IMÁN, CALIFATO INDEPENDIENTE (1978)

El álbum homónimo de Imán, Califato Independiente es una obra maestra que trasciende el marco del rock progresivo español, ofreciendo un testimonio único de experimentación y síntesis cultural. Este disco no solo despliega las influencias típicas del progresivo setentero, con reminiscencias de Pink Floyd, Camel o King Crimson, sino que establece un diálogo profundamente enraizado con las tradiciones musicales andaluzas. La fusión entre el rock sinfónico y los ecos del flamenco se convierte en un viaje sonoro casi espiritual, donde las atmósferas instrumentales logran evocar paisajes del sur de España, transformando el álbum en un relato sonoro que captura la esencia de una identidad cultural renovada.

Lo que distingue a este disco de otros exponentes contemporáneos es su capacidad para amalgamar elementos que, a primera vista, parecen opuestos. Temas como "Tarantos del Califato Independiente" no solo introducen compases flamencos en un entorno sinfónico, sino que también se aventuran en pasajes que remiten a las músicas del Magreb y a tradiciones árabes, reflejando la diversidad histórica de Andalucía. Además, las estructuras complejas y los cambios de ritmo, característicos del género progresivo, son abordados con un virtuosismo instrumental que no busca deslumbrar, sino construir narrativas emocionales. Cada instrumento, desde la guitarra de Manuel Rodríguez hasta los teclados de Marcos Mantero, es utilizado como una herramienta expresiva al servicio del concepto global, enfatizando el álbum como una obra de arte colectivo en lugar de un escaparate individualista.

La relevancia de Imán, Califato Independiente en el género progresivo no solo reside en su calidad musical, sino en su visión anticipatoria. En un momento en el que la música progresiva internacional comenzaba a fragmentarse o a ser apropiada por la comercialización, Imán ofreció una propuesta profundamente local, pero con una proyección universal. Este disco posee una carga conceptual definida: la reivindicación de una identidad cultural compleja y mestiza a través de un lenguaje musical contemporáneo. En retrospectiva, este álbum puede considerarse no solo un hito musical, sino un manifiesto cultural que, con su osadía y belleza, sigue desafiando etiquetas y reafirmando su vigencia.

Escuchar Imán, Califato Independiente fue una experiencia que me dejó completamente asombrado, como si hubiese descubierto un tesoro inesperado en el panorama musical español. Nunca imaginé encontrar un disco que aquí alcanzara tal nivel de calidad, coherencia y apertura sonora, fusionando lo mejor del rock progresivo internacional con una originalidad profundamente arraigada en el Mediterráneo. La capacidad del grupo para entrelazar paisajes musicales tan diversos, sin perder su identidad ni caer en imitaciones, resulta simplemente magistral, verdaderamente universal y atemporal.

STEPS AHEAD: N.Y.C. (1989)

Lanzado en 1989, es una joya en la discografía de Steps Ahead, una banda emblemática en la escena del jazz fusión estadounidense. Este álbum captura la esencia de una época vibrante para el género, combinando la innovación tecnológica con la maestría instrumental característica del grupo. La alineación de la banda en este período incluía al alma del grupo, Mike Mainieri, en piano, sintetizadores y vibráfono MIDI, el joven saxofonista Bendik Hofseth, quien también aportaba en los teclados, y otros músicos de renombre como el omnipresente de la escena fusionera Steve Khan a la guitarra, Tony Levin en el bajo o Steve Smith, batería.

Grabado en los estudios Centerfield, N.Y.C. intenta reflejar el espíritu, la energía y diversidad de la ciudad que lo inspira. Las composiciones presentan una fusión, evidentemente, de estilos que van desde el post-bop hasta elementos más contemporáneos, evidenciando la capacidad de Steps Ahead para adaptarse a los 90 del siglo pasado. Temas destacados como el que abre el disco, "Well, in that case", y "Lust for life" demuestran la destreza técnica y la sensibilidad musical de la banda, envolvente y sofisticada.

La trayectoria de Steps Ahead, formada en 1979 en Nueva York, ha estado marcada por constantes innovaciones y una rotación de músicos de primer nivel que han dejado su huella en cada producción. N.Y.C. se sitúa en un momento clave de su carrera, consolidando su influencia en la escena del jazz fusión y destacando su compromiso con la exploración sonora.

En mi opinión, estamos ante una obra que equilibra magistralmente la fluidez y la complejidad, un álbum que se despliega como un viaje sonoro lleno de texturas y esencias. Cada tema fluye con una naturalidad que envuelve al oyente, mientras su estructura intrincada y la maestría de sus músicos ofrecen capas de profundidad que invitan a su degustación. Este disco consolida su lugar como pioneros de un jazz fusión que permanece fresco todavía hoy en día.

KLAUS SCHULZE: ROYAL FESTIVAL HALL VOLUME 2 (1992)

Lanzado el 9 de noviembre de 1992, es el vigésimo quinto álbum de Klaus Schulze, figura emblemática de la música electrónica experimental, ambiental y espacial, conocido por su habilidad para crear paisajes sonoros innovadores y emotivos que sentaron las bases del género y lo impulsaron hacia nuevas fronteras artísticas. Este álbum captura la esencia de su actuación en el Royal Festival Hall de Londres el 10 de septiembre de 1991, complementada con grabaciones adicionales realizadas en 1992.

En este período, Schulze continuaba explorando y expandiendo los límites de la música electrónica, consolidando su influencia en el género. Royal Festival Hall Volume 2 refleja su maestría en la creación de paisajes sonoros envolventes y atmósferas hipnóticas, características distintivas de su estilo. La combinación de sintetizadores analógicos y digitales, junto con su habilidad para la improvisación en vivo, ofrece una experiencia auditiva profunda y trascendental.

Para los seguidores de Schulze, este álbum es una joya que sintetiza, nunca mejor dicho, la evolución de su trayectoria artística. Las composiciones, todas creadas por él, demuestran su capacidad para fusionar elementos clásicos con innovaciones electrónicas, creando piezas que resuenan con emotividad y profundidad. Este trabajo no solo destaca la destreza técnica de Schulze, sino también su visión artística, consolidándolo como un pionero y referente indiscutible en la música electrónica contemporánea.

Este álbum te maravilla y cautiva por completo. Su belleza emocional trasciende lo puramente auditivo, transportándome a un universo donde cada nota parece latir con vida propia. Los procesos instrumentales son casi anímicos, como si los sintetizadores respiraran y vibraran con emociones humanas, logrando una conexión íntima y poderosa. La perfecta ejecución de Schulze, con su dominio absoluto de la improvisación y la tecnología sonora, convierte este álbum en una experiencia inolvidable, un auténtico viaje espiritual.

BLOOD, SWEAT AND TEARS: CHILD IS FATHER TO THE MAN (1968)

El debut de los norteamericanos marcó un antes y un después para Blood, Sweat & Tears, gracias a la visión de su fundador, Al Kooper. Este álbum destacó por fusionar de manera única el rock, el jazz y el blues con arreglos orquestales, estableciendo un estándar innovador para la música de la época. Grabado con rapidez, se dice que en tan sólo dos semanas a finales de 1967, bajo producción de John Simon, el disco contó con una alineación excepcional de músicos, cuya sección de metales fue un sello distintivo que definió el sonido de la banda en esta etapa inicial.

Musicalmente, el álbum es un despliegue de virtuosismo y diversidad. Temas como "I love you more than you’ll ever know" y "I can’t quit her" combinan letras conmovedoras con arreglos complejos, mientras que piezas como "Overture" y "My days are numbered" muestran la habilidad del grupo para incorporar influencias de música clásica y jazz en un contexto de rock progresivo. La inclusión del sintetizador Ondioline y colaboraciones como la de Anahid Ajemian en el violín enriquecen aún más la experiencia auditiva, reflejando la ambición artística del proyecto.

Aunque comercialmente no alcanzó grandes cifras, el impacto de este álbum se ha mantenido a lo largo del tiempo, y con razón. Child Is Father to the Man es una obra maestra que captura el espíritu experimental de finales de los años 60 y destaca como uno de los mejores ejemplos de la capacidad de Blood, Sweat & Tears para romper barreras estilísticas. En mi opinión, un clásico ineludible para los seguidores del grupo y los amantes de la música innovadora.

HARALD GROSSKOPF: OCEANHEART (1986)

Harald Grosskopf, reconocido por su trabajo como baterista en bandas emblemáticas como Ash Ra Tempel y Wallenstein, lanzó en 1986 su segundo álbum en solitario, Oceanheart. Este trabajo representa una evolución significativa respecto a su debut Synthesist (1980), incorporando de manera más pronunciada los sonidos electrónicos característicos de la década de los 80. El álbum consta de seis pistas que fusionan elementos de la Escuela de Berlín con influencias de la música ambient y el synth-pop emergente de la época.

Musicalmente, Oceanheart se distingue por su atmósfera optimista y accesible, en contraste con la tonalidad más oscura de su predecesor. Temas como "Eve on the hill" y "Minimal boogie" destacan por sus estructuras repetitivas y sutiles variaciones, recordando en cierta medida al trabajo de Steve Reich. La incorporación de percusiones electrónicas con efectos de eco, típicas de los años 80, añade una capa rítmica que complementa las texturas sintéticas predominantes.

A pesar de estar profundamente arraigado en los sonidos de su tiempo, Oceanheart mantiene la destreza compositiva de Grosskopf, ofreciendo una experiencia auditiva que equilibra la innovación tecnológica con la sensibilidad melódica. Aunque no alcanzó la notoriedad de Synthesist, este álbum es una pieza valiosa para quienes desean explorar la transición de la música electrónica alemana hacia las estéticas de los años 80, reflejando la capacidad de Grosskopf para adaptarse y evolucionar dentro de un panorama musical en constante cambio.

HOPO: DIETRO LA FINESTRA (1991)

Hopo, banda italiana de rock progresivo, lanzó en 1991 su segundo álbum Dietro la Finestra, una obra que refleja la rica tradición del progresivo italiano. El disco, editado en vinilo por el propio grupo en edición limitada, consta de seis temas que sumergen al oyente en atmósferas complejas y emotivas. La canción que da título al álbum, "Dietro la finestra", abre el repertorio con una duración de más de siete minutos, estableciendo el tono para una experiencia auditiva profunda y reflexiva.

Musicalmente, Hopo se inspira en las grandes bandas del rock progresivo de los años 70, como Premiata Forneria Marconi y Banco del Mutuo Soccorso, incorporando elementos sinfónicos y pasajes instrumentales elaborados. Las composiciones presentan cambios de ritmo y dinámicas que mantienen al oyente en constante expectativa. Temas como "Un uovo di cristallo" y "La luna gioca ancora" destacan por su complejidad y belleza melódica, evidenciando la destreza técnica y creatividad del grupo.

A pesar de su calidad, Dietro la Finestra no alcanzó una amplia difusión, convirtiéndose en una joya oculta para los amantes del género. La limitada distribución del álbum en formato vinilo ha contribuido a su estatus de culto entre coleccionistas y seguidores del rock progresivo italiano. La producción cuidada y la pasión evidente en cada pista hacen de este trabajo una pieza esencial para quienes buscan profundizar en la escena progresiva de Italia.
 

PASSPORT: TALK BACK (1988)

Talk back es una joya en la extensa discografía de Passport, liderada por el legendario Klaus Doldinger. Este álbum captura la esencia de la banda alemana, que ha definido el jazz fusión europeo desde los años 70. A lo largo de los nueve temas, Passport combina magistralmente el jazz, el rock y elementos electrónicos, logrando una atmósfera única que recuerda su estilo característico, pero con una frescura que evidencia su constante evolución. Temas como "Dancing in the wind" y "Talk back" son ejemplos perfectos de la capacidad del grupo para crear melodías envolventes y ritmos vibrantes.

El espíritu innovador de Passport se mantiene intacto en este álbum gracias al liderazgo visionario de Doldinger y la colaboración de músicos destacados como Alphonse Mouzon y Brian Auger, quienes aportan profundidad y dinamismo al sonido. Aunque la alineación de la banda ha cambiado con los años, la cohesión en Talk back es innegable. La destreza técnica y la pasión de los intérpretes brillan en cada nota, haciendo de este álbum una experiencia imprescindible para los amantes del jazz-rock y la fusión.

Talk back es una declaración de la madurez artística de Passport y un tributo a su legado en la escena musical. Para los seguidores de la banda, este disco es un recordatorio del impacto que han tenido en la música contemporánea, mientras que para los nuevos oyentes debería ser una puerta de entrada a un universo sonoro fascinante. Sin duda, una obra que confirma por qué Passport sigue siendo una referencia indiscutible en el jazz fusión.

AMOEBA SPLIT: TODOS LOS ANIMALES SON IGUALES (2024)

 

Todos los Animales Son Iguales, el más reciente trabajo de Amoeba Split, es un regalo único para los amantes del rock progresivo, el jazz contemporáneo y los sonidos del Canterbury. Este álbum, lanzado este pasado diciembre de 2024, fue grabado en directo en el icónico Jazz Filloa de A Coruña y está inspirado en la novela Rebelión en la Granja de George Orwell. Consta de tres extensas piezas que representan etapas clave de la obra: “La revolución”, “La opresión” y “La decepción”. Además de su significado conceptual, el disco destaca por su edición limitada en vinilo de 180 gramos, con solo 100 unidades numeradas, lo que lo convierte en un objeto de colección para los seguidores más apasionados.

Desde los primeros acordes, queda meridianamente claro que no estamos ante una simple grabación en vivo, sino frente a una obra que destila el espíritu del momento y lo eleva a algo perdurable. La música es una delicia: una combinación de estructura y libertad ricas en texturas, improvisaciones jazzísticas presentes a lo largo de la escucha, pero nunca como un fin en ellas mismas sino como vehículo para explorar nuevas dimensiones musicales, y un enfoque narrativo que nos sumerge en la historia. La banda, liderada por el talentoso Alberto Villarroya, cuenta con una formación sólida que incluye saxofones, flauta, órgano Hammond y una sección rítmica impecable. Este disco no solo es un testimonio de su maestría musical, sino también de su capacidad para abordar temas profundos con sensibilidad artística. La mezcla y masterización, a cargo de Ezequiel Orol, realzan la calidad sonora de este trabajo que ya ha conquistado a sus seguidores, agotando todas las copias en apenas una semana.

Amoeba Split continúa demostrando por qué es una de las bandas más destacadas de la escena progresiva actual. Con una trayectoria que incluye joyas como Dance of the Goodbyes y Quiet Euphoria, y colaboraciones recientes como la realizada con Richard Sinclair, este nuevo álbum reafirma su compromiso con la innovación y la calidad.

Lo que hace especial a este álbum es su capacidad para capturar la conexión entre la banda y su audiencia. Hay una sensación palpable de comunidad, como si cada nota fuera una invitación a un espacio compartido de creatividad y emoción. En un panorama musical que a menudo prioriza la perfección técnica sobre la autenticidad, Amoeba Split nos recuerda el poder de la música en vivo: su inmediatez, su imperfección y, sobre todo, su humanidad. Todos los Animales Son Iguales es mucho más que un disco en vivo; es una experiencia emocional y musical que quedará grabada en la memoria de quienes lo escuchamos.

KARL MARX WAS A BROKER: MONOSCOPE (2016)

 

Monoscope (2016) se presenta como una obra profundamente atmosférica que mezcla el post-rock, la electrónica experimental y el minimalismo, con toques de rock progresivo que enriquecen su propuesta. Karl Marx Was a Broker logra crear paisajes sonoros expansivos, equilibrando momentos introspectivos con dinámicas poderosas que invitan a una experiencia auditiva inmersiva y transformadora.

El álbum se nutre de una variedad de influencias, desde el krautrock de Can y el ambient de Eno hasta el espíritu exploratorio del rock progresivo vía King Crimson. Las estructuras complejas y la atención al detalle en la producción aportan una calidez orgánica que contrasta con su estética vanguardista. Este enfoque permite que la música evolucione de manera casi narrativa, jugando con texturas, ritmos y contrastes para mantener al oyente cautivado.

En su esencia, Monoscope es un homenaje a la capacidad transformadora de la música experimental y progresiva. Karl Marx Was a Broker demuestra una sensibilidad artística excepcional al crear una obra que demanda atención y recompensa con cada escucha, consolidando a la banda como una fuerza creativa en la música contemporánea.

TERRA NOVA (1980)

 

En el panorama del rock progresivo de finales de los 70 y principios de los 80, Terra Nova fue un proyecto breve pero ambicioso, surgido como una suerte de "nueva Earth Band". Fundada tras la disolución temporal de Manfred Mann's Earth Band en 1978, la banda estuvo liderada por dos pilares del grupo original: Chris Slade (batería) y Colin Pattenden (bajo), quienes se unieron a Pete Cox (voz), Chris West (guitarra) y Roy Shipston (teclados). Terra Nova se mueve por terrenos progresivos, heredando elementos característicos de la Manfred Mann's Earth Band, tales como el uso de sintetizadores y estructuras complejas. Sin embargo, también incorpora influencias de hard rock y elementos melódicos que aportan accesibilidad a su propuesta.

El álbum homónimo fue grabado en los Rock City Studios de Shepperton y en sus presentaciones en vivo, la banda no sólo interpretó temas propios, sino que también rindió homenaje a la Earth Band al incluir algunas de sus canciones en el repertorio. Sin embargo, la falta de éxito comercial y la partida de miembros clave, como Roy Shipston, marcaron el declive del grupo poco después de su formación.

A pesar de su corta existencia, Terra Nova dejó una huella interesante en la historia del rock clásico y progresivo. Si bien el álbum se está haciendo difícil de encontrar hoy en día, merece la pena buscarlo como una pieza perdida del árbol genealógico de la Earth Band. Terra Nova representa un capítulo efímero pero significativo para los seguidores de la Earth Band y del rock progresivo en general.

MICHEL HUYGEN: PLACEBO (2002)

 

Con Placebo, Michel Huygen entrega un álbum audaz que redefine su enfoque electrónico. Alejándose de lo etéreo y trascendental, esta obra se centra en el ritmo y la energía, ofreciendo una experiencia vitalista que inyecta dinamismo en el oyente. Desde los primeros compases, queda claro que este no es un álbum contemplativo, sino una celebración del movimiento y la acción.

El disco destaca por su sonido sólido y envolvente, con elementos que parecen moverse a nuestro alrededor, como si fueran tangibles. Los ritmos pulsantes y las líneas de bajo potentes marcan el tono, mientras los efectos electrónicos no solo adornan las melodías, sino que se integran como una parte esencial del tejido sonoro. Cada detalle está diseñado para conectar directamente con los sentidos, generando una atmósfera casi física.

Huygen demuestra aquí que la evolución no está reñida con la coherencia artística. Placebo es dinámico y, sobre todo, diferente, pero no pierde la esencia que lo define como uno de los nombres más creativos de la música electrónica.

RICK WAKEMAN: PIANO ODYSSEY (2018)

 

En Piano Odyssey, Rick Wakeman ofrece una obra que se siente tan majestuosa como íntima, un testimonio de su maestría al piano. El álbum combina interpretaciones profundamente personales de clásicos como "Bohemian Rhapsody" y "While my guitar gently weeps", con arreglos de piezas tradicionales y composiciones originales. En esta ocasión, Wakeman refina su enfoque minimalista, dejando que el piano ocupe todo el escenario, despojando cada nota de ornamentos innecesarios para revelar su núcleo emotivo. Hay algo casi confesional en su interpretación, como si el virtuoso teclista de Journey to the Centre of the Earth y The Six Wives of Henry VIII se hubiera retirado al estudio para contar sus historias más personales.

Comparado con otros trabajos de Wakeman al piano, como Piano Portraits (2017), este Piano Odyssey se siente más arriesgado y dinámico, aunque mantenga un hilo conductor similar en su sencillez y elegancia. Mientras Piano Portraits exploraba una serenidad introspectiva, Piano Odyssey da un paso adelante con su audaz selección de temas y un enfoque más cinematográfico, evocando paisajes sonoros que recuerdan su trabajo como compositor para bandas sonoras. La calidad técnica es innegable, pero no es la técnica lo que sobresale, sino la humanidad detrás de cada interpretación. Wakeman demuestra aquí que, incluso después de décadas de innovación, sigue evolucionando como artista.

Desde la perspectiva de su trayectoria discográfica, este álbum funciona como un testimonio de la flexibilidad de Wakeman. Si en los años 70 definió el rock progresivo con Yes y sus propias epopeyas conceptuales, aquí nos recuerda que su esencia como músico siempre ha sido la conexión emocional, ya sea a través de sintetizadores Moog o del más acústico piano de cola. Wakeman demuestra que mirar hacia atrás no implica repetir, sino reinterpretar, y que la verdadera genialidad reside en nunca perder la capacidad de sorprender, incluso con algo tan simple y puro como un piano.

JON AND VANGELIS: PAGE OF LIFE (1991)

 

A lo largo de los años, Jon Anderson y Vangelis Papathanassiou han tejido una colaboración musical única, un diálogo íntimo entre las inquietudes cósmicas de Anderson y los paisajes sonoros electrónicos de Vangelis. Su discografía previa, con gemas como Short Stories (1980), The Friends of Mr. Cairo (1981) y Private Collection (1983), estableció un equilibrio singular entre el lirismo casi místico de Anderson y el genio compositivo de Vangelis.

Centrándonos en el caso que nos ocupa, a pesar de sus momentos brillantes, el álbum resulta desigual en su conjunto. Canciones como "Jazzy box" parecen alejadas de la narrativa espiritual que caracteriza a Jon and Vangelis, revelando una cierta desconexión creativa que puede haber influido en el resultado final. Este contraste refleja quizá las tensiones de una colaboración que estaba llegando a su fin, como lo demuestra el hecho de que Vangelis se distanció de esta edición y lanzaría años después una versión alternativa más acorde con su visión personal.

Page of Life es, en última instancia, una mezcla de luces y sombras. Es un testimonio de una colaboración que, incluso en su etapa más titubeante, todavía tenía algo profundo que ofrecer. ¿Recomendado? Para los fanáticos acérrimos, sin duda; hay destellos suficientes de su grandeza pasada para justificar una escucha. Para el oyente casual, quizás sea más sensato comenzar con sus obras previas, donde el brillo del dúo está en plena forma. Que cada uno saque sus propias conclusiones.

AMAROK: SOL DE MEDIANOCHE (2007)

 

Amarok nos invita a un viaje sonoro fascinante donde el folk progresivo y las influencias de la world music se entrelazan en un diálogo armónico. Desde los primeros compases, el disco despliega una riqueza instrumental que combina flautas, mandolinas, percusiones étnicas y sintetizadores, creando paisajes sonoros de una belleza hipnótica. Comparado con referentes del género como Gryphon o The Incredible String Band, Amarok opta por un enfoque más contemplativo y melódico para profundizar en la creación de atmósferas mágicas y evocadoras.

En el contexto de su trayectoria, este disco en su momento supuso un hito de madurez para Amarok, alcanzado tras años de exploración musical. A diferencia de trabajos anteriores como Gibra’ara (2005), donde predominaba un enfoque más experimental, aquí encontramos una cohesión y un propósito narrativo claros. Las influencias celtas, mediterráneas y orientales no solo conviven, sino que dialogan de manera natural, construyendo un lenguaje único que confirma a Amarok como una de las propuestas más originales y sólidas del panorama progresivo español.

Sol de Medianoche destaca por su capacidad para emocionar y conectar a nivel profundo con el oyente. Frente a bandas como Iona, Amarok presenta un álbum con una profundidad y una carga emocional que lo hacen inolvidable. Es una obra que trasciende géneros y épocas, celebrando la diversidad y la universalidad de la música como lenguaje sonoro único, donde lo ancestral y lo actual se encuentran en perfecta armonía.

JOHN WETTON: BATTLE LINES (1994)

Pocos artistas aúnan con tanta elegancia la melancolía y el poder emocional de su época como John Wetton, y Battle Lines es un testimonio de su inconfundible arte. Conocido, sobre todo, por su trabajo en King Crimson, UK y Asia, este álbum marca un momento reflexivo y profundamente personal en su carrera. Esta joya de álbum refina su propuesta con un sonido cálido y pulido, contrastando con los paisajes progresivos más desafiantes que definieron sus primeros días. Aquí, Wetton parece mirar hacia atrás y hacia adentro, como un veterano musical que busca nuevas formas de contar sus historias de amor, pérdida y redención.

Hay ecos del rock progresivo, pero estos están suavemente destilados en baladas y canciones accesibles. Con producción de Ron Nevison, el álbum adopta una estética que quizás podría alienar a algunos puristas del prog, pero que se adapta perfectamente a la riqueza melódica y al lirismo directo de Wetton. Temas como "Battle lines" y "Hold me now" brillan con la intensidad emocional de un hombre que ha vivido tanto como ha soñado, canalizando esas experiencias en composiciones que oscilan entre lo majestuoso y lo desgarrador.

Sin embargo, lo que realmente eleva este álbum es la voz de Wetton: resonante, vulnerable y absolutamente honesta. Es una voz que lleva consigo los ecos de una generación. Su interpretación en Battle Lines tiene una gravedad que exige atención, incluso en sus momentos más sobrios. No será un disco que desafíe o rompa moldes como los de su juventud, pero es un recordatorio conmovedor de por qué el añorado John Wetton sigue siendo una figura tan querida e influyente en el mundo de la música. En pocas palabras, Battle Lines es un álbum que habla con el corazón y esa es, quizás, su mayor fortaleza.

WICHWOOD: HANDFUL OF STARS (2016)

En Handful of Stars, Witchwood amplía los horizontes trazados en su álbum debut, Litanies from the Wood, demostrando una madurez musical palpable y un enfoque aún más afinado hacia la tradición del rock progresivo y psicodélico. Mientras que Litanies evocaba una conexión terrenal, casi mística, con sus raíces folk, Handful of Stars se aventura más allá, explorando un sonido más expansivo y celestial, que hace honor a su título. Las composiciones son más audaces, con estructuras que fluyen como ríos serpenteantes, entrelazando pasajes melódicos con momentos de poderosa intensidad instrumental. Esta progresión no es sólo técnica, sino emocional: Witchwood ahora parece hablarle tanto al espíritu humano como a la naturaleza misma.

Comparado con los gigantes del género, como Jethro Tull o Uriah Heep, este álbum se posiciona con un respeto reverencial hacia sus influencias sin caer en el mero pastiche. En temas como "Like a giant in a cage", las líneas de guitarra recuerdan el virtuosismo lírico de Wishbone Ash, mientras que los arreglos de flauta y teclados coquetean con los paisajes sonoros de Camel. Sin embargo, Witchwood mantiene su identidad, con una producción que logra equilibrar una calidez analógica con un enfoque moderno y limpio.

Si el primero de los italianos era una ofrenda a las raíces del bosque, este segundo se eleva hacia los cielos, abrazando un lirismo más cósmico y universal. Los textos ahora no sólo narran historias, sino que invitan a la reflexión sobre la pequeñez del ser humano ante el vasto cosmos. Es un álbum que acepta con orgullo la comparación, mientras demuestra una identidad clara y la audacia de trazar su propio rumbo. Con su mezcla de lo antiguo y lo novedoso, Witchwood ha logrado crear un puente entre generaciones de oyentes, destinado a resistir el paso del tiempo.

TRAFFIC (1968)

El segundo álbum de Traffic, homónimo y lanzado en 1968, es una obra de madurez que captura a la banda en un momento crucial de su evolución. Si Mr. Fantasy era una explosión juvenil de psicodelia, Traffic encuentra al grupo explorando un rango más amplio de sonidos, desde el soul introspectivo de “No time to live” hasta el contagioso optimismo de “Feelin’ alright?”. En un año plagado de experimentación musical, Traffic logra algo especial: un disco que, sin ser abiertamente radical, se siente profundamente innovador en su equilibrio entre la improvisación y el refinamiento preciso, recordando a los trabajos contemporáneos de Procol Harum y Jethro Tull, aunque Traffic logra un sonido distintivo que nunca parece derivado.

La dinámica interna del grupo es el corazón del álbum. Steve Winwood aporta su característico tono vocal y un virtuosismo que permea cada rincón de las canciones, mientras Chris Wood teje líneas de flauta y saxofón que otorgan al disco un aire pastoral. Dave Mason, con su enfoque más directo, añade contraste con composiciones como “You can all join In”. El álbum fluye con una cohesión que lo coloca junto a trabajos de la época que recuerdan el enfoque expansivo de bandas como The Band en Music from Big Pink o los momentos más pastorales de Cream en Wheels of Fire.

Traffic es, en muchos sentidos, un puente. Entre el pop psicodélico de su debut y la sofisticación del posterior John Barleycorn Must Die, este álbum muestra a la banda explorando la interacción entre el rock, el jazz y las raíces folk. Hay honestidad palpable en los temas, una sensación de que cada miembro está completamente entregado al momento. Es, en definitiva, un álbum que revela más matices con cada escucha y que captura de manera brillante el espíritu explorador de finales de los sesenta.

BRIAN AUGER'S OBLIVION EXPRESS: KEYS TO THE HEART

Es una delicia para los aficionados al jazz, el soul y el groove que han seguido a Brian Auger a lo largo de su ilustre carrera. Keys to the Heart es un álbum que vibra con la energía característica de Auger, entrelazando su dominio del órgano Hammond con una sensibilidad contemporánea que, sin embargo, honra sus raíces. El álbum está impregnado de una calidez casi palpable, como si Auger estuviera tocando directamente desde su salón para una audiencia íntima. Auger parece haber encontrado un equilibrio entre el virtuosismo y la emoción pura, entregando un trabajo que resulta tan inspirador como accesible.

En comparación con sus primeras obras con Oblivion Express en los años 70, como Second Wind o Closer to It!, este álbum adopta un enfoque más intimista. Mientras que aquellos discos eran explosiones de fusión jazz-rock con una intensidad casi febril, Keys to the Heart se disfruta como un reflejo de un hombre más asentado, pero no menos apasionado. La conexión espiritual que Auger tiene con su música sigue siendo evidente, pero aquí se manifiesta con un enfoque menos agresivo y más contemplativo.

Siendo alguien que durante décadas fue motor para la innovación musical, Auger demuestra aquí que no es sólo un maestro de su instrumento, sino también un intérprete de emociones humanas, cuyo virtuosismo sirve más como un vehículo para la narración emocional que como un fin en sí mismo. Para los que han seguido su trayectoria, este álbum es una prueba de que Brian Auger sigue evolucionando. Es un disco que no solo se escucha, sino que se siente, y eso es lo que hace que Auger siga siendo tan relevante como siempre.

SYNDONE: SPLEEN (1992)

El debut de los italianos, que merecería más reconocimiento por la comunidad progresiva, es una obra que destila una intensa admiración por el legado del progresivo de los años 70 arraigado en las tradiciones italianas de los años setenta, como Premiata Forneria Marconi o Banco del Mutuo Soccorso, pero con un enfoque contemporáneo para su época. Además, desde la primera nota, el espíritu de Keith Emerson parece habitar cada rincón de esta producción, con su característica mezcla de virtuosismo en los teclados, estructuras complejas y una exuberancia casi teatral.

Las influencias en Spleen son evidentes, pero nunca abrumadoras. Más allá de Emerson, se escuchan ecos de Gentle Giant y Genesis, aunque con una instrumentación menos convencional. Syndone prescinde de la guitarra eléctrica como protagonista, apostando por un enfoque en los teclados y el vibrante uso del Moog, Hammond y piano clásico, lo que le da al álbum un sonido singular dentro del prog de los 90, oscilando entre la grandilocuencia épica y momentos de calma interior. Es un álbum que reverencia el pasado, pero también busca expresar una angustia y un lirismo que son completamente suyos.

Syndone canaliza la energía de sus héroes sin perder su identidad; este no es un disco que se contenta con quedarse en la sombra de los gigantes. Más bien, construye su propio monumento, aunque claramente inspirado, con un enfoque que refleja tanto respeto como innovación. En una época donde el rock progresivo luchaba por relevancia, Spleen emerge como una gema olvidada, una oda tanto a los maestros como al futuro que buscaban imaginar.

AMAROK: CANCIONES PARA UN PLANETA HERIDO (2024, AZAFRÁN MEDIA)

AMAROK: CANCIONES PARA UN PLANETA HERIDO (2024, AZAFRÁN MEDIA) 

Temas:

CAPÍTULO I

1. I.A 8:46
2. Permafrost 8:39
3. Cuatro erizos 4:24
4. Los secretos del río 8:28
5. Gunung Padang 8:49
6. El imperio del plástico 4:16
7. M'goun 2024 7:05

CAPÍTULO II

1. Bosques silenciosos 10:08
2. Solastalgia 7:53
3. El abrazo del árbol 2:57
4. La Puerta de Hegra 5:28
5. Mujer Luna 2024 4:55
6. Numa 3:06
7. Madre Agua 15:54

Músicos: 

Robert Santamaría: teclados, programaciones, guitarras de 12 cuerdas, kanun, saz, santur, melódica, golckenspiel, kalimba, percusiones.

Marta Segura: voces.

Manel Mayol: flauta travesera, tin whistle, flauta dulce.

Pau Zañartu: batería.

Renato di Princio: batería, ensemble de zarb, riq y daf.

Jordi Rallo: tabla.

Alan Chehab: bouzouki griego.

Tarik Smith: trompeta.

Berna Jones: violín.

Joan Miró: oud y voces.

Víctor Estrada: theremín.

Nuria Martínez: palmas.

Luis Blanco: vibraslap.

 

Extensa y delicada odisea de Amarok, que presenta una bitácora de viajes por el progresivo occidental y la tradición oriental para deleitarnos con un ejercicio que se me antoja el más intimista de los de Robert Santamaría. Quizá este doble trabajo, dividido en dos capítulos, muestra el cenit de un grupo dedicado a desgranar esencias que van perfumando la escucha de cada uno de los temas aquí contenidos.

Es más, yo lo consideraría junto a Hayat Yolunda (2015) y El Ojo del Mundo (2021) el cierre perfecto de una trilogía panteísta tanto por su temática como por su colección de melodías y armonías. Incluso se recupera temas clásicos y extremadamente queridos del repertorio de Amarok destacando “Mujer Luna” o un maravilloso “M’Goun” contenido en Tierra de Especias de 2000, lo cual reafirmaría mi punto de vista en el que el Universo y la Naturaleza es una manifestación divina.

Dejando aspectos filosóficos a un lado, nos encontramos ante un trabajo construido por detalles y arreglos inmensos que van desde un rock progresivo clásico y pastoral, como el Oldfield de Incatantions, para pasar a bucolismos al piano y a los instrumentos acústicos, con los que Robert se desenvuelve a las mil maravillas. Y es que Santamaría no solamente es un virtuoso de los teclados, recordando en sus esmeradas intervenciones tanto a Banks como a Emerson, o de las guitarras de 12 cuerdas, que son pulsadas magistralmente como si de un Anthony Phillips en estado de gracia se tratara; sino que también se hace cargo de instrumentos menos tradicionales en el mundo occidental, como el kanun, el saz, el santur o la kalimba, entre otros. Y es precisamente por esa variedad instrumental tan amplia que la música de Amarok está siempre impregnada por aromas y esencias que palpitan constantemente en su interpretación formal.

A Santamaría le acompañan también Marta Segura, una vocalista inseparable de la marca Amarok, proporcionando una calidez sensible en cada una de sus intervenciones. Además, participan muchos más músicos que imprimen carácter a los temas, entre los que destacaría a Manel Mayor y sus sentidas flautas; a los bateristas y percusionistas que dan vida al corazón de Amarok de la mano de Paul Zañartu o del inefable maestro Renato di Prinzio; a la trompeta de un exquisito y acertado Tarik Smith; y también al apetecible Theremin de otro habitual de Amarok, Víctor Estrada.

Como decía antes, asistimos a una confluencia de géneros, con predominio total del rock progresivo de tinte más clásico e idílico, pero adornado de intervenciones folk rock, gracias a esa prominencia de violines, o la música oriental más sensible gracias a intervenciones de tablas y ese piélago hermoso formado por el saz o el kanun, de los que Robert Santamaría es un hábil mentor y  maestro. Incluso se escuchan las brisas del Mediterráneo generadas por el bouzouki, o las guitarras y teclados acústicos y trompetas, que nos devuelven ecos italianos a lo Banco del Mutuo Soccorso.

El resultado final es un exquisito lienzo musical impregnado de delicadeza y folclorismo latentes, intimismo en las exposiciones, fluidez en los desarrollos y fuerza anímica en la ejecución del conjunto total. Se nota que es un trabajo cuidado y hecho a gusto, sin ninguna duda. Las músicas contenidas en Canciones para un Planeta Herido nos transportan con ese sentimiento que sólo Amarok sabe imprimir a través mundos oníricos en los que no sólo la música es elaborada, sino también las letras y la poesía contenida en ellas con un mensaje natural comprometido.

En definitiva, estamos ante una obra muy trabajada, que se empezó a acrisolar en 2022 y 2023 y ha desembocado en un auténtico deleite espiritual que trasmite emotividad, riqueza expresiva, energía, gracia, frescura y solidez de planteamientos, lo que nos lleva a definir a Amarok como un grupo esencial en el panorama mundial de la música progresiva convertida en Arte imperecedero.

https://robsant.bandcamp.com/music

CROMA: DOBLE COS (2024, 5 LUNAS PRODUCCIONES)

CROMA: DOBLE COS (2024, 5 LUNAS PRODUCCIONES) 

Temas: 

1. Intro (2’08)
2. Echoes (1’24)
3. Pinotxo (9’37)
4. Ocells (2’04)
5. Cims (5’20)
6. Speed (3’33)
7. Danses (2’10)
8. Somni 5:32
9. Bye bye 1:56
10. Recreació (bonus track) 6:08

 Músicos: 

Josep María Trotta: teclados

Lluis Escarrá: guitarras

Josep Fonts: bajo

Quim Pratdesaba: batería

 

Es de agradecer la labor de rescate del progresivo español que está haciendo desde Andalucía el sello 5 Lunas Producciones. A la edición de los volúmenes de recuperación de temas y grupos que, de otra manera hubieran quedado en el olvido de muchos, titulados genéricamente como Progressive Rock Side of Five Moons, de los que disfrutamos ya de cuatro volúmes, tenemos que añadir, para disfrute y puro placer del seguidor del género progresivo patrio, este CD de los legendarios catalanes Croma, que no pudo ver la luz en su día, pese a su calidad y trayectoria manifiesta.

Por otro lado, este CD, inédito en formato físico hasta la fecha de hoy, además, inaugura la serie Arqueoprog, cuya intención es devolver a su vida a artistas y grupos de música progresiva, jazz-rock o electrónica, que han dormido injustamente en la sombra del olvido. Y he de decir que ha sido un acierto total inaugurarlo con Croma, un grupo increíble pasado por alto, que se merece, como poco, su lugar en el panorama progresivo musical de forma destacada.

Si hacemos un poco de arqueología, parafraseando la edición, Croma existió durante casi toda la década de los setenta, concretamente desde 1972 hasta su desaparición en 1979, y fue un grupo que actuó incansablemente, demostrando su calidad y buen hacer musical, participando en numerosos conciertos y festivales de los que, cómo no, habría que destacar el legendario Primer Calella Camping Rock, en agosto del 77, donde se codearon y compartieron tablas junto a Iceberg, Bloque, Borne, Asfalto, Ñu, Triana, Atila o Suck Electronic, por no citar a todos. Sería posteriormente, en 1979, en el estudio de otro músico, Joan Amils, en Gerona, donde grabarían una maqueta en un 8 pistas.

Y de aquella maqueta, con el tiempo mimada, recuperada y restaurada, de la mano de Lluís Escarrá, el guitarrista del grupo, surge esta edición remasterizada por 5 Lunas Producciones, mostrando un trabajo de sonido pulcro y cálido en lo puramente técnico y lleno de vehemencia y emoción en lo netamente musical.

Croma desarrolla en Doble Cos, una paleta colorida de rock progresivo que nos lleva desde Gòtic, otros ilustres catalanes, hasta los míticos Camel, pero con una personalidad propia en la que desarrollan su rock progresivo, exclusivamente instrumental, en base a sentidos desarrollos donde los arreglos, muy cuidados, y las melodías y ritmos seducen constantemente al oyente.

Música de enorme sabor mediterráneo, en ocasiones me llegan incluso a recordar a Le Orme, plagada de matices luminosos y optimistas que recorren pasajes llenos de belleza, técnica y pasión, con intervenciones estelares de teclados, magistralmente ejecutados por Josep María Trotta, un enamorado de Keith Emerson o Peter Bardens, que es la guía de cada uno de los temas, variados en su duración, desde los 2 minutos a los 9, y que actúa como maestro de ceremonias dando entrada y protagonismo, a la par, a la guitarra del citado Lluís, que con emotiva presencia proporciona fuerza y maravilla a la música de Croma. Una música, intrincada con arreglos complejos, que sirven también de lucimiento a una generosa base rítmica, muy técnica y emocional, que cierra el perfecto círculo progresivo de Croma.

Después de 45 años, nos encontramos con esta mayúscula sorpresa agradable de ver, por fin, plasmada la música de Croma en formato físico. Y aunque es verdad que tarde, se hace justicia y se enmienda este tremendo e imperdonable olvido de un grupo que crea música para el deleite y gozo de un oyente que, al final, queda subyugado por la excelencia de esta música intemporal. Difícil sería comprender una pretérita época musical de oro, la de los setenta en España, sin la presencia de este grupo.

Doble Cos y su música ya tiene su sitio, ganado por méritos propios, en el altar del rock progresivo español, y universal, por su corazón, creatividad y frescura. Espléndido trabajo de música radiante.

https://5lunas.net/producto/croma-doble-cos/

LE TOUR DE FORCE (2024, AUTOPRODUCIDO)

LE TOUR DE FORCE (2024, AUTOPRODUCIDO)

Temas:

1. Radical
2. Planet 503
3. The genesis of the Seven Tides
4. Inconsciencias
5. Daydreaming
6. Psycho-jungle
7. Penguins

Más que un esfuerzo notable, lo que supone el debut de este trío instrumental zaragozano es una sublime hazaña musical construida al margen de las modas y de cualquier tipo de prejuicio. El descarado templo sonoro erigido por Le Tour de Force, producto de una dilatada experiencia pretérita, se construye sobre una base sólida en la que el avezado terceto muestra todo su inquieto potencial.

El torrente desgranado en esta declaración de intenciones nos contagia del desparpajo con el que se muestran elaborados temas en los que se plasma una música hecha con técnica y más sentimiento. Y digo esto porque se nota que el grupo disfruta con lo que hace y, lo que es más importante, lo sabe transmitir a un oyente que, al instante, se convierte en cómplice de ese monumental lienzo que dibuja un trío con un currículum de ensueño. Fernando de la Figuera, guitarras y strings; Fran Gazol, batería y percusiones; y Martín Gros, bajo, son descendientes de la familia y musa armoniosa zaragozana y la inspiración, fruto de un dilatado trabajo tenaz, parece sobrevolar cualquier instante de su actividad.

Asistimos, emocionados y conmovidos, a una música electrizante, elaborada y muy trabajada en las que la contribución al jazz rock, a la fusión y, en mayor medida, al rock progresivo es su sólida carta de presentación: desde King Crimson, grupo declarado como uno de sus favoritos y que amalgama la esencia del grupo, pasando por el jazz rock de Jeff Beck o la fusión de Dixie Dregs o Tri-Offensive, hasta el John McLaughlin más entregado de los setenta, tienen cabida en este CD, nada derivativo pese a las referencias, compuesto por siete temas, en los que el estilo de ejecución de los instrumentos tiene un alto nivel de complejidad y de técnica, no exenta de una enorme pasión que acrisola su exultante resultado final.

De principio a fin, la música crece, si cabe, por momentos y desde las notas iniciales de ese “Radical” hasta el apabullante epílogo de “Penguins” la trama se desarrolla en una monumentalidad instrumental, en un crescendo progresivo, nunca mejor dicho, que explora terrenos sonoros que van de la emoción al sentimiento, de la luz a la sombra, de la energía a la quietud, en un viaje infinito pleno de armonía y revolución.  Música del corazón para el alma, en definitiva.

Compromiso compositivo y pasión interpretativa son el común denominador de esta terna seductora que, desde este su inicio discográfico implacable, no deja a nadie indiferente. Estamos ante uno de los grupos llamados a conquistar el podio musical de un género, el progresivo, tan maltratado por autodenominados gurús luminosos de barnizado e insulso papel cuché. Asistimos a la explosión estelar de la que será una supernova longeva en el panorama nacional. Siente el orgullo de ser testigo de ello y diviértete con su música.

Ejemplares disponibles en el Cabaret Café de la calle Andrés Piquér 2, si paras por  Zaragoza, o pedidos a letourdeforcemusic@gmail.com

A PROPÓSITO DE PROGRESSIVE ROCK SIDE OF FIVE MOONS

 A PROPÓSITO DE PROGRESSIVE ROCK SIDE OF FIVE MOONS

La serie de volúmenes impulsados por el infatigable y emprendedor sello 5 Lunas Producciones no es sino el trabajo sensible y arriesgado, a la vez, de quien está prendado del rock progresivo hecho en España en distintas épocas y momentos. En realidad nos enfrentamos a un inmenso trabajo de recuperación y muestra de las músicas progresivas, y con talante progresivo, que se hicieron, y se hacen, en nuestro país, con el único objetivo de mostrar un catálogo cautivador que seduzca realmente al seguidor del género progresivo.

Es por ello que me atrevo a afirmar que no nos encontramos ante un formato recopilatorio y normalizado al uso. Un formato, el recopilatorio, que en muchas ocasiones no es bien acogido por constituir meramente una selección de lo mejor de uno o varios artistas. Y es precisamente ahí donde 5 Lunas Producciones de un paso adelante en esta concepción musical como trabajo meticuloso de recuperación, casi de manera arqueológica, de una serie de bandas y músicas dormidas, olvidadas, insólitas e inéditas, que, de otro modo, hubieran seguido soñando su existencia en el abandono y la ingratitud.

Buceando esforzadamente entre archivos, documentación y selección escrupulosa, 5 Lunas Producciones periódicamente nos regala, porque es un auténtico regalo, el fruto de su investigación y nos brinda la oportunidad de descubrir temas y grupos que hubiesen sido pasados por alto por la mayoría de oyentes e, incluso, fanáticos aficionados al género. Y es ahí donde radica esa diferencia entre un recopilatorio de temas ya publicados y una colección dedicada en cuerpo y alma a ampliar nuestro catálogo musical con un tesoro de incalculable valor.

Quizá haya quien diga que existe una delgada línea roja entre un recopilatorio al uso y esta serie, que ya alcanza su cuarto volumen, del sello andaluz. Yo, lo acepto, faltaría más, pero también manifiesto bajo mi punto de vista determinado que Progressive Rock Side of Five Moons es algo más que un compendio de música. Estamos ante un ejercicio de revelación, un ejercicio de descubrimiento musical, ante un auténtico tesoro de arqueología musical que merece ser entendido y valorado en toda su dimensión.

5 Lunas Producciones

AMAROK ULTIMA LOS DETALLES PARA SU REAPARICIÓN

 

Después algo más de 16 años (la última actuación de Amarok fue en junio de 2008 en el FestivAlterNativo de Querétaro, México), Amarok se prepara para reaparecer en el Babelsound World MusicArtist Residency, que se celebrará en Balatonboglár (Hungría) entre el 22 y el 27 de julio próximos. En esta ocasión, por motivos de subvenciones y otros temas burocráticos, irá bajo el nombre de Ensemble Spatium. La actuación tendrá lugar en el escenario principal el día 22 de julio a las 21.00 h. 

Para ello, el grupo ha seleccionado el material más progresivo-étnico de su repertorio, que incluye temas clásicos de Amarok, de Dafnia y del Ensemble Spatium. También está trabajando en un set progresivo para regresar a los escenarios del género. 

La formación actual de Amarok incluye a los miembros históricos Robert Santamaría (teclados, kanun, saz), Marta Segura (voz), Pau Zañartu (batería y percusiones) y Alan Chehab (bajo). Las nuevas incorporaciones son Joan Miró (guitarra acústica, oud y voces) y Anna Valls (violín). 

De momento el grupo ha colgado dos vídeos de sus ensayos. Uno con una potentísima interpretación del tema “Mujer Luna” y otro con una gran selección de los temas del nuevo repertorio. 

Así pues, éste se presenta como un año muy interesante para el grupo, que está próximo a editar su nuevo álbum doble, Canciones para un Planeta Herido, con el sello mexicano Azafrán Media.

Daremos cumplida reseña de la actuación de la banda a su regreso de tierras húngaras.

ATILA: ENCARNACIÒ (2024, 5 LUNAS PRODUCCIONES)

ATILA: ENCARNACIÒ (2024, 5 LUNAS PRODUCCIONES)

Tras un poco más de cuatro décadas y media de silencio discográfico en estudio, vuelve Atila para presentarnos un trabajo progresivo de factura actualizada y con una calidad y un corazón que sobrecoge por momentos.

Atila, cabalgado por un incombustible Joan Punyet, que no sólo se dedica a marcar los pulsos de este trabajo, sino que también se hace cargo de texturas a los teclados, a los bajos y a las guitarras, todos ellos de manera más que solvente, se rodea de músicos que no hacen sino dar volumen cálido a una obra que se me antoja imperecedera. Ahí están antiguos colegas como Benet Nogué, que firma el cierre de este inconmensurable Encarnació, pero también aparecen músicos de reputada trayectoria como Toni Castarlenas, grandísimo guitarrista, o Víctor Mateos Willy, complejo teclista que abraza los temas con técnica y alma perfectas, acompañados por el ex Sherish Juanma Rodríguez, el Storm José Ramón Torres, el ex Guadalquivir Andrés Olaegui, el omnipresente Mike Starry, perdonadme el juego de palabras, y el vocalista César Ortiz y la cantante Txell Rebel.

Composiciones redondas, algunas de ellas ya mostradas en la última, valga la expresión, encarnación de Atila allá por los años 80 del siglo pasado, como es la suite que abre el disco y lleva el mismo título que él, dividida en dos partes, o “Estranya màgia” (ambas con momentos líricos). Pero también aparecen temas guardados en la mente de Punyet, como ese impresionante lienzo musical arábigo-andaluz que es “Danza del dàtil daurat” y “Retorn”, uno de los temas del disco que mejor transmite la calidad del nuevo sonido Atila. “Volada”, como he dicho antes, tema de Benet Nogué, pone el broche mágico con su invocación a tiempos pasados gracias a una melodía que explora sentimientos arcanos de infinita belleza.

Los temas se desarrollan fluidos, pese a su complejidad instrumental, y transcurren sin descanso, elaborando un universo sonoro pleno, sin complejos ante el porvenir, trabajado hasta el paroxismo, incurriendo en relatos oníricos donde la belleza se explora sin descanso en un ejercicio de comunicación con el oyente que se rinde impávido ante un trabajo hecho desde el corazón para deleite de los sentidos.

Estamos ante un trabajo que nace con fuerza implacable, producto del amor de un músico incansable e inquieto que ha sabido enlazar tiempos remotos con un presente esperanzador que, seguro, dará nuevos frutos en el futuro. La leyenda de Atila renace, engrandece su nombre en el siglo XXI y asienta unos nuevos cimientos que sostienen en pie el sueño de Joan Punyet, un amanuense del Arte con mayúsculas.

Cómpralo en 5 Lunas Producciones: Atila

AMAROK: ANIVERSARIOS Y PRESENTACIÓN DE SU NUEVO ÁLBUM

Amarok libera temas para celebrar el 30 aniversario de Els nostres Petits Amics y el 20 de Quentadharken y presenta el video de su nuevo álbum Canciones para un Planeta Herido. 

Para celebrar estas efemérides, Amarok ha publicado un Bandcamp, Extras Amarok 2024, con tres temas inéditos. En primer lugar se puede disfrutar de la versión original de “La última expedición” grabado en Caracas entre 1983-84, y que luego fue actualizado para formar parte del disco
Quentadharken, una versión que resulta interesante por el uso de teclados analógicos como el órgano Crumar Organizer T-1, el sintetizador Roland SH-3A y la Caja de Ritmos Mattel Synsonics Drums.

Por otra parte, los otros dos temas, “Amarok parte II” y “Dolç regust del meu record”, formaron parte

de la primera época de la banda, quedando descartados tanto para la edición del cassette Migracions como para el CD Els nostres Petits Amics. 

Además, a la espera del lanzamiento por parte del sello mexicano Azafrán Media del nuevo disco doble de Amarok, Canciones para un Planeta Herido, el grupo ha hecho un vídeo de presentación con uno de los temas del álbum, “Numa”. En él se muestran las magníficas ilustraciones de Anabel Ballesta, que  estarán las carátulas y los libretos del CD.

COCHÈ VIL BAND: "BRAND NEW START"

Con este título llega el sencillo más potente que los gallegos hayan hecho hasta la fecha. Leonel desarrolla toda su creatividad y descarga una buena dosis de adrenalina. Es quizás más hard y menos prog que anteriores trabajos, pero siempre sin dejar de lado el sonido característico de la banda. Hay que destacar la buena narrativa también de mano de Leonel y las contundentes guitarras de Sebas y Cochè. 

Grabado por el cuarteto:

Cochè Vil: bajo y guitarras.

Sebas Mato: guitarra eléctrica. 

Brian Petry: batería y percusión. 

Leonel Silva: voz.

El sencillo está arreglado y producido por el propio Sebas Mato y se puede escuchar en primicia en Soundcloud

A LA VENTA EL TRIBUTO A CHICK COREA DE GUADALQUIVIR: OLE COREA!

 

Nota de prensa de 5 Lunas Producciones:

“Ole Corea! es el último disco grabado por la banda andaluza Guadalquivir, es un maravilloso homenaje al maestro Chick Corea. 5 Lunas se une a esta iniciativa con el mayor de los entusiasmos publicando este importantísimo trabajo. Es un disco donde se interpretan una selección de temas de Corea, pero “guadalquivizados”, es decir, con ese toque que caracteriza el sonido de la banda. En esta ocasión Guadalquivir se acompañan de 42 amigos (destacados músicos del jazz-fusión a nivel nacional) para compartir este proyecto.

La portada lleva un mensaje profundo y simbólico. El tatuaje que adorna la piel representa la música de Chick Corea que llevamos en nuestra sangre. Es un recordatorio constante de su influencia en nosotros y un tributo a su legado que nunca se desvanecerá.

Para 5 Lunas es un honor publicar este trabajo, por una parte, por contar en nuestro catálogo con un grupo tan valorado y admirado como es  Guadalquivir, y por otro lado por participar en el homenaje a este genio tan creativo mundialmente conocido como es Chick Corea.

Estamos convencidos que el contenido de este trabajo no te va a defraudar, y su diseño tampoco, se ha trabajado con mucho esmero para que el resultado fuera lo mas hermoso posible.”

Ya a la venta en: 5 Lunas Producciones