcha de los enanitos", pasando por los ritmos latinos con lucimiento de todos los músicos, "Maluquinha", la soberbia "Camino del águila", espectacular, compleja y delicada en un inconmensurable tributo a lo mejor de Pink Floyd, o el exquisito epílogo fundamentado en suaves teclados y bellas guitarras españolas que supone "Niños".

Emotivo, con gusto y con clase, es una referencia obligada e insustituíble del progresivo sinfónico andaluz, español y mundial.

KEITH EMERSON: CHANGING STATES

KEITH EMERSON: CHANGING STATES (1995, AMP RECORDS)

1. Shelter From The Rain
2. Another Frontier
3. Ballade
4. The Band Keeps Playing
5. Summertime
6. The Church
7. Interlude
8. Montagues and Capulets
9. Abaddons Bolero (Orchestral version)
10. The Band Keeps Playing (Aftershock mix)

Keith Emerson: teclados.
Mike Barsimanto: batería (2,5,6,8).
Marc Bonilla: guitarras (1,4,10).
Gary Cirimelli: voz (1,4,10).
Kevin Gilbert: bajo, batería (1,4,10), director del coro (1), solo de tuba (9), guitarra nylon(3).
Tim Pierce: guitarra (2,6,8).
Jerry Watts: bajo (2,5,6,8).
London Philharmonic Orchestra dirigida por John Mayer (9).

Tras el flojo In The Hot Seat, debido a imperamentos legales con Victory, ELP rompieron su contrato con la multinacional y ficharon por Rhino. Hay que tener en cuenta también, que, tras la delicada operación sufrida por el virtuoso maestro de los teclados, la gira del Black Moon la terminó únicamente con tres dedos.

Todo parecía estar en contra y yo, la verdad, no veía nada claro el futuro del trío, ni de Emerson el particular. Pero hete ahí que un buen día me llega este compacto, lo pongo y resulta que es una bomba. Este es un disco que aclara los negros nubarrones que se podían cernir sobre la cabeza de este gran músico. Es un disco que bajo el fuerte sentido sinfónico y progresivo de la música de Keith, mezcla mil y un ritmos que lo hacen totalmente vitalista.

Hay dos temas vocales, "Shelter from the rain" y "The band keeps playing, con una gran fuerza, recordándome, este último, no sé por qué, su etapa con los Nice. Este es un disco en el que el maestro se reinterpreta a sí mismo en temas de su última época con ELP, como "Another frontier", "Ballade" o "Montagues and Capulets". Además de la última interpretación de Prokofiev, escuchamos una maravillosa versión del "Summertime" de Gershwin. El tema más puramente sinfónico es "The church", que corresponde a la banda sonora del mismo nombre estrenada allá por 1992 y tocada con una maestría y técnica increíbles. "Interlude" es una pieza al piano clásico de corte clasicista. Como curiosidades, la inclusión de una versión del "Abaddon's bolero" a cargo de la London Philarmonic Orchestra y un aftershock mix del primer tema, "The band keeps playing".

Todo un señor disco que tendrás que afanarte en conseguir.

FORMULA 3: SOGNANDO E RISOGNANDO

FORMULA 3: SOGNANDO E RISOGNANDO (1972, NUMERO UNO)

Sognando E Risognando
1. Fermo al Semaformo (2:53)
2. Sognando (2:15)
3. La Stalla con I Buoi (4:10)
4. Risognando (1:19)
L'Ultima Foglia
5. L'Albero (5:15)
6. Non Mi Ritrovo (4:21)
7. Finale (2:12)

8. Storia Di Un UomoE Di Una Donna (4:57)

Aeternum
9. Tema (2:32)
10. Caccia (1:42)
11. Interludio (5:56)
12. Finale (1:18)

Tony Cicco: batería, percusión, voz.

Gabriele Lorenzi: órgano Hammond, piano, mini Moog, electronics, bajo, voz.

Alberto Radius: guitarras acústicas y eléctricas, bajo, voz.

Clásico trío del progresivo italiano que con este disco, el tercero de su discografía, hizo que fueran considerados uno de los grandes del panorama mundial. Formados por Alberto Radius, que posteriormente integraría varios proyectos y tendría una irregular carrera en solitario, Gabriele Lorenzi y Tony Cicco. El técnico de sonido sería Gaetano Ria y el productor Lucio Battisti, que también compuso temas para el trío.
El álbum consta de cuatro temas, tres de ellos a modo de suite y hay un claro predominio de las partes instrumentales sobre las secciones vocales. El estilo musical es un progresivo contundente y misterioso, de gran virtuosismo en los instrumentos, y dominado por los teclados analógicos, principalmente Hammond y Moog. Sobre las bases de teclados, en muchos casos en clara referencia a Keith Emerson, se van desarrollando las guitarras, creando ese sonido rugoso y oscuro, con matices mediterráneos, dando un resultado un tanto melancólico.
Las tres suites son exquisitos ejercicios de un progresivo primerizo de gran cuerpo, sobre todo en los momentos más grandilocuentes, cortesía de Lorenzi. "Storia de un uomo e di una donna", el único tema no estructurado a modo de suite, es un típico tema vocal italiano, muy correcto y cadencioso.
Un disco que hay que escuchar con profundidad para saber extraer las maravillosas virtudes que contiene en cada uno de sus surcos. Progresivo, romántico, melancólico y clásico.

GARGAMEL: WATCH FOR THE UMBLES

GARGAMEL: WATCH FOR THE UMBLES (2002, TRANSUBSTANS RECORDS)

1. Tics (8:47)
2. Strayed Again (12:54)
3. Below The Water (6:44)
4. Into The Cold (11:54)
5. Agitated Mind (17:42)

Jon Edmund Hansen: guitarras.
Bjorn Viggo Andersen: órgano Hammond, Fender Rhodes, clavinet, sintetizadores.
Geir Tornes: bajo.
Morten Tornes: batería, voz.
Tom Uglebakken: guitarras, voz, flauta.

Músico adicional:
Leif Erlend Hjlmen: cello.

4.5/5

Estos noruegos de Oslo se formaron en la primavera de 2001 y practican un rock progresivo de sonidos calcados al rock alemán, krautrock, de los años setenta. Si el disco no dispusiese de ninguna información al respecto, estaríamos dudando si lo que escuchamos es un raro trabajo de Amon Düül II, Birth Control o Eloy. Pero no, esto es un trabajo original de este siglo, pero con un sonido muy clásico muy basado, sobre todo, en teclados y flauta. El resultado final es un progresivo con un sonido, repito, que podríamos ubicar entre 1968 y 1975, con intrincados pasajes instrumentales en los que la banda actúa como una maquinaria perfecta, con muchos homenajes a la psicodelia (se puede recordar a Syd Barrett perfectamente en "Below water"), al jazz ("Strayed again"), incluso a grupos contemporáneos oscuros y sombríos como Anglagard o Anekdoten ("Agitated mind" y su enfoque teatral de las voces, con inclusión de un pseudo vals con voz a lo Peter Gabriel clásico).

El grupo, para los que os guste esta información cubren un amplio rango instrumental, dando cuenta de poderosos pasajes progreivos, atmósferas psicodélicas, pesados Hamonds, enérgicas flautas, jazz rock... Una delicia para los nostálgicos.

www.gargamel.no

www.recordheaven.net

BIG BIG TRAIN: GOODBYE TO THE AGE OF STEAM

BIG BIG TRAIN: GOODBYE TO THE AGE OF STEAM (1994, GIANT ELECTRIC PEA)

1. Wind Distorted Pioneers (3:21)
2. Head Hit The Pillow (5:49)
3. Edge Of The Known World (4:47)
4. Landfall (4:18)
5. Dragon Bone Hill (3:53)
6. Blow The House Down (9:20)
7. Expecting Snow (2:36)
8. Blue Silver Red (10:04)
9. Losing Your Way (7:29)

Pete Hibbit: batería.
Greg Spawton: guitarra.
Martin Read: voz.
Tony Müller: teclados.
Andy Poole: bajo.

3.5/5

De gran calidad fue el debut de este quinteto, que practica en este trabajo un rock sinfónico marcadamente melódico y suave, lo que no indica que esté falto de calidad, sino todo lo contrario. Además, el grupo cuenta con la colaboración en los coros de artistas tan admirados como Sally French, Stu Nicholson, Martin Orford o Gary Chandler entre otros.
El disco incluye dos temas instrumentales "Dragon Bone Hill" y "Expecting snow" muy relajados, tónica, por otra parte, habitual del disco, y de gran belleza. El resto son composiciones entrelazadas, de cora duración, en torno a los cuatro o cinco minutos, pero que conforme nos acercamos al final, se van haciendo complejas, encontrándonos con maravillas como "Blow the house down", "Blue silver red" o el maravilloso epílogo que es "Losing your way".
Rock melódico con pasajes instumentales de gran calidad.

STANDARTE

STANDARTE (1995, BLACK WIDOW)

1. Dream Love Sequence Nr 9 (7:53)
2. One Strange December Evening (4:55)
3. As I Wandered (3:24)
4. Tolerance Town (3:40)
5. Beat Pimp Muzak (5:07)
6. A War Was Declared (7:22)
7. In My Time Of Dying (6:33)
8. Traumland (5:20)
9. I Want You (2:39)

Daniele Caputo: batería, voz.
Michele Profeti: órgano, Mellotrón.
Stefano Gabbani: bajo.

4/5

Impresionante debut de los italiano que dedican su trabajo al trístemente desaparecido Vincent Crane, que decidió dar fin a su vida un día de san Valentín de 1985. Los italianos hacen una música totalemente basada en los sonidos de los setenta, en una especie de psych heavy prog, concretándose en la onda de Atomic Rooster, Nice e, inclso, en los primeros Emerson, Lake & Palmer por la manera de ejecutar sus instumentos.

Cada tema está introducido por la narración de Steve Matthews, lo que le da un aire un tanto solemne y mistérico. Atentos a bombazos como la impresionante "Dream sequence Nr. 9", "One strange December", "Evening", la obsesiva "Tolerance town", la soberbia "Traumland", que recuerda el "Rondó" de los primeros Nice, o la épica "A war was declared".

Para enamorados del sonido potente y grasiento de los setenta. O sea, casi todos nosotros.

FANCYFLUID: THE SHELTERING SEA

FANCYFLUID: THE SHELTERING SEA (1995, MUSEA)

1. Waiting to sail (7:19)
2. Steam (9:11)
3. Achab (4:29)
4. Over the borderline (5:13)
5. Moonclimbing (11:27)
6. Maelstrom (6:07)
7. Flower in the ice (5:45)
8. Tide and wave (7:58)
9. The sheltering sea (6:39)
10. Home (8:36)

Paolo Annone: bajo.
Sandro Bruni: gran piano acústico, Korg T3, Ensonic SQR, Roland D50, Roland Sound Canvas, Akay S1000 y Yamaha TG55.
Fabrizio Goria: voz principal, efectos Korg, guitarras acústicas y eléctricas.
Lorenzo Ribola: guitarras.
Aldo Vianzone: batería.

Músicos adicionales:
Alberto Airola: saxofón.
Roberto Pasquino: wind chimes.
Lela Preti: coros.

4.5/5

Disco conceptual con el tema del mar por transfondo, es este el mejor de los tres que han publicado hasta la fecha. Un disco de setenta y tres minutos que gana en calidad conforme avanza. Existen momentos realmente apoteósicos desde el comienzo hasta el final, con temas realmente inspirados como "Moonclimbing" y sus tres partes, o "Maelstrom" con dos secciones. Pero donde de verdad hay que quitarse el sombrero es en las últimas tres composiciones: "Tide and Wave", un tema melódico con una instrumentación realmente sinfónica y clásica, sobretodo cuando se nos presentan sus momentos finales, o sobretodo estos dos temazos unidos que son "The sheltering sea", que da título a este trabajo que nos ocupa, que, unido a "Home", te dejan sin respiración.

Fancyfluid es un grupo italiano que sigue la pauta marcada por los mejores Banco o PFM, recogiendo toda la tradición sinfónica italiana, con influencias anglosajonas (de ahí su estilo neo progresivo en muchos momentos), con una calidad más que probada y que tiene a Fabrizio Goria, líder y compositor de la mayoría del material, y a Sandro Bruni como artífices del sonido Fancyfluid.

Un disco con contínuos cambios de ritmo y con cantidad de fragmentos instrumentales que, junto con la personalísima voz del propio Fabrizio, hará las delicias del sinfónico de calidad.

ROCKET SCIENTISTS: BRUTAL ARCHITECTURE

ROCKET SCIENTISTS: BRUTAL ARCHITECTURE (1995, KINESIS)

1. Dark Water (Part One) (4:11)
2. Wake Me Up (5:43)
3. Copernicus (2:52)
4. Brutal Architecture (6:19)
5. Nether (4:03)
6. Dark Water Part Two (1:38)
7. The Fall Of Icarus (6:30)
8. Resolution (7:30)
9. Rainy Days And Pastel Grays (7:13)
10. Millennium 3 (7:15)
11. Mariner (11:29)

Tommy Amato: batería, piano.

Mark McCrite: guitarras, voz principal.

Erik Norlander: teclados, voz.

Don Schiff: stick.

5/5

He aquí un cuarteto puramente sinfónico con una experiencia en los escenarios norteamericanos envidiable. Norlander, líder del grupo, es un enamorado de la literatura de ciencia ficción y escritores como Heinlein, Moorcok o Asimov, han afectado a su estilo líroc desde su comienzo. Erik, que también utiliza un auténtico melotrón, es un excelente productor de bandas sonoras para el cine y televisión y ha trabajado incluso con Keith Emerson. Mark McCrite ama el rock sureño de los setenta y a los Beatles y su inspiración progresiva le proviene, según él mismo afirma, de Porcupine Tree, King Crimson, Crowded House, Kevin Gilbert y Fish. Amato, el batería, empezó a baquetear a la edad de quince años en bandas locales de Cleveland, Ohio, llegando a tocar en Savoy Brown o Warrant. A pesar de su avanzada técnia polirrítmica, él atribuye su estilo a su mano izquierda heavy y a su experiencia. Don Schiff ha escrito para Bat Benatar y ha publicado varias bandas sonoras y ha tocado con Ike y Tina Turner, Perry Como y, recientemente, ha colaborado en discos de Eddie Money, Kerri Anderson y Lance Matthew.
La música de este trabajo aúna elementos de los sententa y de los ochenta y en él podemos escuchar sonidos reminiscentes de ELP o Yes, de King Crimson cruzados con Pink Floyd y con Alan Parsons o la ELO. Brutal Architecture está soberbiamente construído sobre una asentada base sinfónica con moemntos de inspiración realmente logrados.
No hay necesidad de destacar temas, ni de hablar de ellos, cada uno merece la pena.
Un clásico del futuro.

MALOMBRA: OUR LADY OF THE BONES

MALOMBRA: OUR LADY OF THE BONES (1995, BLACK WIDOW)

1. The Arrival
2. Magna Mater
3. D.D.D.
4. La Venta Quemada
5. A Song For Sylvia Blath
6. Our Lady of the Bones
7. Sinister Morning
8. Oniria
9. Stonehenge
10. Requiem For The Human Beast
11. Lost in Time, Lost in Space And In The Meaning

Mercy: voz, percusión, programación.
Fabio Casanova: órgano Hammond C5, sintetizadores, piano, mini Moog, thin whistle, voz y recitación en 9, programación y coros.
Matteo Ricci: guitarras y coros.
Mario Paglieri: bajo.
Andrea Orlando: batería y percusión.
Andrea Cardinali: violín.
Bernardo Donati: flauta.
Marco Galvagno: guitarras.
Cristina Usai: voz.
Roxy D.: recitación en 2.

4/5

El segundo trabajo de estos italianos me parece sobrecogedor en el sentido literal del término. No hay descanso para el oyente desde el principio. Se abre una puerta en "The arrival" con una música pastoril que desemboca en la invocación latina de "Magna Mater" aprisionando el corazón. Tras un puente sónico en "Deviated Doramines Dance", propio de banda sonora de principios de siglo XX, entramos en materia con "La venta quemada" y la impresionante, por misteriosa, voz de Mercy y los sugerentes teclados de Casanova. "Song for Sylvia Blath" es una composición que sirve de lucimiento, tanto para el teclista como para el guitarrista Matteo, que abordan unos espectaculares muros sónicos. Pero el plato fuerte es "Our Lady of the Bones", donde aparecen templarios, doncellas, actos oscuros y obscenos, muerte y venganza de ultratumba. Es un tema puramente sinfónico y oscuro, dominado por una atmósfera inquietante creada por las cuerdas y las teclas analógicas.

La base rítmica resulta primitiva, aunque fundamental para los contínuos cambios de ritmo que quiebran los temas en multitud de matices. Ambientes inquietantes se describen en "Sinister morning", con un solo de española al más puro estilo Paco de Lucía. "Oniria" es un tema cantado en italiano, en el que se mezclan sueño y realidad, muy crimsoniano. "Stonehenge" es la continuación de "Oniria" y es otro de los temas fuertes del disco junto a "Requiem for the human beast", que deberían ser escuchados en lo algo de una catedral negra. La puerta se cierra bruscamente en "Lost in time, lost in space and in the meaning".

No recomendado paralos débiles de corazón. Los demás, noctes comites, encended las luces.

ARAGON: MOUSE

ARAGON: MOUSE (1995, SI MUSIC)

CD 1:
1. The Dark (2:05)
2. A Private Matter (1:32)
3. Waiting On A Life (3:34)
4. The Gate (1:39)
5-6. End Of The Line (1:22 + 2:43)
7. Next Please (0:16)
8. Untying The Knot (1:32)
9. Untying The Knot part 2 (1:58)
10. Untying The Knot part 3 (1:06)
11. Cold In A Warm Place (5:38)
12. The Gathering (1:55)
13. Under The Eye (2:21)
14. In Deepest Sympathy (2:47)
15. Burning Off (0:48)
16. The Meeting (3:22)
17. The Chant (3:17)
18. Midsummer's Night Dream (2:23)
19. Tugging At The Heartstring (3:25)
20. The Changeling (9:42)
21. On The Edge (5:12)

CD 2:
1. A Room And One Door (1:45)
2. Shocked The Gauntlet (2:24)
3. The Sheer Joy Of Creation (4:03)
4. The Waiting Room (0:26)
5. At The Mercy Of Lions (3:14)
6-7. Waiting For The Big One (0:47 + 3:58)
8. At Heavens Gate (0:53)
9. Hello God (4:01)
10. Brave New World (5:38)
11. The Stage Door / the Switch (2:38)
12. The Cross (5:00)
13. Auld Lang Syne (1:32)
14. Interview On The Creation Of Mouse (12:26)

Tom Behrsing: teclados y programación.

Les Dougan: voz.

John Poloyannis: guitarras.

3.5/5

Fue en el 92 cuando Aragon nos adelantaron el acto V de una obra que llevaba el título de Mouse. Tres años después llega el resto de los actos de este trabajo conceptual, que nos relata el munod un tanto onírico de Mouse, protagonista absoluto de la historia. Creo, sin lugar a dudas, que éste es el mejor trabajo de los australianos que ya llevan varios años dentro del neo progresivo más en su vertiente "teatral".
Se ve madurez, tanto en las voces, un tanto histriónicas a veces, como en la instrumentación, y se observa también un trabajo muchísimo más elaborado. Particularmente, me parecen dignos de mención el acto I, "The Dark", el acto III, "Under the Eye", con un trabajo exquisito en las guitarras, la parte cuarta, "Brave new world", del acto VII, "Machine", con una gran fuerza visual, y el desenlace de la obra en el acto VIII, "Carving out time".
Un CD que merece la pena su audición.

OMEGA: TRANSCENDENT

OMEGA: TRANSCENDENT (1996, HUNGAROTON)

1. Ouverture (1:56)
2. Silent Garden (5:25)
3. Castles of Reality (7:04)
4. Break the Chain (6:46)
5. Tower of Babel (4:02)
6. The Ocean (4:45)
7. Tomorrow (3:53)
8. Sight by Sight (4:59)
9. Returning to the Garden (5:49)
1 - 4, 6 - 9 - versiones en inglés de temas extraídos del álbum Trance and Dance (1995).
5 - versión en inglés del tema "Babylon", originalmente publicado en Omega XIII (1987).

János Kóbor: voz.
László Benkõ: teclados.
György Molnár: guitarras
Tamás Mihály: bajo.
Ferenc Debreczeni: batería y percusión.

Músicos invitados:
- Edwin Balogh: voz.
- Gábor Presser: teclados.
- Tamás Szekeres: guitarras.
- Tisza Bea: coros (9).

2.5/5

Interesante fue este regreso de los húngaros al panorama progresivo, esta vez mucho más cercanos al AOR.

Madurez sería la palabra que definiera a los húngaros. Guiños al pasado y adaptación a la actualidad sería el común denominador de este trabajo, que se abre con cuatro temas netamente sinfónicos entrelazados entre sí, combinados con temas cortos al estilo de Asia en su época de Aqua o Aria, como "The ocean", "Tomorrow", o temas puramente Omega, "Tower of Babel", la delicadeza de "Sight by sight" o el precioso final que es "Returning to the garden".

Buen regreso de esta banda mítica, que ya no alcanzaría los niveles de sinfonismo de sus trabajos previos, y que parafraseando al grupo, "hay más que ver que lo que el ojo percibe, pues detrás de cada nueva luna existe un viejo sol en el cielo". Absolutamente lírico

LA MÁQUINA DE HACER PÁJAROS: PELÍCULAS

LA MÁQUINA DE HACER PÁJAROS: PELÍCULAS (1977, reedición de 1991 MICROFÓN)

1. Obertura 777 (4:50)
2. Marilyn, La Cenicienta Y Las Mujeres (4:24)
3. No Te Dejes Desanimar (4:10)
4. Que Se Puede Hacer Salvo Ver Peliculas (6:15)
5. Hipercandombe (4:10)
6. El Vendedor De Las Muñecas De Plástico (4:52)
7. Ruta Perdedora (5:43)
8. En Las Calles De Costa Rica (4:10)

Charly Garcia: pianos eléctricos y acústicos, sintetizador, sintetizador clavinet de cuerdas, órgano, guitarras electricas adicionales (3), voz principal.

Gustavo Bazterrica: guitarras eléctricas, clásicas y acústicas, coros.

Carlos Cutaia: órgano, piano, sintetizador de cuerdas, clavinet, arreglos de cuerda (3).

Oscar Moro: batería y percusión.

Jose Luis Fernandez: bajo, guitarras acústicas y de doce cuerdas, doble bajo, coros.

Músico invitado:
Roberto Valencia: congas (4)

4/5

Bonito disco compuesto por los argentinos en 1977 bajo el liderazgo total del prolífico Charly García, que se encarga de gran parte del sonido.
Este segundo trabajo de la banda contiene una mezcla de rock sinfónico con toques de fusión en desarrollos no excesivamente largos. bajo una supuesta unidad temática, las películas, el quinteto ejecuta todos los temas con un virtuosismo y profesionalidad envidiable y un cierto regusto sudamericano y latino, que le otorga al grupo su propia personalidad. el disco se abre y se cierra con dos temas instrumentales, "Obertura" y el epílogo "En las calles de Costa Rica", lo que le da cierta estructura formal. Podemos destacar los siguientes temas en los que se cuida mucho la voz y los potentes pasajes instrumentales: "Marilyn, la Cenicienta y las mujeres", "Qué se puede hacer salvo ver películas", "Hipercandombe" o la irónica, en cuanto a las letras, "El vendedor de las muñecas de plástico".
Hoy en día las ediciones originales de estos LPs de La Máquina de Hacer Pájaros resultan bastante caras (en catlálogos españoles los puedes encontrar por 90 euros de nada), pero gracias a las reediciones en CD, mucho más pobres en cuanto a presentación, el precio es lo de menos.
de todos modos busca una copia antes de que la tirada se agote, despues, todo esto será historia. Eso sí, una gran historia.

CIRKEL: THE FIRST GOODBYE

CIRKEL: THE FIRST GOODBYE (1993, MUSEA reedición)

1. The prisoner *
2. More than a match
3. Four hands
4. A song of love and hate
5. Autumn awakes
6. The first goodbye
7. Sea
8. A morning in France
9. Wishing
10. Elfin *

* bonus de la reedición de Musea FGBG 4080

Hans den Hartog: teclados, guitarra y voz.
Henny van Mourik: bajo, pedalera de bajos y voz principal.
Ad Struijk: batería y percusión.
Chris van Hoogdalem: guitarras.
Reinier Bruijns: guitarra acústica en "Four hands"

3/5

Cirkel publicó oficialmente este trabajo el 29 de abril de 1983 en Gorinchen, de la mano de Goodbye Records y le siguió un corto tour promocional de cinco días por Holanda. Musea lo reeditó incluyendo dos cortes en estudio más, "The prisoner", que abre el compacto, y "Wishing", grabados posteriormente en mayo de 1984.
El grupo practicaba un rock con temas cortos, alrededor de cinco minutos, en el que mezclan lo complejo con lo más ligero, dentro de un estilo propiamente sinfónico, que embellece los temas. Instrumentación precisa y preciosa por parte de su líder, Hartog, que lo maneja todo con una profesionalidad envidiable, creando bellos pasajes en canciones como "More than a match", piezas fáciles de digerir como la pseudo comercial "Four hands" o maravillas que nos recuerdan fragmentos krautrock a lo Eloy como "Elfin".
Cirkel para muchos, es un grupo que hay que descubrir, pues a pesar de ser éste el único disco publicado, llevan una trayectoria que comienza a principios de 1975 y, aunque hoy en día cada uno lleva caminos distintos (Strujik toca en una banda de blues rock de Rotterdam, Mickey's Paper Heroes, Mourik en una power rock band, Key Largo, y Hans en Friends, otra banda de rock), una vez al año se reúnen para tocar juntos. Afirman las leyendas que algún día regresarán juntos a los escenarios.

PIERROT LUNAIRE: TRE

PIERROT LUNAIRE: TRE (2011, Musiche Particolari & Records/G.T. Music Distribution)

STORIA
1. Lady Ligeia
versión de Il Segno del Comando:
Diego Banchero: bajo, teclados, programación, arreglos.
Roberto Lucanato: guitarras.
www.myspace.com/diegobanchero
2. Il re di Paipure
versión de Gran Turismo Veloce:
Claudio Filippeschi: voz, sintetizador y teclados.
Flavio Tempanaro: bajo.
Stefano Magini: batería.
Maximo Dolce: guitarras, programación de loops.
Aldo Milani: saxo soprano.
www.granturismoveloce.com
3. Dietro el silenzio
versión de Sciarada:
Michele Nicoli: guitarra, programación, ambientes.
Giulio Deboni: batería, percusión, glock, flauta.
Fabio Molinaroli: guitrras.
Francesco Tomé: piano, teclados, efectos.
Francesco Marella: bajo, distorsión.
www.myspace.com/sciarada01
4. Plaisir d'amour
versión de InSonar:
Claudio Milano: voz.
Marco Tuppo: efectos, sintetizador analógico, drumloop.
www.soundcloud.com/insonar
5. Gallia
versión de Claudio Milano/Marco Tuppo (incorporando a Llir Bu Fer):
Claudio Milano: voz.
Marco Tuppo: efectos, sintetizador analógico, drumloop.
Nicola de Bortoli: circuit bending.
Andrea Tumiceli: guitarra eléctrica.
6. Giovane madre
versión de Central Unit:
Alberto Pietropoli: saxo, flauta.
Roberno Caraveli: samplers.
Ricardo Lolli: teclados.
Enrico Giuliani: bajo.
Andrea Ventura: batería y percusión.
www.centralunit.com
7. Morella
versión de Arturo Stálteri: piano eléctrico Clavinova, tapes.
www.arturostalteri.it

VERSIONE ALTERNATIVE
(demos del álbum Gudrun. grabaciones caseras de Walter Lefévre de 1975. Restauración y digitalización de Pino Zingareli en el Studio U.P. en 2010)
8. Sonde in profonditá
G. Chiocchio: guitarra acústica, sitar.
A. Stálteri: órgano eléctrico, violín, sintetizador.
Walter Lefévre: voz recitante, sea tapes.
9. Mein armer Italiener
G. Chiocchio: mandolina, cítara del Tirol, Shaj baja, voz, recitante, fischio.
A. Stálteri: guitarra acústica, voz en falsete, glockenspiel, órgano eléctrico, fischio.
Walter Lefévre: cintas militares.

TRE
(temas inéditos para el álbum Tre. Registros caseros de 1977)
10. Soldato
G. Chiocchio: bajo, solo de piano.
A. Stálteri: piano.
11. Cilla
G. Chiocchio: voz solista, guitarras.
A. Stálteri: piano, voz en falsete.
Laura Buffa: voz de mujer anciana.
12. What'd you say
G. Chioccio: voz, guitarra acústica.
A. Stálteri: voz, guitarra acústica, órgano eléctrico.

FINALE
13. Giovane madre
versión de Sciarada.

5/5

Inexcusable e imprescindible documento sonoro de esta gran banda italiana que revolucionó el panorama progresivo italiano de mitad de los setenta. Con tan sólo dos álbumes en su haber este exquisito grupo varió las tendencias del rock progresivo y abrió nuevas propuestas musicales a las generaciones progresivas del momento. Su evolución de un fino folk rock progresivo de tintes melódicos e intimistas desembocó en proposiciones avant-garde de la que bebieron, no sólo agrupaciones italianas de la época, sino que fueron absorbidas desde este manantial que nació en la península italiana por grupos de todo el mundo, rompiendo fronteras desde Europa hasta América.
En esta excelsa edición de G. T. Music Distribution, podemos degustar lo poco conservado de las sesiones que el grupo, desaparecido de escena por diversos motivos, principalmente por la muerte de Gaio Chiocchio hace ya quince años, comenzó a desgranar en 1977. Queda claro que esto no es una nueva reunión del grupo sino un homenaje al músico desaparecido, y en los nuevos temas nos encontramos de nuevo con esa mezcla de ambientes y música que caracteriza la música de Pierrot Lunaire, un grupo que bebió de las fuentes líricas de unos primeros Premiata y Celeste o de las sutilezas clásicas de Debussy y Satie, para arrojarnos una mezcla heterogénea y atmosférica de aspecto perturbador y altamante arriesgada, tal y como se nos presentó en su segundo trabajo Gudrun de 1976 donde daban la espalda a cualquier convencionalismo musical.
El disco incluye versiones de temas clásicos de sus dos trabajos previos a cargo de formaciones actuales, más o menos oscuras (no podía ser de otro modo), de la escena musical italiana, así como una nueva versión grabada para la ocasión por el mismo Arturo Stálteri. Además este documento sonoro rescata dos demos del segundo trabajo anteriormente citado, completando, de este modo, un imprescindible objeto de nuestra estantería progresiva Mundial, con mayúsculas.
Para el aficionado más exigente Pierrot Lunaire es una rara avis del rock progresivo por su ruptura de esquemas, pese a su tradicional sonido folclórico y suave sinfonismo. Para el resto, tan sólo tengo que decir que cuando Pierrot Lunaire te enamora, se hace imprescindible. Quien bebió de sus aguas bien lo sabe.
Gracias y felicidades personales a Vannuccio Zanella por esta edición. Todo un ejemplo.

www.mprecords.it
www.gtmusic.it