EMTIDI (1970)

El debut homónimo de Emtidi, lanzado en 1970, es una grabación singular que refleja la efervescencia musical de la Alemania de finales de los años sesenta y principios de los setenta. En una época marcada por la exploración sonora y la ruptura con las estructuras musicales tradicionales, Emtidi encarna el espíritu de la contracultura y la influencia del movimiento folk internacional. El dúo formado por Maik Hirschfeldt y Dolly Holmes consiguió fusionar elementos del folk anglosajón con matices psicodélicos y un enfoque lírico que evocaba paisajes naturales y estados de reflexión interior, lo que les permitió situarse como pioneros dentro de la escena folk alemana.

La importancia de Emtidi radica en su capacidad para abrir nuevas posibilidades dentro de un género que estaba en plena evolución. Temas como el explícito "Let the joint go round" y "Flutepiece", que cierra el disco, destacan por su instrumentación minimalista pero efectiva que crean un ambiente etéreo y profundamente emocional. Este enfoque innovador marcó un punto de inflexión en el krautrock y en el folk progresivo, al demostrar que la sofisticación musical podía lograrse con un enfoque acústico, desafiando la predominancia de las composiciones eléctricas y sinfónicas del rock progresivo más convencional.

Para el admirador del prog folk y del folk alemán de los años setenta, es innegable que Emtidi sentó las bases para lo que vendría después, influyendo en bandas como Hölderlin y Broselmaschine. Su debut es un testimonio de cómo la escena alemana adoptó y reinterpretó tendencias internacionales, creando un sonido propio que dialogaba tanto con las raíces folclóricas como con las innovaciones del rock psicodélico.

Emtidi, en una primera escucha, me sorprendió por su sencillez instrumental y sonora, con una atmósfera pastoral y minimalista que capturaba la esencia del acid folk krautrock. Aunque encantador en su desnudez y enfoque bucólico, el álbum me desconcertó ya que se siente excesivamente simple frente a la riqueza y complejidad que alcanzaron en Saat (1972), que había adquirido previamente. Su encanto, en todo caso, radica en ser un punto de partida que deja entrever el potencial que florecería en su siguiente obra.

IMÁN, CALIFATO INDEPENDIENTE (1978)

El álbum homónimo de Imán, Califato Independiente es una obra maestra que trasciende el marco del rock progresivo español, ofreciendo un testimonio único de experimentación y síntesis cultural. Este disco no solo despliega las influencias típicas del progresivo setentero, con reminiscencias de Pink Floyd, Camel o King Crimson, sino que establece un diálogo profundamente enraizado con las tradiciones musicales andaluzas. La fusión entre el rock sinfónico y los ecos del flamenco se convierte en un viaje sonoro casi espiritual, donde las atmósferas instrumentales logran evocar paisajes del sur de España, transformando el álbum en un relato sonoro que captura la esencia de una identidad cultural renovada.

Lo que distingue a este disco de otros exponentes contemporáneos es su capacidad para amalgamar elementos que, a primera vista, parecen opuestos. Temas como "Tarantos del Califato Independiente" no solo introducen compases flamencos en un entorno sinfónico, sino que también se aventuran en pasajes que remiten a las músicas del Magreb y a tradiciones árabes, reflejando la diversidad histórica de Andalucía. Además, las estructuras complejas y los cambios de ritmo, característicos del género progresivo, son abordados con un virtuosismo instrumental que no busca deslumbrar, sino construir narrativas emocionales. Cada instrumento, desde la guitarra de Manuel Rodríguez hasta los teclados de Marcos Mantero, es utilizado como una herramienta expresiva al servicio del concepto global, enfatizando el álbum como una obra de arte colectivo en lugar de un escaparate individualista.

La relevancia de Imán, Califato Independiente en el género progresivo no solo reside en su calidad musical, sino en su visión anticipatoria. En un momento en el que la música progresiva internacional comenzaba a fragmentarse o a ser apropiada por la comercialización, Imán ofreció una propuesta profundamente local, pero con una proyección universal. Este disco posee una carga conceptual definida: la reivindicación de una identidad cultural compleja y mestiza a través de un lenguaje musical contemporáneo. En retrospectiva, este álbum puede considerarse no solo un hito musical, sino un manifiesto cultural que, con su osadía y belleza, sigue desafiando etiquetas y reafirmando su vigencia.

Escuchar Imán, Califato Independiente fue una experiencia que me dejó completamente asombrado, como si hubiese descubierto un tesoro inesperado en el panorama musical español. Nunca imaginé encontrar un disco que aquí alcanzara tal nivel de calidad, coherencia y apertura sonora, fusionando lo mejor del rock progresivo internacional con una originalidad profundamente arraigada en el Mediterráneo. La capacidad del grupo para entrelazar paisajes musicales tan diversos, sin perder su identidad ni caer en imitaciones, resulta simplemente magistral, verdaderamente universal y atemporal.

STEPS AHEAD: N.Y.C. (1989)

Lanzado en 1989, es una joya en la discografía de Steps Ahead, una banda emblemática en la escena del jazz fusión estadounidense. Este álbum captura la esencia de una época vibrante para el género, combinando la innovación tecnológica con la maestría instrumental característica del grupo. La alineación de la banda en este período incluía al alma del grupo, Mike Mainieri, en piano, sintetizadores y vibráfono MIDI, el joven saxofonista Bendik Hofseth, quien también aportaba en los teclados, y otros músicos de renombre como el omnipresente de la escena fusionera Steve Khan a la guitarra, Tony Levin en el bajo o Steve Smith, batería.

Grabado en los estudios Centerfield, N.Y.C. intenta reflejar el espíritu, la energía y diversidad de la ciudad que lo inspira. Las composiciones presentan una fusión, evidentemente, de estilos que van desde el post-bop hasta elementos más contemporáneos, evidenciando la capacidad de Steps Ahead para adaptarse a los 90 del siglo pasado. Temas destacados como el que abre el disco, "Well, in that case", y "Lust for life" demuestran la destreza técnica y la sensibilidad musical de la banda, envolvente y sofisticada.

La trayectoria de Steps Ahead, formada en 1979 en Nueva York, ha estado marcada por constantes innovaciones y una rotación de músicos de primer nivel que han dejado su huella en cada producción. N.Y.C. se sitúa en un momento clave de su carrera, consolidando su influencia en la escena del jazz fusión y destacando su compromiso con la exploración sonora.

En mi opinión, estamos ante una obra que equilibra magistralmente la fluidez y la complejidad, un álbum que se despliega como un viaje sonoro lleno de texturas y esencias. Cada tema fluye con una naturalidad que envuelve al oyente, mientras su estructura intrincada y la maestría de sus músicos ofrecen capas de profundidad que invitan a su degustación. Este disco consolida su lugar como pioneros de un jazz fusión que permanece fresco todavía hoy en día.

KLAUS SCHULZE: ROYAL FESTIVAL HALL VOLUME 2 (1992)

Lanzado el 9 de noviembre de 1992, es el vigésimo quinto álbum de Klaus Schulze, figura emblemática de la música electrónica experimental, ambiental y espacial, conocido por su habilidad para crear paisajes sonoros innovadores y emotivos que sentaron las bases del género y lo impulsaron hacia nuevas fronteras artísticas. Este álbum captura la esencia de su actuación en el Royal Festival Hall de Londres el 10 de septiembre de 1991, complementada con grabaciones adicionales realizadas en 1992.

En este período, Schulze continuaba explorando y expandiendo los límites de la música electrónica, consolidando su influencia en el género. Royal Festival Hall Volume 2 refleja su maestría en la creación de paisajes sonoros envolventes y atmósferas hipnóticas, características distintivas de su estilo. La combinación de sintetizadores analógicos y digitales, junto con su habilidad para la improvisación en vivo, ofrece una experiencia auditiva profunda y trascendental.

Para los seguidores de Schulze, este álbum es una joya que sintetiza, nunca mejor dicho, la evolución de su trayectoria artística. Las composiciones, todas creadas por él, demuestran su capacidad para fusionar elementos clásicos con innovaciones electrónicas, creando piezas que resuenan con emotividad y profundidad. Este trabajo no solo destaca la destreza técnica de Schulze, sino también su visión artística, consolidándolo como un pionero y referente indiscutible en la música electrónica contemporánea.

Este álbum te maravilla y cautiva por completo. Su belleza emocional trasciende lo puramente auditivo, transportándome a un universo donde cada nota parece latir con vida propia. Los procesos instrumentales son casi anímicos, como si los sintetizadores respiraran y vibraran con emociones humanas, logrando una conexión íntima y poderosa. La perfecta ejecución de Schulze, con su dominio absoluto de la improvisación y la tecnología sonora, convierte este álbum en una experiencia inolvidable, un auténtico viaje espiritual.

BLOOD, SWEAT AND TEARS: CHILD IS FATHER TO THE MAN (1968)

El debut de los norteamericanos marcó un antes y un después para Blood, Sweat & Tears, gracias a la visión de su fundador, Al Kooper. Este álbum destacó por fusionar de manera única el rock, el jazz y el blues con arreglos orquestales, estableciendo un estándar innovador para la música de la época. Grabado con rapidez, se dice que en tan sólo dos semanas a finales de 1967, bajo producción de John Simon, el disco contó con una alineación excepcional de músicos, cuya sección de metales fue un sello distintivo que definió el sonido de la banda en esta etapa inicial.

Musicalmente, el álbum es un despliegue de virtuosismo y diversidad. Temas como "I love you more than you’ll ever know" y "I can’t quit her" combinan letras conmovedoras con arreglos complejos, mientras que piezas como "Overture" y "My days are numbered" muestran la habilidad del grupo para incorporar influencias de música clásica y jazz en un contexto de rock progresivo. La inclusión del sintetizador Ondioline y colaboraciones como la de Anahid Ajemian en el violín enriquecen aún más la experiencia auditiva, reflejando la ambición artística del proyecto.

Aunque comercialmente no alcanzó grandes cifras, el impacto de este álbum se ha mantenido a lo largo del tiempo, y con razón. Child Is Father to the Man es una obra maestra que captura el espíritu experimental de finales de los años 60 y destaca como uno de los mejores ejemplos de la capacidad de Blood, Sweat & Tears para romper barreras estilísticas. En mi opinión, un clásico ineludible para los seguidores del grupo y los amantes de la música innovadora.

HARALD GROSSKOPF: OCEANHEART (1986)

Harald Grosskopf, reconocido por su trabajo como baterista en bandas emblemáticas como Ash Ra Tempel y Wallenstein, lanzó en 1986 su segundo álbum en solitario, Oceanheart. Este trabajo representa una evolución significativa respecto a su debut Synthesist (1980), incorporando de manera más pronunciada los sonidos electrónicos característicos de la década de los 80. El álbum consta de seis pistas que fusionan elementos de la Escuela de Berlín con influencias de la música ambient y el synth-pop emergente de la época.

Musicalmente, Oceanheart se distingue por su atmósfera optimista y accesible, en contraste con la tonalidad más oscura de su predecesor. Temas como "Eve on the hill" y "Minimal boogie" destacan por sus estructuras repetitivas y sutiles variaciones, recordando en cierta medida al trabajo de Steve Reich. La incorporación de percusiones electrónicas con efectos de eco, típicas de los años 80, añade una capa rítmica que complementa las texturas sintéticas predominantes.

A pesar de estar profundamente arraigado en los sonidos de su tiempo, Oceanheart mantiene la destreza compositiva de Grosskopf, ofreciendo una experiencia auditiva que equilibra la innovación tecnológica con la sensibilidad melódica. Aunque no alcanzó la notoriedad de Synthesist, este álbum es una pieza valiosa para quienes desean explorar la transición de la música electrónica alemana hacia las estéticas de los años 80, reflejando la capacidad de Grosskopf para adaptarse y evolucionar dentro de un panorama musical en constante cambio.

HOPO: DIETRO LA FINESTRA (1991)

Hopo, banda italiana de rock progresivo, lanzó en 1991 su segundo álbum Dietro la Finestra, una obra que refleja la rica tradición del progresivo italiano. El disco, editado en vinilo por el propio grupo en edición limitada, consta de seis temas que sumergen al oyente en atmósferas complejas y emotivas. La canción que da título al álbum, "Dietro la finestra", abre el repertorio con una duración de más de siete minutos, estableciendo el tono para una experiencia auditiva profunda y reflexiva.

Musicalmente, Hopo se inspira en las grandes bandas del rock progresivo de los años 70, como Premiata Forneria Marconi y Banco del Mutuo Soccorso, incorporando elementos sinfónicos y pasajes instrumentales elaborados. Las composiciones presentan cambios de ritmo y dinámicas que mantienen al oyente en constante expectativa. Temas como "Un uovo di cristallo" y "La luna gioca ancora" destacan por su complejidad y belleza melódica, evidenciando la destreza técnica y creatividad del grupo.

A pesar de su calidad, Dietro la Finestra no alcanzó una amplia difusión, convirtiéndose en una joya oculta para los amantes del género. La limitada distribución del álbum en formato vinilo ha contribuido a su estatus de culto entre coleccionistas y seguidores del rock progresivo italiano. La producción cuidada y la pasión evidente en cada pista hacen de este trabajo una pieza esencial para quienes buscan profundizar en la escena progresiva de Italia.
 

PASSPORT: TALK BACK (1988)

Talk back es una joya en la extensa discografía de Passport, liderada por el legendario Klaus Doldinger. Este álbum captura la esencia de la banda alemana, que ha definido el jazz fusión europeo desde los años 70. A lo largo de los nueve temas, Passport combina magistralmente el jazz, el rock y elementos electrónicos, logrando una atmósfera única que recuerda su estilo característico, pero con una frescura que evidencia su constante evolución. Temas como "Dancing in the wind" y "Talk back" son ejemplos perfectos de la capacidad del grupo para crear melodías envolventes y ritmos vibrantes.

El espíritu innovador de Passport se mantiene intacto en este álbum gracias al liderazgo visionario de Doldinger y la colaboración de músicos destacados como Alphonse Mouzon y Brian Auger, quienes aportan profundidad y dinamismo al sonido. Aunque la alineación de la banda ha cambiado con los años, la cohesión en Talk back es innegable. La destreza técnica y la pasión de los intérpretes brillan en cada nota, haciendo de este álbum una experiencia imprescindible para los amantes del jazz-rock y la fusión.

Talk back es una declaración de la madurez artística de Passport y un tributo a su legado en la escena musical. Para los seguidores de la banda, este disco es un recordatorio del impacto que han tenido en la música contemporánea, mientras que para los nuevos oyentes debería ser una puerta de entrada a un universo sonoro fascinante. Sin duda, una obra que confirma por qué Passport sigue siendo una referencia indiscutible en el jazz fusión.

AMOEBA SPLIT: TODOS LOS ANIMALES SON IGUALES (2024)

 

Todos los Animales Son Iguales, el más reciente trabajo de Amoeba Split, es un regalo único para los amantes del rock progresivo, el jazz contemporáneo y los sonidos del Canterbury. Este álbum, lanzado este pasado diciembre de 2024, fue grabado en directo en el icónico Jazz Filloa de A Coruña y está inspirado en la novela Rebelión en la Granja de George Orwell. Consta de tres extensas piezas que representan etapas clave de la obra: “La revolución”, “La opresión” y “La decepción”. Además de su significado conceptual, el disco destaca por su edición limitada en vinilo de 180 gramos, con solo 100 unidades numeradas, lo que lo convierte en un objeto de colección para los seguidores más apasionados.

Desde los primeros acordes, queda meridianamente claro que no estamos ante una simple grabación en vivo, sino frente a una obra que destila el espíritu del momento y lo eleva a algo perdurable. La música es una delicia: una combinación de estructura y libertad ricas en texturas, improvisaciones jazzísticas presentes a lo largo de la escucha, pero nunca como un fin en ellas mismas sino como vehículo para explorar nuevas dimensiones musicales, y un enfoque narrativo que nos sumerge en la historia. La banda, liderada por el talentoso Alberto Villarroya, cuenta con una formación sólida que incluye saxofones, flauta, órgano Hammond y una sección rítmica impecable. Este disco no solo es un testimonio de su maestría musical, sino también de su capacidad para abordar temas profundos con sensibilidad artística. La mezcla y masterización, a cargo de Ezequiel Orol, realzan la calidad sonora de este trabajo que ya ha conquistado a sus seguidores, agotando todas las copias en apenas una semana.

Amoeba Split continúa demostrando por qué es una de las bandas más destacadas de la escena progresiva actual. Con una trayectoria que incluye joyas como Dance of the Goodbyes y Quiet Euphoria, y colaboraciones recientes como la realizada con Richard Sinclair, este nuevo álbum reafirma su compromiso con la innovación y la calidad.

Lo que hace especial a este álbum es su capacidad para capturar la conexión entre la banda y su audiencia. Hay una sensación palpable de comunidad, como si cada nota fuera una invitación a un espacio compartido de creatividad y emoción. En un panorama musical que a menudo prioriza la perfección técnica sobre la autenticidad, Amoeba Split nos recuerda el poder de la música en vivo: su inmediatez, su imperfección y, sobre todo, su humanidad. Todos los Animales Son Iguales es mucho más que un disco en vivo; es una experiencia emocional y musical que quedará grabada en la memoria de quienes lo escuchamos.