OSIRIS: REFLECTIONS

OSIRIS: REFLECTIONS (1989. Reedición 1998 MUSEA)

4/5

Los amantes del rock sinfónico más melódico seguro que adorarán este tercer disco, casi inédito, que se publicó (tan sólo en formato cassette) entre 1987 y 1989, grabado totalmente en el estudio privado del grupo (originario de Bahrein), y que fue distribuido casi exclusivamente (500 copias) entre las emisoras de radio más influyentes del momento. Debido a problemas económicos, derivados en parte a que el grupo no podía actuar fuera de las zonas limítrofes ya que era muy costoso mover un equipo de cuatro toneladas y media, Osiris no pudo continuar con la excelente carrera que había comenzado y que veía su cenit con este Reflections. Sin duda este es el mejor de los publicados anteriormente por el grupo (Osiris y Myths and Legends) , porque el grupo alcanza aquí la mayoría de edad en calidad. Mucha de la “culpa” de todo ello es la existencia de dos magníficos teclistas, Abdul Razak-Arian (Roland, Micromoog, Korg M1, Korg Trident) y Mohammed Shafii (que además de múltiples Moogs y el Memorymoog, cantaba y tocaba la flauta), además de un excelente guitarra, Mohamed Al-Sadeqi, y una más que eficiente base rítmica de la mano de Nabil Al-Sadeqi, batería, y los bajos compartidos del guitarrista citado y de Khalid Almutawa.

Aquí se recogen todos los temas originalmente editadas en Reflections, más el tema inédito Fire and Ice 5:46. El sonido del grupo es una mezcla entre Camel y los momentos más dulces de Pink Floyd, dando lugar a pasajes delicadísimos llenos de melodía. Todo sin olvidar una complejidad instrumental casi dominante a lo largo de todo el disco. Su tema de inicio, Shades of Gray 9:13, podría pasar perfectamente por un tema de los últimos y mejores Pendragon, hasta parecerse los dos grupos como dos gotas de agua en cuanto a sonido y calidad instrumental. Y es que Pendragon deben mucho al sonido Camel y Pink Floyd, por si algún despistado aún no se había enterado.

Pasajes de Lost and Found 5:51, The Circle 7:05, In the Corner, The Prisoner 9:06 o el final Reflections 5:25 sitúan a este grupo, un desconocido para mí, entre uno de los mejores de la década de los 80 y de todas las restantes y venideras. De verdad que un disco como este es todo un lujo para un amante del verdadero rock sinfónico.

Delicadeza, complejidad, melodía, sencillez, lirismo… agítalo y tendrás Reflections, una obra maestra. 

GOBLIN: ROLLER

GOBLIN: ROLLER (1976, CINEVOX RECORD)

4/5

Massimo Morante, guitarras, Fabio Pignatelli, bajos, Claudio Simonetti, teclados (clavinet, órgano, piano, mini Moog, Logan String Machine), Mauricio Guarini, más teclados (Fender Rodees, Honer, Moog, clarinete y piano) y Agostino Marangolo, batería y percusión, firmaron esta obra que era la segunda en su haber como Goblin. En esta ocasión nada tenía que ver con ninguna banda sonora de terror italiana, sino que se trataba de un trabajo en el que la banda no estaba sujeta a ningún tipo de imagen (no obstante, el trabajo sería adoptado para la película Wampir del año 1979).

No podemos olvidar que en sus orígenes el grupo se trasladó a Londres bajo el auspicio de Eddie Oford, y que tras una serie de avatares por el Reino Unido, Simonetti, Morante y Pignatelli, volvieron con una gran experiencia a su Italia natal para grabar su primer LP como Cherry Five (1975). Tras la banda sonora Profondo Rosso, que podemos considerar como el primer trabajo de Goblin en el mismo año, publicaron esta maravilla de 35 minutos, en la que se reconoce toda la influencia y tributo de los italianos hacia grupos como Genesis, Yes, Pink Floyd o ELP. La música contenida en este disco es puro rock sinfónico con un componente mediterráneo muy acusado que hacen de él una de esas maravillas que nadie debería perderse, y menos todos aquellos que adoran el sinfónico italiano de los 70.

Roller 4:38 es el tema título del disco y define toda la esencia de las composiciones de Goblin: misterio, romanticismo, sinfonismo, clasicismo y elegancia por encima de todo. Una instrumentación perfecta para una inspiración no menos perfecta. Así pasamos por temas como Aquaman 5:22 (con unas guitarras muy floydianas) o Dr. Frankestein 6:00 (ambos utilizados para la banda sonora de Suspiria en el año 77), Snip-Snap 3:37 con un clavicordio muy rockero sobre una base muy marcada por el bajo y con unos estupendos Moog, hasta llegar a Il Risveglio del Serpente 3:27, un hermoso ejercicio de piano y guitarra, lleno de influencias clásicas románticas, y el tema estrella, para mí, que es Goblin 11:10, donde el grupo nos entusiasma con su complejidad hermosa llena de sonidos analógicos, densas estructuras sonoras, sorprendentes cambios de ritmo y belleza italiana.

Un gran disco que se puede conseguir más o menos fácil, puesto que Cinevox ha reeditado en CD todas las bandas sonoras de Goblin. No te lo pierdas. Un recomendado personal.

MAGUS: HIGHWAY 375

MAGUS: HIGHWAY 375 (1998, SKY PINES MUSIC)

4,5/5

Este trabajo de Andrew Robinson, o lo que es lo mismo, Magus, que ya nos sorprendió muy gratamente con su anterior grabación Traveller (1997) en donde practicaba un progresivo con tintes head muy cercano a propuestas de Porcupine Tree o Pink Floyd. En este trabajo, en formato EP, Andrew continúa con los sonidos generados en álbumes anteriores, incidiendo mucho más si cabe en sonidos misteriosos generados por teclados y en colchones sonoros de sintetizador y guitarra para recrear mundos imaginarios de corte de ciencia-ficción. Tan sólo cuatro temas con una duración entre todos de poco más de 18 minutos saben a poco, puesto que la calidad del nuevo material ha evolucionado positivamente y el resultado ha quedado notablemente elevado. Desde la belleza de Highway 375 6:09, hasta la suite formada por Arrakis-Dune-Desert Planet, dividida en dos movimientos, Dune 1:50, muy ambiental, y Messiah 4:37, totalmente head y porqué no, con un sonido que me recuerda poderosamente a elementos sonoros de la factoría de Agitation Free o del kraut más espacial de los setenta. De todos modos, todo está mucho más modernizado, sin caer en las tentaciones ambientales o industriales, con unos ritmos producidos desde la programación, que le da un sonido actual. El CD EP se cierra con Highway 375 (revisited) 5:58, que recuerda trabajos de Tangerine Dream o los primeros Neuronium, eso sí, con ritmos mucho más marcados.

En definitiva, un CD adelanto de futuros encuentros de Andrew Robinson con los oyentes ávidos de experiencias sonoras de dimensiones desconocidas. Un bonito ejercicio que, espero, se vea pronto como parte de un larga duración de buen rock progresivo espacial (la portada es muy reveladora).

Contacto: Magus, c/o Sky Pines Music, 180 Mountain Home Park, Brattleboro, VT 05301 USA

atmospheric@hotmail.com

DATETENRYU: 1971

DATETENRYU: 1971 (1971, DATETENRYU/GYUUNE)

 1. Bukkowareta Boku (4:10)

2. Harugeshiki (10:08)
3. Doromamire (26:12)
4. Part-4 (3:58)
5. Abuku No Aji (8:34)

Masao Tonari: órgano, teclados. 

Hiroshi Narazaki: bajo, voz. 

Yosһitaka Nakamura: batería.

Kei Yamasһita: guitarras. 

4/5

Lo de estos japoneses es, era, increíble. Para mí, éste es uno de los grupos más desconocidos y buenos de toda la escena progresiva nipona de los setenta. Si Emerson, Lake & Palmer no hubieran existido, puedo jurar (y no exagero), que éste sería mi grupo favorito de todos los tiempos. Creo que con esto sobran palabras y adjetivos.

Tan solo cinco temas dan forma a una música digna de cualquiera de los maestros. Música que recuerda, y de qué manera, a los mejores tiempos de los Nice, incluso en la desgarrada voz, y el mejor periodo de ELP -primera mitada de los setenta-, con una fuerza y técnica y arreglos fuera de lo común. Sin respiración te quedarás cuando escuches los más de veinte minutos de "Doro mamire", con un Hammond que echa humo por todas partes.

Cantar no es lo suyo, y no porque lo hagan en japonés, pero tocar, lo que es tocar, no hay Dios que pueda equipararse a ellos. Esto es una bestialidad, un golpe a bocajarro para los que disfrutamos de pasajes intrincadísimos cabalgados por un poderoso Hammond y arropados por una enorme batería y un exuberante bajista.

Si no te lo crees, peor para ti. Pero te advierto que esto es casi imposible de conseguir. Esto es genial y tengo que decir que yo no me invento nada.

LANA LANE: CURIOUS GOODS

LANA LANE: CURIOUS GOODS (1996, BELLE ANTIQUE)

5/5

Este es otro de los discos que no pueden faltar en la discografía de cualquiera que se precie de sinfónico de pro. Lana Lane se superó a sí misma con la publicación de este compacto digno de estar con los dioses del Olimpo sinfónico. Las voces de esta mujer son de lo mejor que he oído y que alguna vez escucharé. Creo que es la fémina con mejor voz de todo el panorama actual.

En cuanto a lo demás, hay que resaltar el enorme esfuerzo compositivo hecho por Erik Norlander, teclista de Rocket Scientists, y habitual en los trabajos de Lana Lane. Este teclista vuelve a los setenta y nos deleita con fragmentos instrumentales con profusión de teclados, de sintetizadores, de Moogs y de melotrones. Qué maravilla de músico.

El resto de la banda lo conforman el batería de los citados Rocket Scientists, Tommy amato, Neil Citron, excelente guitarrista -un maestro-, y Tony Franklin al bajo.

Los temas son excelentes, abríéndose y concluyendo con dos instrumentales soberbios, y con cortes excelentes como "Emerald city", "Escher's staircase", la maravillosa "Reverie", "Symphony of Angels" o la increible "Voices". Asimismo, encontramos, como bonus de esta edición japonesa, al clásico "Do it again", de una factura maravillosa.

Este es un disco redondo, en la tradición de la buena música progresiva, de la música que no cansa. Esto no se parece a nada, es totalmente original, tiene fuerza y delicadeza, está hecho con AMOR y está hecho para tí, y eso se nota.

No me cansaré nunca de agradecerle a Lana que sea una de las musas que mantenga la mecha encendiad de esta cosa tan maravillosa que es el rock sinfónico. Gracias por todo Lana. Espero concocerte algún día.

THREE SEASONS GIRA ESPAÑOLA

MERCURY RISING: UPON DEAF EARS

MERCURY RISING: UPON DEAF EARS (1994, DOMINION RECORDS)

1. Upon Deaf Ears (6:11)
2. Light to Grow (6:43)
3. Halfway to Forever (4:02)
4. Minute Man (6:07)
5. Zeros for Ones (6:59)
6. It's War (5:25)
7. Prayer (3:26)
8. Where Fear Ends (9:14)

Clarence Osborne: voz. 

Gary Goldsmith: guitarras. 

Hal Dolliver: guitarras. 

Chris Brush: bajo. 

Jeff Moos: batería. 

Jim Rezek: teclados.

2/5

En esto del progresivo nos encontramos con muchas ramificaciones. Una de ellas es el power metal, género dominado por sonidos duros, pero con desarrollos innovadores. Este es el caso del grupo que nos ocupa, grupo que practica un progresvio metalero, con poca inclusión de teclados.

Puede que no sea de vuestro agrado, por la dureza y contundencia de las guitarras y voces, pero no se puede negar que interés le ponen. Podemos escuchar influencias lejanas de Queensrÿche, Dream Theater o Shadow Gallery, pero sin llegar a ese progresismo que les caracteriza. Para arriesgados.

ARKTIS: ARKTIS

ARKTIS: ARKTIS (1974 R 4040. Reedición 1993 PENNER RECORDS)

1. Student's Idyll (4:02)
2. Outcasted (5:34)
3. Jeff the Fool (3:25)
4. Rare Girl (20:08)

Bonus tracks (grabadas en 1974)
5. Is it Real (2:45)
6. Sky Drive (4:27)
7. Don't Hang Around (4:21)

Karin Toppig: voz.

Klaus Blachut: guitarra.

Harry Kottek: batería.

Klaus Gollner: bajo. 

3/5

Este disco, tras intensos ensayos en el verano de 1973, fue publicado en marzo de 1974 en una limitadísima edición de 300 cipias que fue principalmente repartida promocionalmente a compañías discográficas, emisoras de radio y revistas, por lo que esta reedición es interesantísima desde ese punto de vista. El primer disco de Arktis no es que sea una maravilla, pero por su rareza merece la pena su adqusición. La música desarrollada es rock progresivo y podemos destacar la suite de veinte minutos "Rare girl". El grupo provenía del área de Bonn y en esta reedición en formato digital incluye tres demos grabadas en diciembre de 1974, en el estudio de Conny Plank, productor, entre otros de Krafwerk, Kraan o Ultravox, que les convención para grabar nuevos temas.

EPIDAURUS: EARTHLY PARADISE

EPIDAURUS: EARTHLY PARADISE (1977 GEMA. Reedición 1991 PENNER RECORDS)

1. Actions And Reactions 7:01
2. Silas Marner 7:50
3. Wings Of The Dove 5:05
4. Andas 6:15
5. Mitternachtstraum 6:05

Günther Henne: teclados.

Gerd Linke: teclados.

Manfred Struck: batería.

Heinz Kunert: bajo.

Volker Oehmig: batería.

4.5/5

Qué se puede decir de esta obra maestra que no haya sido dicho ya. Sinfonismo total en una fecha poco propicia para el rock progresivo. Sin embargo, este grupo de Bochum alcanzó la cota más alta que podía llegar a lograr un combo de sinfónico melódico de característico sabor centroeuropeo. Ecos de Pink Floyd, Wakeman, Yes, se escuchan a lo largo de la audición de esta maravilla. Imágenes y desarrollos sinfónicos de la mano de dos estupendos teclistas que harán, seguro, las delicias de cualquier aficionado al verdadero rock sinfónico centroeuropeo.

El editor del sello de la reedición, cuyo nombre prefiere quedarse en el anonimato y yo lo respeto, entró en contacto con el grupo, que dio su beneplácito, y tras la búsqueda de los masters editó el CD en la primavera de 1991 (1000 copias), con un número de serie neutro y no bajo el nombre del sello. Sólo en la segunda reedición (1000 ejemplares) se incluyó el número de catálogo como CD001. El álbum se ha convertido en un clásico de ventas, alcanzando las tres mil copias vendidas en todo el mundo. También hubo una reedición limitada en vinilo de 550 copias (1995, Resurrection) que, actualmente, está agotada.

FELIZ NAVIDAD Y PRÓSPERO AÑO VENIDERO

LANVALL: AURAMONY

LANVALL: AURAMONY (1996, PRE-PRODUCCIÓN PERSONAL)

1 .Overture - Transcending into the Light (3:35)
2. Red - My will is my Way (4:37)
3. Orange - Cogito Ergo Sum (5:12)
4. Blue - The Path of Love (6:22)
5. White - Reflection in the Mirror (4:56)
6. Violet - The Mystic Charm (5:42)
7. Yellow - Brainstorm Dancer (7:42)
8. Green - A Midsummernight's Stream (7:28)
9. Epilogue - Like a Rainbow (7:01)

Lanvall: guitarra eléctrica y de doce cuerdas acústica, mandolina, piano, teclados y órgano de iglesia.
Gandalf: sitar y guitarra clásica en "Violet", guitarra acústica de seis cuerdas en "Green" y guitarra eléctrica en la introducción de "Yellow".
Peter Aschenbrenner: flautas.
Ulbi Ulbricht: bajo.
Thomas Schaufler: batería.
Y un coro de casi treinta cantantes.

5/5

Aquí el descaro profesional de Arne Stockhammer, verdadero nombre de Lanvall, es total. Se desenvuelve con su música como pez en el agua y esta vez acompañado por el mismo Gandalf y una gran masa coral.

Esta obra está conformada a modo de gran suite, siendo cada uno de los movimientos, distintos colores que le sugieren al compositor distintas ideas. El álbum se abre con una "Overture-Trascending into the light" y se cierra, como un círculo perfecto, con "Epilogue-Like a rainbow". En medio, música ma-ra-vi-llo-sa. Sólo por el tema "Red-My will is my way" merece la pena tener este trabajo. Hacía tiempo que no disfrutaba tanto con una canción.

Un más que buen trabajo que merece, de corazón, toda nuestra atención. Este joven músico, veinticuatro cuando publicó este discazo, esconde buenas ideas arropadas con un gran sentimiento y una excepcional -nada que envidiar a los grandes- técnica. De diez.

LANVALL: MELOLYDIAN GARDEN

LANVALL: MELOLYDIAN GARDEN (1994, WMMS)

1. Ageless beauty (6:33)
2. Melolydian garden (7:18)
3. Euphoric (3:27)
4. Memory lane (6:06)
5. The fountain of hope (4:18)
6. Turn lose the swans (2:54)
7. Sensitive (5:56)
8. Sister (2:37)
9. My kingdom, my world (5:28)
10. The shores of the shimmering sea (5:05)
11. The endless trail of tears (3:03)

Lanvall: guitarras, sintetizadores, piano, flauta.
Thomas Schaufler: batería y percusión.
Ulbi Ulbricht: bajo.

4.5

En este que fue su primer trabajo están incluidos los temas de su primera demo. Podemos observar que es un trabajo muy tranquilo, a excepción de entradas con la guitarra, que animan los ritmos de una forma genial. En todo caso, se me antoja un CD relajante y en muchos momentos cercano a la new age instrumental, con temas de grandes y elaboradas estructuras.

Destacan temas como "Ageless beauty", una magnífica introducción a esta primera grabación, con un dominio pleno de la guitarra, en un estilo muy personal y que recuerda al mejor Mike Oldfield de los setenta, la potencia de "Euphorya" con una guitarra excelente y con una digitación, pulsación y técnica maravillosas, la tranquildidad producida por los sintetizadores y el piano que recrean una gran atmósfera en "Melolydian garden" o "Memory Lane", o pequeñas maravillas relajantes como "The shores of the shimmering sea", con un enfoque casi folclorista y una gran influencia de Gandalf o el citado Oldfield.

RIVENDEL: THE MEANING

RIVENDEL: THE MEANING (1996, MUSEA)

1. La Telaraña (13:26)
2. The Meaning (28:47)
3. L'art Brut (9:02)

Toño Cruz: guitarras.
Juancar Pérez: batería.
Oscar Bello: teclados.
Josemari Aguirrezabala: bajo, instrumentos de viento.

3.5/5

Los donostiarras han ganado en técnica musical desde que ya en 1990 publicaran aquella magnífica obra que era Manifesto. En cuanto a frescura en los temas me quedo con su debut. Ojo, no digo que este grupo la atención del sinfónico de pro, lo que digo es que me pareción más fresco su primer LP, no saquemos conclusiones raras. En The Meaning el concepto se queda muy diluido y, creo, es por la falta de unidad. Unidad que queda deshecha desde lo más esencial, los temas, tan sólo tres de grandes desarrollos, cosa que hay que agradecer, pues se ve elaboración, pero cantados cada uno en diferentes idiomas: "La telaraña" en español, "The meaning" en inglés y "L'art brut" en francés.
No cabe duda, eso sí, que el CD tiene álgidos momentos instrumentales en cualquiera de sus temas, que lo hacen merecedor de estar al lado de cualquiera de los neo progresivos europeos sin ninguna clase de complejo de inferioridad. Es más, creo que superan ampliamente a la gran mayoría de nuevos grupos que no tienen personalidad y su sonido es copia hasta la saciedad. En Rivendel no hay copia, ni reelaboración; existen tan sólo ganas de hacer algo profesional y tener una personalidad propia, que no es poco.
En resumen, un buen disco, muy correcto, pero que adolece de una falta de unidad que puede llevar al despiste al poco iniciado. Desde aquí un fuerte apoyo a Josemari y al resto del grupo, que realmente se lo merecen.

TANTALUS: SHORT STORIES

TANTALUS: SHORT STORIES (1996, TATALVS MAÑANA MUSIC)

1. 23 Enigma (5:07)
2. Shot Down In Flames (5:38)
3. Light From Dark (6:22)
4. Moondance (4:56)
5. Plans (4:06)
6. City Of Dreaming Spires (4:54)
7. Wherever You Turn (4:54)
8. Toccata & Fugue in D Minor (7:45)
9. Can't Say No (4:00)

Max Hunt: teclados, batería y programación de percusión, coros.

Rupert Willder: guitarras, voz principal.

Steve Meston: bajo, coros.

3,5/5

Segundo trabajo de la banda británica consolidada como trío en esta nueva producción de 1996. Un disco bastente mejor que su debut Smoking Angels de 1994, ya que el grupo ha ganado bastante en técnica compositiva, pasando de temas orientados a un rock suave y melódico, a composiciones con una mayor complejidad. Este trabajo es una colección de temas que pueden hacer la delicia de cualquiera que guste de la calidad musical, encontrando temas instrumentales como "23 enigma" o "Moondance, en los que la guitarra se hace dueña de la situación, adoptando un papel protagonista y elevando a Wilder a alturas profesionales realmente soberbias. Max Hunt, no obstante, sigue siendo el líder de la banda, arropando a la banda con sus teclados, ora orquestales ora endiabladamente clásicos, "Toccata and fugue in D minor", homenajeando al maestro Bach. Temas muy agradables con fuerza y garra como ese blues que es "Shot down in flames", en el que la guitarra se luce como nadie y en el que el teclado realiza un solo realmente exquisito.

Buen trabajo de Tantalus, que en su origen fue publicado en formato cassette (del que nace esta reseña), muy recomendable para los que gusten de teclados y guitarras sinceros, sin efectos. No pierdas el tiempo y hazte con tu copia (reeditada en CD incluyendo un tema extra).

Contacto:

Gerlinde Hunt: Mañana Music, 34 Austen Gardens, Newbury, Berks RG14 7UB, Reino Unido.

NATHAN MAHL: THE CLEVER USE OF SHADOWS

NATHAN MAHL: THE CLEVER USE OF SHADOWS (1998, MAHL PRODUCTIONS)

1. Without Words (9:50)
2. Clever Use of Shadows (10:20)
3. Orgasmik Outburst II (2:42)
4. Machiavelique (6:41)
5. Beyond the Rims of Despair (9.16)
6. Something Like That (8:23)
7. The Rubber Cage (5:51)
8. Call to Arms (9:08)

Guy LeBlanc: teclados, voz y percusión.
Alain Bergeron: batería y percusión.
Jose Bergeron: guitarras, efectos, voz en francés.
Claude Prince: bajo.

músico invitado:
Paul Desgagne: saxo alto y tenor.

5/5

Entramos en terrenos del sonido progresivo clásico con algún matiz Canterbury con esta increíble formación canadiense, que desarrolla unos planteamientos extensos y virtuosos tratamientos instrumentales.

Estamos ante una obra maestra del progresivo contemporáneo en la que no cabe destacar temas. Sí, acaso, deberíamos analizar sus virtudes. Deberíamos resaltar el uso de la guitarra, muy al estilo de Andy Latimer ("Without words"), acústica en algunos momentos ("Machiavelique") y siempre magistral y dinámica ("Call to arms", por ejemplo). Deberíamos agradecer la complejidad, o la sencillez en algunos casos, en la ejecución de los teclados totalmente analógicos, bien sean órganos Hammond ("Clever use of shadows"), sintetizadores ("Something like that", mi favorita) o pianos eléctricos ("Beyond the rims of despair"). Y, por último, deberíamos agradecer la entrega total de una maravillosa sección rítmica que da su vida, de principio a fin, en la totalidad del disco.

Un trabajo lleno de virtuosismo a raudales, intenso y dinámico, muy emotivo y con una calidad interpretativa muy alta. Igual de alta que mi recomendación para su escucha.

ELOY: OCEAN

ELOY: OCEAN (1976, EMI ELECTROLA)

1. Poseidon's Creation (11:38)
2. Incarnation Of The Logos (8:25)
3. Decay Of The Logos (8:15)
4. Atlantis' Agony At June 5th - 8498, 13 p.m. Gregorian Earthtime (15:35)

Frank Bornemann: guitarras, voz principal.
Klaus-Peter Matziol: bajos, voz.
Jürgen Rosenthal: batería, percusión, flauta.
Detlev Schmidten : teclados, Mellotron, xilófono, voz.
The Boys Of Santiago: coros (1).

5/5

Los alemanes Eloy nos acostrumbraron a una obra maestra, una tras otra, en la década de los setenta, gracias a la imaginación y el genio compositivo de su guitarrista y voz Frank Bornemann. Y es que, además, Frank siempre se supo rodear de los mejores para moldear las obras que se fraguaban en su mente.

A partir del mito de la Atlántida, recogido en dos diálogos de Platón, Timaios y Kritias, Eloy desarrolla su novela musical con increibles pasajes sinfónicos, bellos y elaborados, dando lugar a su mejor, según mi opinión, obra. Una perfecta armonía entre elementos instrumentales y vocales, que se desarrolla en torno a cuatro suites de reconocida calidad.

Se compara a Eloy con Pink Floyd, y similitudes las hay, pero este álbum recrea un rock sinfónico atemporal y con un sonido genuinamente propio que lo hace original y, por lo tanto, fuera de todo compromiso, por lo que podemos afirmar, de manera rotunda, que estamos ante uno de los puntales de la música progresiva.

Para la ocasión, el grupo, además del guitarrista y voz Frank, estaba formado por el ex Scorpions Jürgen Rosenthal a la batería y autor de las letras, el eterno Klaus-Peter Matziol, bajos y voz, y el imprescindible Detlev Schmidten a cargo de toda clase de teclados analógicos y Mellotron.

Ocean es un disco antológico, con una calidad extraordinaria, pese a que el año en que fue publicado anunciaba que el río bajaba revuelto. Un trabajo delicado y con una gran fuerza interior que evitará siempre el paso del tiempo.

FONYA: EARTH SHAPER

FONYA: EARTH SHAPER (1995, KINESIS)

1. The Valley of Lavon: Salad Daze (6:05)
2. The Valley of Lavon: Trinity River Run (6:36)
3. The Valley of Lavon: the Flood (7:56)
4. The Valley of Lavon: Lake Lavon (4:54)
5. Cathedral over Chimney Pond (9:13)
6. Screw Auger Falls (7:45)
7. Seeing Cape Cod Seas: Freedom (6:54)
8. Seeing Cape Cod Seas: Thundering Waters (5:06)
9. Seeing Cape Cod Seas: Is It Light? (4:44)
10. Seeing Cape Cod Seas: A New Life (1:22)
11. The Last Time for Minterra (7:02)

Chris Fournier: bajo, guitarras eléctricas y de 12 cuerdas, teclados, programación de batería.

3.5/5

Este trabajo de Chris Fournier se abre con una impactante suite de casi veintiseis minutos, "The Valley of Lavon", donde en sus cuatro partes, desarrolla una música impresionante, en el sentido literal de la palabra, con estructuras grandilocuentes que dan paso a situaciones pausadas que nos preparan para los constantes cambios de forma que dominan sus temas. Este instrumentista, que domina toda su música, ataca de forma muy poderosa su bajo, dándoles, además, un auténtico pulso vital a su obra.

Dada la personalidad de Chris, necesita dar a entender su trabajo mediante composiciones extensas que, como si de una descripción se tratara, nos hace viajar por distintas dimensiones. Tal es el caso de la bellísima y genialmente orquestada "Cathedral over Chimney Pond", que nos muestra un increíble templo surgir en medio de la naturaleza de un mundo imaginario. "Screw Auger falls" es una composición que recuerda mucho a la música electrónica de los sintetistas europeos de mediados de los setenta, con cantidad de ritmos y sonidos que nos llevan a los rápidos de un río. La otra suite de este trabajo es "Seeing cape Cod seas", dividida en cuatro movimientos, ejecutada con una fuerza increíble en su base rítmica y desarrollada sinuosamente sobre los teclados, dando lugar a una pequeña obra maestra. El tema final de este CD, "The last time for Minterra", es un adelanto del que sería su siguiente edición, Perfect Cosmonogical Principle, con un argumento, explicado por el propio Fournier, muy cercano a un relato sci-fi.

YEZDA URFA: BORIS

YEZDA URFA: BORIS (1975, UNIVERSAL STUDIOS. REEDICIÓN 2004, SYN-PHONIC)

1. Boris And His 3 Verses, including Flow Guides Aren't My Bag (11:00)
2. Texas Armadillo (1:48)
3. 3, Almost 4, 6 Yea (8:46)
4. To-ta In The Moya & Tyreczimmage (10:50)
5. Three Tons Of Fresh Thyroid Glands (10:20)
Bonus track:
6. The Basis of Dubenglazy While Dirk Does the Dance (9:51)

Brad Christoff: percusión.
Phil Kimbrough: teclados, sintetizadores, mandolina, instrumentos de viento.
Mark Tippins: guitarras, banjo, voz.
Marc Miller: bajo.
Rick Rodenbaugh: voz.

4.5/5

Yezda Urfa se formaron en 1973 en Chicago, tras reunirse una serie de músicos con experiencia con la intención de fundar un proyecto estable. En 1975 autoprodujeron este álbum con una tirada limitada de trescientos ejemplares que distribuyeron, en su mayoría, por las emisoras de radio locales y distintas compañías (A&M, Capitol, Columbia, London Records, Phonogram, Warner Bros. Records...), pero fueron rechazados.

Estamos, pues, ante lo que el grupo denomina un 'demo álbum', que nos muestra el potencial inicial de una banda que lucha por un puesto en el difícil mundo del rock progresivo. Pero visto ahora y escuchando este primer esfuerzo, vemos que, injustamente, el mundo empresarial dejó escapar una excelente oportunidad, porque lo que podemos saborear en este trabajo es un ejercicio honesto con una profesionalidad que nada puede envidiar a los que ya estaban establecidos.

El disco se abre con "Boris and his 3 verses, including flow guides aren't my bag", con unos interesantes teclados estilo Wakeman que conforman un complejo tema con intrincadas guitarras, trabajados ritmos y buenos juegos de voces. El humor, presente en este disco, se puede ver en el corto "Texas armadillo", donde el grupo se atreve con el country de la mano del banjo y la mandolina, o la excelente "To-ta in the moya", con una estructura musical repetitiva a la que, poco a poco, se va añadiendo el máximo potencial de la banda, incluyendo pequeños homenajes a la música clásica barroca.

Hablar de temas favoritos es inútil, porque el grupo nos sorprende continuamente en todas las composiciones, como en "3 almost 4, 6 yea", una composición instrumental con complicados ritmos y sonidos, que recuerdan a Gentle Giant, y desembocan en energía pura a la flauta. Incluyen ambientes acústicos renacentistas, para eclosionar en una grandeza progresiva fuera de lo común, imprimiendo, en momentos, carácter a veces sajón, a veces mediterráneo.

El disco, tras el dinámico "Three tons of fresh thyroid glands", se cierra con un regalo: "The basis of Dubenglazy while Dirk does the dance", con un ritmo vertiginoso y curiosos efectos vocales.

Muchos de estos temas serían reelaborados para su Sacred Baboon, pero aquí se rescata el verdadero espíritu de la banda, que rendía tributo a todo estilo musical con una poderosa base progresiva envidiable. Una joya.

MR. BROWN: MELLAN TRE ÖGON

MR. BROWN: MELLAN TRE ÖGON (1977, VOICE MUSIC. REEDICIÓN 2006, TRANSUBSTANS RECORDS)

1. Suicide (6:53)
2. Recall The Future (9:25)
3. Resan Till Ixtlan (3:18)
4. Universe (3:38)
5. Kharma 74 (5:45)
6. Liv I Stad Utan Liv (6:58)
7. Tornet (0:54)
8. I'll Arise (2:34)

Håkan Andersson: guitarras acústicas y eléctricas, mandolina, voz.

Bo Carlberg: guitarras acústicas y eléctricas.
Kjell Johnsson: batería.
Lars Meding: guitarra eléctrica.
Anders Nilsson: piano, Hammond B3, Logan strings, sintetizadores Arp, campanas, tabla.
Jan Peter Stråhle: flauta.
Rovert Svensson: bajo.

Músicos invitados:
Övriga Medverkande & Mats Bengtsson: congas.
Bengt Karlsson: saxofón.
Bruno Nilsson: saxofón.
Lennart Schander: harmonizer.
Marie Swantezon: voces.

4/5

Esta banda sueca, de las pocas que recibió la influencia del rock sinfónico practicado por grupos clásicos de los setenta, grabó su primer, y único, disco en un año no muy favorable para desarrollar ejercicios progresivos, por lo que, aunque los miembros permanecerían juntos hasta 1980, se disolvió. Hace diez años intentaron reeditar su álbum, pero nunca pudo ser, por lo que Record Heaven, a través de su sello Transubstans, rescata esta interesante obra del olvido.
Mr. Brown grabaron un disco sinfónico basado en melodías construídas en base al piano y Hammond y acompañadas de extremadamente cuidadas y melódicas guitarras, que desembocaron en excelentes ejercicios de rock sinfónico como "Suicide" o "Universe", sin olvidar acercamientos casi clásicos como "Resan till Ixtlan" o impresionantes esfuerzos instrumentales, "Recall de future", y dinámicas secciones con interesantes duelos entre teclados, guitarras y flautas, "Karma 74".
Un buen disco que hay que colocar al lado de los grandes clásicos progresivos suecos como Atlas, Kaipa o Dice.

LA CHIESA ORIGINAL MOTION PICTURE SOUNDTRACK

LA CHIESA ORIGINAL MOTION PICTURE SOUNDTRACK (1988, CINEVOX. REEDICIÓN 2001, BIXIO-CINEVOX RECORDS)

1. The Church (Main Theme) (3:55)
2. La Chiesa (5:20)
3. Prelude 24 (from 'Well Tempered Clavier') (2:20)
4. Processione (3:14)
5. The Possession (2:21)
6. Lotte (3:02)
7. Go To Hell (3:37)
8. The Wire Blaze (3:35)
9. The Church Revisited (4:21)
10. The Church (single mix- bonus track)* (3:50)
11. La Chiesa (suite)* (4:03)
12. Suspence Chiesa 1* (3:42)
13. Suspence Chiesa 2* (7:05)

* temas no incluídos en el original LP Cinevox Mdf 33/192

1,5,9,10: música compuesta, arreglada y ejecutada por Keith Emerson.
2, 4, 6, 11, 12, 13: música compuesta y arreglada por Fabio Pignatelli y ejecutada por Goblin.
3: música compuesta por J.S. Bach, arreglada y ejecutada por Keith Emerson.
track 7: música compuesta por Carola- Rinaldi y ejecutada por Zooming On The Zoo.
track 8: música compuesta por A. Manzo y ejecutada por Definitive Gaze.

5/5

En 1988 Michele Soavi dirigió esta película escrita por Nick Alexander (la versión inglesa) y Dario Argento (versión italiana) y, para su banda sonora contó con el trabajo de dos monstruos sagrados del rock progresivo: por una parte los omnipresentes en la carrera de Argento, Goblin, más conocidos por sus trabajos relacionados con las bandas sonoras (inmensos) que por sus obras de rock sinfónico (selectivo, pero llenas de calidad), y el maestro del progresivo de los setenta, Keith Emerson.
El resultado es un trabajo elegante, con muchísima calidad y un propósito exhuberante. El tema principal, "The church", tocado por Emerson, es un trepidante ejercicio al Hammond y órgano de iglesia, ejecutado con grandiosidad sobre un ritmo desconcertante. emerson también firma "The possession" que, con un inicio de coros y órganos fantasmales, va retomando detalles del tema de los créditos iniciales, y es tocado de tal modo que el maestro en solitario llega a aterrarnos con el grandioso ambiente oscuro que recrea. La película concluye con "The church revisited" que, como en el de inicio, se puede apreciar el soberbio órgano de iglesia con elementos que aumentan la grandeza inicial. En la película también se puede escuchar el "Prelude 24" del Teclado Bien Temperado de Bach, tocado por Keith Emerson con grandilocuencia en sus claves más graves.
El resto de la banda sonora corre a cargo de unos Goblin pletóricos, con Fabio Pignatelli como líder indiscutible, que van desgranando piezas como "La chiesa", impresionante sin más, hermoso y terrorífico, creando una perfecta simbiosis entre belleza y terror, "Possessione", en el que se nota que los italianos son maestros del género por los ambientes misteriosos que saben crear como nadie, y "Lotte" y sus aires solemnes en los coros femeninos.
La reedición incluye cuatro temas más: "The church" en su versión de sencillo con un resultado, por parte de Keith Emerson, explosivo y diferente, y tres cortes firmados por Goblin, "La chiesa (suite)", donde reelaboran "Possessione" y "La chiesa", uniéndolas, y "Suspence chiesa 1" y "Suspence chiesa 2", donde dan rienda suelta a los ambientes siniestros, inquietantes y horrendos, fundamentalmente creados por paisajes sombríos a los teclados.
¿Qué mejor que dos monstruos narrativos musicales (Emerson y Goblin" para dar forma a una banda sonora de terror? Sin duda, una de las mejores uniones para lograr un sobrecogedor resultado.